MONDO PUTO

2010-03-26T09:09:00.006+01:00

EL LIBRO DE ELI
(REVIEW) La evolución de blockbuster norteamericano desde los noventa parece haber seguido una relación simbiótica con el desarrollo de los efectos especiales, centrándose cada vez más en una serie de secuencias de espectáculo puro hilvanadas mediante una muy delgada línea argumental. Los tiempos en los que se llegaba a pagar un millón de dólares por un buen guión o una buena historia cambiaron por otros nuevos donde se buscaba el más difícil todavía y la técnica buscaba el entretenimiento a través de la acción combinada con diálogos en dosis más o menos regulares. Sin embargo, empiezan a abundar ejemplos de cine que, como El libro de Eli, ni siquiera logran administrar bien la acción, confiando en una capacidad narrativa que no llega a los estándares básicos para aguantar su visionado durante dos interminables horas.

Los primeros planos, con su color crudo y fotografía quemada, crean la impresión de estar ante una posible versión en clave serie B (aunque con un presupuesto cuatro veces mayor) de La carretera (The Road, 2009), con un inicio que muestra el mismo tipo de paisajes desolados y habitantes solitarios, peligrosos y sin escrúpulos. Pronto, el escenario cambia los vastos derrubios desolados por una pequeña población que intenta reiniciar una civilización con reglas y el nuevo orden del villano de turno, un Gary Oldman en modo “cara de conde rumano”, que recuerda demasiado a situaciones vistas en post-apocalipsis de siempre como Mad Max III (Mad Max Beyond the Thunderdome, 1986) o de la última década como Doomsday (Doomsday, 2008) o La tierra de los muertos vivientes (Land of the Dead, 2005) (1).Terminado el primer acto de la película, la discreta acción se ve relegada a escenas aisladas que intentan mantener el interés en un tedioso rifirrafe pseudo-filosófico de risible guión. Sin desmerecer los trabajos de los actores principales, en especial el siempre correcto Washington, la película roza los límites de la idiotez en sus incongruencias de argumento (que el guionista nos diga qué marca de Ipod usa el protagonista treinta años después del holocausto), y es tan pobre e impostada en su estética que incluso una explotation italiana de los ochenta resulta más genuina y, evidentemente, mucho más divertida. No es menos plomiza e innecesaria la exploración sobre la religión que ofrecen los hermanos Hughes. Todo ello lastrado por una duración excesiva, con diversos anticlímax que se adivinan a la legua a pesar de su tramposo desarrollo. Lo más interesante se resume en el misterio que rodea al personaje de Eli, cuya única misión es portar una Biblia hacia el oeste del país. El punto de partida es idéntico al del cómic Sólo un peregrino (Just a Pilgrim, 2001-2002), de Garth Ennis, con un personaje errante y solitario que porta una Biblia mientras camina por una tierra quemada por el sol. No hace falta esperar hasta el final para reconocer la inspiración en el popular personaje japonés Zatoichi, que también sirvió de base para crear al héroe de Furia ciega (Blind Fury, 1989). Ni siquiera los tímidos coqueteos con el western logran alejar el producto de la medianía y el ocasional aburrimiento, salvo quizás esa tronchante comunidad de beatnicks que El libro de Eli se guarda bajo la manga, sazonando todo con una solemnidad envidiable en su desvergonzada desfachatez.

Notas:

(1) Una conversación entre el personaje interpretado por Gary Oldman y Denzel Washington copia frases del diálogo entre el villano Kauffman y Riley en la infravalorada cinta de Romero. En la película de Marshall, un oscuro Malcolm MacDowell reina en una civilización que imita la Edad Media. Curiosamente, aquí interpreta un personaje con la misma entidad pero en el “bando” opuesto.

2010-02-26T08:53:00.006+01:00

SHUTTER ISLAND
(REVIEW)

El virtuosismo no consiste en demostrar el dominio y la capacidad para ejecutar una pieza cinematográfica. El virtuosismo es realizar un trabajo de forma profesional y en el camino, silenciosamente, señalar los billetes para que la marca quede impresa durante su vida útil. Sutther Island es una modélica adaptación cinematográfica que se atreve a ir más allá de lo que la novela original puede albergar. Aunque la historia esté plasmada más o menos tal cual, la película es un animal muy distinto. Ofrece una visión poliédrica de un texto más obtuso gracias a sus imágenes ambiguas que permiten al espectador juzgar por sí mismo lo que ha visto, dejando tanto espacio para la interpretación como una película de Jacques Tourneur o Mark Robson. Es en la multi-referencia cinematográfica donde Martin Scorsese se ha permitido dar rienda suelta a su cinefilia. La historia es jugosa, y el director se divierte creando atmósferas góticas a lo Charlotte Bronte, se recrea en la tormenta de incógnitas y suspense de Alfred Hitchcock, y convierte a Leonardo Dicaprio en un Jack Nicholson interpretando Alguien voló sobre el nido del doctor Caligari. Podría ser esperable que la película fuera un trabajo menor en la filmografía del neoyorquino, ya que su coqueteo con el fantástico y la serie B pudiera ser tomado como una diversión culpable. Pero Scorsese demuestra su conocimiento de la verdadera serie B, la de maestros como Val Lewton, y convierte aquella máxima en la tuerca principal de la odisea sin salida en la que acaba convirtiéndose el largometraje. Los fotogramas navegan entre tonos azulados y húmedos y los más cálidos en los momentos con fuego o determinados recuerdos. La fotografía y diseño de producción contribuyen a la sensación de claustrofobia que acaricia la quimera de Teddy Daniels. Todos los elementos contribuyen a crear un estado de volatilidad constante, donde el plano psicológico permeabiliza lo real y la banda sonora, muy reseñable, nos acompaña en el tortuoso camino hacia los laberintos de la locura.
Shutter Island es un trhiller vibrante que juega al despiste. Bajo su impecable formato, va incorporando a la trama pequeños anexos que crean cierta perplejidad, se acumulan demasiados elementos y los giros y flashbacks no acaban de llevar a ninguna parte. Una lectura simplista de la resolución final de la compleja trama puede crear la ilusión de que los logros almacenados durante el asfixiante viaje se echan por tierra en unos minutos. Pero precisamente, hasta ese momento no nos damos cuenta de que esa no era la película que pensábamos estar viendo, y es posteriormente cuando cobran sentido todos los detalles e inconsistencias. Puede resultar un desarrollo capcioso, pero la realidad es que cada pequeño gesto es una pista, y logra que la película deje huella dentro de la confusión. Es tan denso el poso que resulta imprescindible un segundo (o tercer) visionado.

2009-12-26T19:09:00.008+01:00

BIENVENIDOS A ZOMBIELAND

(REVIEW)

Que el cine zombi ha conquistado el mainstream es una realidad más que palpable en la primera década del nuevo milenio; si bien ha vivido un resurgir de oro en la mitad de ésta, en producciones como Zombieland no se vislumbran síntomas de decadencia. Y es que el debut de Ruben Fleisher entra de lleno en los cánones de la comedia norteamericana más tradicional, aquella donde no es raro ver a algún cómico del Saturday Night Live haciendo cameos, llevándola a terrenos romerianos con un presupuesto holgado, visualmente impecable. Entre toda la avalancha de cine sobre o con muertos vivientes de estos años no faltan las comedias y parodias que, como Zombie Party (Shaun of the Dead, 2004) o Slither – La plaga (Slither, 2006), diluyen el horror implícito del contenido con una fórmula plagada de sarcasmo y diversión. En esta producción, la Norteamérica post-apocalíptica y sus muertos se combinan con historias de amor adolescente y perdedores simpáticos, la cinefilia y los guiños con la acción y el gore. Una mezcla no demasiado original, pero que resulta plenamente satisfactoria al convertirse un espectáculo vertiginoso con una historia sencilla que fulmina su metraje en un abrir y cerrar de ojos. Ante la saturación de títulos sobre muertos vivientes del último lustro, Zombieland logra bordear alguno de los convencionalismos más trillados, ofreciendo una road movie que se sostiene en un guión más mimado de lo que se acostumbra a ver en este tipo de cintas. Los personajes son el acento de la historia y los muertos pasan a segundo plano en casi todo el eje central de los acontecimientos, aunque no faltan planos sangrientos, mala baba y zombis viscosos y amenazantes para satisfacer la demanda de los amantes del género. El debut de Ruben Fleischer en la pantalla grande fortalece la figura del zombi como icono de la cultura popular del siglo XXI. La película presenta un mundo colapsado que se asocia de forma inequívoca al muerto viviente. Este escenario está reinventado en videojuegos, cómics, best-sellers y relatos que no cesan de aparecer en el mercado y han elevado al muerto viviente a la categoría pop que tuvieron, por ejemplo, las criaturas de la Universal en los años 30. La diferencia de Zombieland con otros cocktails de géneros de su especie es que presupone el conocimiento de ciertos clichés por el espectador para jugar con ellos e inventar ciertas reglas, como si de un juego de rol se tratase. Porque en Zombieland todo lo que hace que una película gane fama de Serie B está tratado no sólo con los medios de una Serie A, sino con la agilidad de montaje y aspecto de una teen movie al uso, recursos musicales que componen pequeños videoclips (empezando con la secuencia de títulos de crédito, una pequeña maravilla) y una dirección que muestra la poca intención de Fleischer de convertirse en el nuevo realizador splattspic de moda. En el fondo, sus pasos parecen guiarle tras gamberros como John Landis o Harold Ramis, cuyos picoteos con el fantástico eran tan geniales como puntuales.

2009-12-01T21:33:00.008+01:00

PARANORMAL ACTIVITY
(REVIEW)Las teorías sobre la llegada de la posmodernidad al cine de horror han fecundado diversas divagaciones en torno a la efectividad de la falta de medios, los méritos de la publicidad viral o la importancia de internet en el devenir en las taquillas de pequeñas producciones que en principio no tienen nada que perder. Hay algo romántico en estas milagrosas historias de independientes que periódicamente se enfrentan a grandes artefactos de estudio como David contra Goliath, venciendo, demostrando, complaciendo a quienes pretenden aclarar que una película no necesita de grandes presupuestos para atraer a la gran masa que desea ser asustada y entretenida por el mismo precio de la tercera parte de la última multimillonaria saga de moda.

Centrándose en el éxito de público en relación a su presupuesto, Paranormal Activity figura como el mejor ejemplo de cómo una película que renuncia a los mecanismos básicos que sostienen el Séptimo Arte (montaje, guión, fotografía...) puede convertirse en un fenómeno numérico y en una película en la que el boca-oreja genera una obligación ficticia para con el potencial espectador, que siente una curiosidad brutal por ver lo que sucede en esos misteriosos fotogramas azulados que muestran los tráileres de otra cinta que explota el aspecto documental para desarrollar una trama vista otras muchas veces.
Sin entrar a comparar con recientes éxitos del mismo calibre, se puede afrontar esta nueva muestra de terror documental como el equivalente al cine de poltergeist como [REC] (2007) lo pudiera ser al de zombies o Monstruoso (Cloverfield, 2007) al kaiju eiga. Mucho más rentable que éstas, Paranormal Activity se benefició del sistema de marketing que depuraron las anteriores, siendo casi imposible valorar el fenómeno de las rentables videoproducciones sin que se las asocie a un gran diseño publicitario. Pero, lejos de los números, los datos y la recomendación de su visionado por el vecino del tercero o la peluquera de turno, cabe preguntarse qué hay detrás del ruido y las páginas de los foros. Más allá del cómo, en el celuloide queda el relato de una pareja que decide dejar constancia del asedio que sufre por parte de alguna entidad demoníaca, que se manifiesta de forma más o menos violenta en su propia casa. Nada nuevo ni original, salvo por su calculado desarrollo climático que satura la narración con episodios nocturnos en la habitación de los protagonistas. Una idea narrativa con aspiraciones a un “menos es más”, que en esta ocasión genera cierta sensación de tedio en su narrativa auto-especular, donde el juego de las cinco diferencias sobre un mismo plano se eterniza con minúsculos sucesos que, si bien consiguen inquietar, se apoyan en una demasiado adocenada serie de excusas entre escena y escena que pretenden apoyar la progresión y virulencia de los ataques con un trasfondo ocultista que aporta poco y abre demasiadas líneas sin final.
La mirada naturalista del día a día de una pareja como cualquier otra es creíble pero endeble, tan realista como poco excitante, pero funciona en la mayor parte del metraje, tanto como elemento de aproximación como propia excusa para el formato. No son pocos los logros de una película como Paranormal Activity. Asusta y logra crear tensión en su irregular y excesivo metraje, pero no supone ningún avance en el manejo de los engranajes del suspense ni se erigirá en abanderada del nuevo cine de terror. No entraremos a juzgar si el hype está justificado o no, es sólo otra muestra de ese celuloide crudo que recurre a la vena hiperrealista para conseguir inmutar al espectador.

2009-10-17T13:55:00.005+02:00

CARRIERS(INFECTADOS)

REVIEW

En plena eclosión de la gripe A vivimos una auténtica pandemia de infectados, zombis, contagiados y otras variantes que copan las pantallas como única alternativa original a los constantes remakes de películas de género. La década que agoniza se confirmará como la era del “Horror Vírico”, y conforme proliferan las muestras de este género, el escenario donde tiene lugar sus historias se muestra más post-apocalíptico. El monstruo de esta década, como en los ochenta, vuelve a ser el muerto viviente, pero en su versión de ser enfermo, como medio de transmisión de la peste. Infectados deja de lado al zombi para crear un monstruo de la misma familia: el portador. Su característica principal es que no presenta un peligro de forma directa, sino que es el medio, la vía que permite que la muerte se propague. Lo más peligroso de estos Infectados es su capacidad de crear sentimientos de compasión en la persona sana y su facilidad para contaminar a otros seres humanos. La película de los hermanos Pastor intenta explotar las implicaciones dramáticas del contagio a través de las relaciones personales de los supervivientes y sus reacciones ante la infección de un ser querido. El peligro crea ciertas reglas para sobrevivir, y el guión se centra en seguir como éstas se cumplen o se obvian según las situaciones. En realidad es una road movie poco accidentada que acaba resultando un viaje demasiado plano, ya que, pese a la eficacia de algunos actores, nunca logramos implicarnos con esos personajes tan lejanos y algo prefabricados. Esto, junto a una iluminación y empaque muy del gusto de Hollywood, la convierte en un extraño híbrido que no acaba de encontrar su foco.

Infectados es una versión seria de Cabin Fever (2002) o The Ruins (2008), cambiando sus emplazamientos por una autopista, y La carretera (2007) es una versión seria de esta misma película, que sugiere que los hermanos Pastor leyeron la novela de McCarthy, publicada en 2006, antes de comenzar el guión. Falta de originalidad aparte, la película está bien facturada, quizás el look americano enmascara aún más esa tendencia al drama que no ayuda a definir los sustos baratos como sombras que cruzan el plano a toda velocidad. Un viejo truco incomprensible si hablamos de unos portadores sin ánimos homicidas. Pequeñas incongruencias aparte, el resultado final es una película con buenas intenciones pero que resulta perjudicada por un enfoque un tanto equivocado al tema que no sabe definirse entre el drama y la pura película de género, cuyos personajes parecen salidos de una serie juvenil y no poseen la profundidad que los autores pretenden hacer parecer.

2009-09-20T20:12:00.009+02:00

REVIEW

MALDITOS BASTARDOS

(INGLORIOUS BASTERDS,2009)No es necesario, a estas alturas, poner de relieve la sobresaturación referencial del cine de Tarantino. Las influencias y préstamos nunca han sido negados por el autor, hasta tal punto que sus películas pueden servir como un juego para cinéfilos avispados. Kill Bill (2004) reciclaba la columna vertebral de la obra maestra de Sergio Leone, Hasta que llegó su hora (C'era una volta il West,1968) para contar una historia de venganza como la de Harmónica, haciendo de la secuencia de la truncada boda de La Novia una imagen especular de los flashbacks del personaje de Charles Bronson, cuando su familia era asesinada por un diabólico Henry Fonda. En los minutos iniciales de Malditos Bastardos, Tarantino, directamente, cambia de emplazamiento geográfico del Oeste por una "Francia ocupada por los Nazis" y recompone las secuencias de Leone para dar punto de partida a otra historia de venganza como la de Kill Bill. Sin embargo, mientras ésta funcionaba como un collage de retales multigénero, la nueva película del director de Pulp Fiction (1994) rescata su dominio del tempo narrativo, su conocimiento de la estructura cinematográfica, el juego con el suspense y el uso del medio como arma de engaño al espectador, llevándolo exactamente a donde él quiere en todo momento. La estructura deliberadamente literaria de la película, dividida en cinco capítulos, es la descomposición por subtramas de un hecho ficticio dentro del marco histórico de la Segunda Guerra Mundial. Las aventuras de una judía en busca de venganza y un escuadrón de soldados que se dedican a sembrar el terror entre las filas del ejército nazi son la base para crear una fantasía pulp con espíritu de Comic Book, con la misma intención que una tira de Hazañas Bélicas, con un ojo puesto en Samuel Fuller y otro en el Aldrich de Doce del patíbulo (The Dirty Dozen, 1967). Una vuelta en toda regla a la visión frívola de la guerra, empleada como escenario para el entretenimiento, dilapidando los esfuerzos de esa cinematografía reflexiva y moralizante sobre el Holocausto que copa las pantallas en la última década. Lejos de ser una reivindicación de un tipo de cine, Tarantino utiliza como excusa una buena colección de personajes perfectamente construidos para proponer un análisis de la importancia del guión en el impacto emocional de la puesta en escena. No hay grandes secuencias de acción, ni batallas hiper-coreografiadas, todo se desarrolla a través del diálogo y de las brillantes interpretaciones de todo el elenco, sin excepción, que recita las líneas de guión en sus lenguas originales. Los idiomas, que como la ambientación de la época son factores determinantes en la propia trama y dan lugar a algunos de los momentos más hilarantes de la película. No sería ninguna tontería señalar Malditos Bastardos como la producción más equilibrada de su director ya que, si bien es evidente que se ha preocupado más por sacrificar metraje y ofrecer una obra compacta (el guión encaja todas las piezas con la precisión de un reloj suizo), nos encontramos ante una obra donde caben todas las obsesiones del autor. En su sello coexisten el diálogo y su cinefilia, que en esta ocasión no se queda en la mera cita. El suspense que hace sudar de Alfred Hitchcock, el humor paródico del Kubrick de Teléfono Rojo: Volamos hacia Moscú (Dr. Strangelove or: How I learned to stop worrying and love the bomb,1964), sin descuidar el aspecto visual con arrebatos estéticos deudores de Brian de Plama (Sossanna acicalándose antes del momento de su ansiada venganza al son de una canción de David Bowie). Un Tarantino más maduro que sin embargo no renuncia a su gamberro uso de la violencia, su fetichismo por los pies femeninos y el sarcasmo marca de la casa. Malditos Bastardos nunca deja un segundo de respiro en su dilatado minutaje, es una brillante recuperación de aquel cine bélico de mercadillo que se consumía en los 60, que no pretende nada más que entretener y presentar a unos personajes mitificados siempre hasta el extremo. Es una pena que en la perfecta arquitectura de los acontecimientos no haya un poco más de sitio para conocer mejor a los Bastardos y sus correrías, que merecerían una serie entera para ellos solos.

2009-09-06T23:52:00.027+02:00

DOSSIER:
EL DIARIO DE LOS MUERTOS
(DIARY OF THE DEAD,2007)

Coincidiendo con el estreno en nuestro pais de la última entrega zombie de George A. Romero ,Mondo Puto os ofrece un análisis completo de la película que precede a "Survival of the dead" Semi continuación de la presente que se estrena en la Mostra de Venecia el 9 de septiembre en Sección oficial.

Un nuevo comienzo

La nueva película de George A. Romero es, una vez más, una visita a su particular universo de devoradores de carne al que regresó después de veinte años con la excelente La tierra de los muertos vivientes(Land of the Dead,2005).Este nuevo acercamiento, sin embargo, no continúa la línea temporal de su anterior película y constituye un apéndice de su propia saga que inició hace ya cuarenta años con La noche de los Muertos vivientes (Night of the living dead,1968). Desde entonces, el director viene explicando la evolución del fenómeno de la súbita resurrección de los muertos en sus diferentes etapas. Si en su ópera prima todo estallaba de golpe, en su sexta película, Zombie (dawn of the dead,1978) iba un paso más allá y presentaba cómo la sociedad conocida sufría un colapso que la transformaba para siempre. En El día de los Muertos (Day of the dead,1985) nos presenta un mundo postapocalíptico en el cual los cadáveres son ya mayoría y los supervivientes tratan de darle la vuelta al proceso. Finalmente, en su cuarto capítulo, la sociedad ha aceptado el problema e intentan volver a la normalidad que conocían sin adaptarse a la nueva situación. Con su nuevo trabajo, el director Neoyorquino vuelve a la primera noche donde todo comienza, aunque presenta los hechos en el mundo actual y no el de 1968, ya que la línea espacio temporal de su saga nunca transcurre en una era determinada, sino que cada episodio se adapta a la época en la que fue concebida, no dando tanta importancia al lugar o el año en sí, tanto como a la evolución del propio fenómeno.

El proyecto de Diary of the dead tiene origen ya a finales de los noventa, cuando Romero entró en negociaciones para crear una serie de televisión basada en su saga de muertos vivientes rodada al estilo de Blair Witch Proyect, es decir, grabada en cámara en mano y desde un punto de vista subjetivo. La idea no llegó a salir adelante por que las televisiones querían convertir la serie en un remedo de Dawson Crece con zombies. Ante esa situación, Romero decidió esperar. Tras su tibia experiencia con una multinacional, Romero y su productor pensaron en crear una serie de películas para el mercado de DVD que siguieran la estela de esa serie nunca realizada, pero los productores de Artfire decidieron que podía funcionar en cines. Así, Romero nos trae ahora el episodio piloto de lo que hubiera sido su serie para la televisión , convertido en una pequeña película independiente, que según su director "Es una historia paralela. Esa era la idea, volver a la primera noche (...) Es un nuevo comienzo. Una vuelta los orígenes, incluso para mí. Significa volver a las raices: filmación independiente, financiación independiente y muy bajo presupuesto. Me encanta trabajar de esta manera"(1)

Una nueva perspectiva

La nueva libertad creativa del Autor americano de 68 años denota una energía renovada que, si bien ya se dejó entrever en La tierra de los muertos vivientes, aquí gana enteros por tratarse de una obra estrictamente personal y muy, muy pequeña. Diary of the dead no trata de acoplarse a las formulas de recientes éxitos del cine de terror, sino que recuerda en muchos aspectos a obras el nuevo cine independiente americano. Así, Romero visita lugares muy comunes a autores como Gus Van Sant y otros merodeadores de Sundance. Quizás sea por el hecho de que este falso documental es una película dentro de una película ,obra de unos jóvenes estudiantes de cine con aspiraciones artísticas. El formato de diario grabado cámara en mano es la excusa del director para , en el fondo, ofrecer más de lo mismo. Romero regurgita su discurso de siempre con distintas caras, distintos colores y distinto relleno. El universo zombie del autor , pese a sus múltiples imitadores, saqueadores y plagiadores, sigue siendo completamente único en su especie y lleva una marca de distinción tan reconocible como inimitable .

Dentro de ese universo, Romero se dedica a escoger pequeños fragmentos, pequeñas cucharadas, para ofrecer en sus películas posibles aventuras dentro de lo que es un entramado infinito de historias. La de El diario de los muertos está contada desde una nueva perspectiva: la primera persona. Un recurso que hasta ahora aún no había sido demasiado explotado en el cine de horror pese al éxito de El proyecto de la bruja de Blair. En ésta película, sin embargo, no se acusan los achaques de producciones con el mismo punto de partida como BWP u Holocausto Caníbal(Caníbal Holocaust,1979) en las que el feísmo de las imágenes resultaba demasiado crudo al intentar lograr a toda costa la minimización de la distancia espectador-suceso. En la cinta que nos ocupa, la fotografía no es cristalina, pero sí bien definida , refinada. No se abusa de los movimientos bruscos de cámara, no hay casuales imágenes cámara en mano , y tampoco se priva de aplicar tácticas puramente cinematográficas en el formato, resultando un trabajo notablemente dirigido; aunque el film en si mismo no deja de ser la obra de aspirantes a directores, y como tal, su estilo es amateur, pero no tanto como para que la cámara maree en ningún momento. Lo menos atractivo de esta idea es que impone ciertas justificaciones innecesarias y predecibles sobre por qué los personajes graban todo el tiempo. Así mismo, da lugar a algunas situaciones inverosímiles que , si bien no molestan, si suponen pequeños baches en el devenir del largometraje. Estas matizaciones no suponen ningún problema serio, ya que la película no va en busca del ultrarrealismo, si no que se aprovecha de esta nueva forma de rodar para crear un híbrido de cine convencional(nunca pretende ser otra cosa que no sea una película tradicional)y algo más urgente y rabioso(el uso del punto de vista). Un punto de partida que resulta bastante original en estos tiempos, donde ya se ha visto de todo en el cine de terror, y más aún en el subgénero de muertos vivientes. También ofrece nuevos desafíos en su concepción, ya que la película esta compuesta de largos planos secuencia , un estilo muy poco habitual en el director, que suele utilizar una gran cantidad de planos cortos con los que pueda jugar en la mesa de edición. Así, la justificación formal abre también nuevas posibilidades para crear eventuales momentos de tensión, aunque éste nunca haya sido objetivo del autor, que explota múltiples aspectos de este soporte experimental sin centrase únicamente en la experiencia terrorífica(como hace por ejemplo la estupenda REC) .Por tanto, hay algunas oportunidades perdidas pero también otras ideas muy frescas en la utilización de este sistema de rodaje.

¿Falso documental?

El punto de vista es una forma de aplicar aire nuevo a la narrativa que ,pese a la dificultad de la tarea, resulta ser todo un ejercicio de estilo, que logra salir airoso del delicado objetivo de la funcionalidad. Pero lo más interesante de este nuevo concepto es la posibilidad real de que cualquiera pueda crear una película en tiempos revueltos. Hoy en día esto es posible gracias a que actualmente existen ordenadores autónomos con programas para editar, por lo que el documental que vemos no es la típica cinta encontrada en la calle, ni el material perdido de unos jóvenes devorados por los muertos vivientes. Es una película ensamblada y montada con varias fuentes videográficas y otro material audiovisual recogido de varios lugares: cámaras de seguridad, teléfonos móviles, noticias, videos bajados de internet ... permitiéndose el uso de la música para crear eventuales momentos de tensión. Todo está editado en forma de documental y se usan recursos muy comunes en esta disciplina : énfasis mediante el uso de imágenes en cámara lenta, repetición de planos... o el uso de la voz en off del personaje que ha elaborado la película. Éste, va narrando ciertos pasajes y destaca aspectos de su manera de ver las situaciones.

En ocasiones, esta narración resulta extremadamente útil y novedosa pues presenta las escenas dándoles otra dimensión. Quizás a algunos les resulte innecesaria pero , salvo momentos puntuales, es un aliciente más dentro de la propuesta. Sin embargo, esta posición deja vía libre al escepticismo a los que no entren en el juego que propone Romero. El uso de diverso material aplica un jugoso movimiento de la acción y ensancha la visión de los hechos que se relatan. Como en su noche de los muertos vivientes, la perspectiva global de un mundo colapsado por los muertos vivientes es creíble gracias al bombardeo informativo exterior sobre un pequeño grupo de gente. En este apartado, merece la pena destacar la textura que dan las ocasionales transmisiones radiofónicas que interpretan diversos amigos del director(2) y que merece la pena escuchar en versión original. Además, para mostrar los efectos de la debacle, se usan imágenes reales de informativos sobre el desastre del Huracán Katrina que se intercalan con otros rodados por el director, combinándose de tal manera, que en ocasiones no se sabe que imágenes provienen de fuentes reales y cuales no.

Los peligros de la información

Una vez asimilado el modo de contar el relato, la película es sólamente otra historia más de cómo la gente reacciona ante los desastres, o ante los hechos que no alcanzan a comprender. La segunda capa de la cebolla es una pequeña reflexión de Romero sobre las nuevas tecnologías y la nueva sociedad de la información. El marco conceptual del film da vueltas sobre el hecho de que cada persona del mundo es ahora un ojo para los demás en el momento que decide grabar lo que pasa a su alrededor con su aparato celular. "En cierto sentido es una nueva cultura del narcisismo, ahora todo el mundo piensa que no solo tiene el derecho, sino el privilegio y el deber de comentarlo todo .Eso hace que por ejemplo algún lunático de Kansas City cuelgue sus sandeces en la red y tenga 100.000 personas que lo sigan. La opinión ya no se reduce a la esfera íntima, sino que se proyecta a escala global. Todo nos lleva, de nuevo, a una suerte de estructura tribal"(3) Lo que atañe directamente al núcleo de la película, ya que lo que estamos viendo es la visión particular de uno de los personajes: el documental llamado The Death of the death(4) que es solamente otra versión más de la verdad, pero no precisamente la correcta. Lo que fascina a Romero del fenómeno, es lo rápido que el punto de vista de alguien normal puede salir a la luz gracias a herramientas al alcance de todos como el Youtube y Myspace, y de cómo los medios de comunicación de toda la vida, con los que satirizaba en La noche de los muertos vivientes y Zombie( Dawn of the Dead, 1978), han dejado de tener el poder de manejar la opinión, ya que ahora, existen millones de voces que pueden dar a conocer otras realidades diferentes a la que puede dar un hombre en traje y corbata por la televisión.

Romero no cree en que exista una verdad absoluta, ni que sean las instituciones las únicas capaces de enmascarar un hecho objetivo: " ¿Qué es lo que hace válida una opinión? es fácil mentir y que mucha gente te siga. Normalmente en la red uno predica a los conversos. No creo que la mayoría este capacitada para manejar tanta información. El público quiere saber si algo es blanco o negro, no suelen ser receptiva a los matices y, por eso, tiende a seguir a cualquiera. La CNN lo fomenta :si hay una inundación, invita a los espectadores a que salgan con sus cámaras domésticas como reporteros. La gente se obsesiona y quiere formar parte de ello. No es malo, pero si puede ser peligroso"(5) Su película es también una mirada al propio género documental, muy de moda tras las películas de Michael Moore, y su poder de manipular y convencer. Para Romero, la opinión no es predicar con la razón en la mano, si no lanzar unos hechos a la piscina para que hablen por si solos. A pesar de desconfiar del nuevo poder del pueblo en la red, el autor sigue observando como los medios más poderosos permanecen tejiendo una realidad más apropiada para los que tienen el poder, que cobra más sentido en la Norteamérica del Katrina, donde las noticias hacían creer a los estadounidenses que nada grave había pasado mientras el resto del mundo recibía toda las imágenes de la debacle(6). Imágenes dantescas de la destrucción de un estado que no recibía ayuda de su presidente, quien solo unos días antes mandaba más tropas a la guerra de Irak.

El desastre de Nueva Orleans animó a Romero a utilizar imágenes poco conocidas de esos días, y así ,decorar su visión de los efectos de un gran desastre en el modelo de civilización en el que vivimos. Pero el poder de las cámaras también interesa a Romero a nivel psicológico, en concreto en lo que concierne al que captura las imágenes: " Mis films provienen de una idea muy simple. En este film la idea es si la violencia crea los medios o los medios crean la violencia"(7) dentro de este concepto genérico, Romero presenta varias líneas de discusión sin aportar ninguna respuesta. El fenómeno que acarrea el observar una realidad y abstraerse de lo que sucede al otro lado de la lente. Preguntas como ¿cómo estamos obteniendo las noticias?¿cuál es la responsabilidad de la persona con la cámara? ¿es moralmente corrupto observar? o te has de involucrar en ello. El rubberneck.(8) fenómeno cada vez más común en el mundo contemporáneo, consiste en el muy común comportamiento de la sociedad reciente que es capaz de ver y no actuar, de grabar y no hacer nada; como el fenómeno del Bullying en el que se pega a chicos indefensos en los colegios mientras sus compañeros se dedican a grabar los linchamientos sin hacer nada para evitarlo...

El monstruo es el hombre

El tercer ingrediente de la receta es ya mucho más común en el resto de sus películas: La falta de comunicación entre los supervivientes a la catástrofe. El eterno dilema de la falta de unión ante un problema de sencilla solución(9).La confusión inicial y la incapacidad de organizarse o cooperar hace que el problema se haga más grande antes de contenerlo. Esto es en parte debido a la ignorancia ante el fenómeno (todo el mundo tarda en enterarse de que la única forma de matarlos es una bala en la cabeza, un mordisco te transforma etc..). También, las dificultades que encuentra el hombre al enfrentarse a un elemento desconocido. "Para mí, los zombies representan como un huracán o un desastre natural. Las películas son sobre los humanos y lo que les pasa cuando cambia el mundo, que les sucede a estos personajes individuales y como se ajustan a este cambio a su alrededor. Por eso es muy fácil para mí utilizar la misma historia una y otra vez y hacer algunas observaciones. Todo el mundo quiere descubrir que representan los zombies. Para mi, sólo representan una especie de cambio revolucionario y los humanos no pueden adaptarse a él. Así, la mayoría de la maldad proviene del lado de los hombres, los muertos son bastante predecibles, son honestos, no mienten"(10)

El caos se desencadena por actuaciones incorrectas: La empatía con los seres queridos aún después de muertos impide la destrucción de las criaturas, incluso algunos se niegan a terminar con sus familiares y prefieren esconder los cadáveres en sus casas. Otros ,sencillamente aprovechan la cobertura para entregarse al pillaje. Los encargados de dar protección a la población se transforman de la noche a la mañana en los que tienen el poder de someterlos. La guardia nacional es mencionada en dos ocasiones en el film. En la primera , un grupo de gente de color(11) forma una guerrilla de saqueo (inspirada de nuevo en los hechos del Katrina) que resulta estar dirigida por un miembro de la guardia Nacional(irónicamente, ya que fue la Guardia nacional la que tardó tres días en llevar ayuda a dicho desastre).La segunda aparición de un grupo de militares es más elocuente : Hombres armados que se dedican a robar a personas indefensas. Su aparición constituye una de las escenas más aterradoras de todo el filme, en la que no interviene zombie alguno, solo esa guardia nacional que, tras un angustioso lapso sin imágenes de la cámara, roba todo a los desafortunados protagonistas.

Una cinta de entretenimiento

Las ideas con las que Romero tiende a salpicar sus films suelen ser pequeños subtextos adheridos a una trama bien construida , en esta ocasión en forma de Road movie, en la que los protagonistas (por primera vez unos pimpollos en la filmografía de Romero), tratan de llegar a sus casas sin saber realmente que hacer cuando todo el mundo se ha vuelto loco. El naturalismo implícito de la propuesta no hace demasiado hincapié en el desarrollo de personajes y Romero aplica de nuevo su economía narrativa dejando que los jóvenes cineastas hablen con sus actos y coloreen su personalidad con pequeñas frases, suficientemente elocuentes como para dar una idea del carácter de cada uno. Aunque no falten estereotipos en el grupo, el núcleo principal son héroes(o antihéroes) típicamente Romerianos, tan cansados y faltos de alegría que en ningún momento dejan lugar a la duda de que estamos ante un producto que refuerza los parámetros reconocibles de la obra del autor. Su voz es, con cada película, más segura de si misma y coherente.

Un aspecto a destacar es la vuelta a la mirada fría hacia sus personajes. Romero no se muestra poco crítico respecto a ellos, y además supone una descripción poco benevolente de la juventud y los estudiantes de cine. Romero infunde generosas dosis de ácida autocrítica hacia sus inicios como joven director independiente e incluso hacia su propio estatus de director de horror(con referencias autoparódicas a sus ya clásicos comentarios sociales). Hay un retrato nada amable del cineasta como personaje ególatra ejemplificada gracias el sutil carácter metafílmico de la propuesta ,que convierte al director(que casi nunca vemos)en el protagonista principal. La cámara es un personaje más en sentido más literal de su significado. La obsesión de Jason, el joven director, le va transformándo en un vampiro de la imagen, cautivándole de tal manera que llega a anteponer la filmación a la cooperación, cada vez más cegado por su convicción. Aunque su cámara no ignora cómo su novia va distanciándose de él, cada vez más atraída hacia su amigo Tony. El, no lo ve como algo que le este pasando a él, si no algo que sucede, algo que debe ser recogido en celuloide. La figura de Jason parece inspirada en la película de Michael Powell (12)El fotógrafo del pánico(The peeping Tom,1960) cuyo conflicto moral es ,en cierto modo, muy similar al que plantea el film de Romero.

Mientras, los demás personajes intentan sobrevivir en un mundo en el que "dios ha cambiado las normas" como dice un personaje en la película, no sin acabar contagiados por el mismo virus que afecta a Jason. El personaje de Debra, la narradora que nos acompaña durante todo el film, sufre una progresiva transformación a lo largo del film. Al principio molesta por la actitud de Jason, acabará adoptando una actitud similar a la de su novio en el final de la película. Diary of the dead es una cinta de Aventuras con trasfondo de ciencia ficción y terror. Un viaje en el que seguimos a los protagonistas en su furgoneta y descubrimos junto a ellos todo lo que les va pasando. Seguiremos con ellos lo que van descubriendo en un mundo en el que las reglas de las películas de Romero no son conocidas, por lo que habrán de aprenderlas conforme van encontrando esos obstáculos, sufriendo las consecuencias de no saber como reaccionar ante los diferentes peligros a los que se ven envueltos. Una estructura que funciona como un catalizador, que hace que el minutaje de la cinta se deshaga a una velocidad asombrosa , dejando con muchas ganas de más. Muy entretenida ,nadie podrá acusar a Romero de no haber creado un divertimento vibrante y eficaz. Y es que uno a de los aspectos del film que más sorprenden es la cantidad de momentos de humor y autoparodia que hay en el film. El humor surge principalmente de algunas situaciones y personajes que se van encontrando y otras de los demenciales gags gore(algunos poco convincentes por el uso de CGI). Pese al rodaje subjetivo y el aspecto más o menos realista, Romero no renuncia a pasarlo bien y adopta un espíritu de Comicbook, muy cercano al que a veces utilizó en Zombie(Dawn of the dead,1078 ,) lo que le permite crear situaciones imposibles, muy divertidas, que solo encajan en el particular estilo de sus películas. Muchas líneas de diálogo son inconfundibles y esconden un finísimo humor negro que evidencia con elegancia el sarcasmo de su autor. En algunos momentos dibuja una ácida caricatura de sus personajes, como el de ese Profesor alcohólico al que nunca puedes terminar de tomar en serio. Su papel como figura con autoridad termina en el mismo momento en el que el mundo parece sufrir una hecatombe y su papel se limita a observar como sus alumnos muestran más autosuficiencia y seguridad que el mismo. Sin embargo, el humor es tan importante como el drama. La película tiene un trasfondo amargo ,y su nihilista final, muy acorde al resto de la saga, no deja un buen sabor de boca. La falta de confianza el género humano hace que Romero incluso se cuestione si es conveniente que éste siga existiendo. Un pesimismo al que retorna con un final muy similar al de La Noche de los muertos vivientes(Night of the living dead,1990) de Tom Savini, que él mismo escribió y en el que destapó ideas que recupera en su nueva obra.El destino de los personajes principales no es ni mucho menos alentador y pese al espíritu cómico de gran parte del film, en su tramo final se respira una atmósfera de decadencia y tristeza, coronada en tragedia , que deja un amargo poso de incertidumbre . Además, durante el desarrollo del film, muchas de las tomas de cámara poseen una pincelada del tosco espíritu lírico de un director de serie B que se complementan con algunas reflexiones de los personajes, salpicadas con un halo poético poco común en el cine de género . En algunos momentos reutiliza frases emblemáticas del Romeruniverso para darles otra nueva dimensión. Pero ante todo, Diary of the dead es una película personal, que habla por y sobre Romero, una especie de pantalla en la que el director puede proyectar todas sus filias y fobias. Autocrítica y autoparódica, su nueva cinta esconde el pequeño discurso de un hombre viejo, cansado de la vida, que ve como el mundo no ha aprendido nada desde que hace 40 años nos mostrara su primera alegoría. Cada uno de los personajes representa cierta parte de Romero, y utiliza cada una de sus líneas de diálogo para lanzar dardos contra todo lo que le molesta , desde la inflexibilidad de los grandes estudios hasta su propia condición de cineasta enclavado en el género de terror. Aprovecha cualquier momento para añadir pequeñas referencias culturales como ya hiciera en Land of the Dead. En esta ocasión, un personaje encuentra una edición del libro de Dickens Historia de dos ciudades, una pista de Romero sobre sus referencias en la saga de los muertos. Además, supone una pequeña reivindicación de su propio subgénero, ya que si bien ,el mismo ha participado en su resurrección, ha visto como todas las películas que partían del punto cero del fenómeno han desaprovechado los aspectos que más le interesan y que convierten sus películas sobre muertos en la visión más interesante del género, pese a que siempre llegue con un poco de retraso. Por eso, Diary of the dead no cuenta realmente nada especialmente nuevo en la obra del director, pero supone una forma de acercarse a los bastiones fundamentales de su obra para los jóvenes que no vieron en su día La noche de los muertos vivientes ni Zombie o El día de los muertos(Day of the dead,1985).
Su nueva película es una nueva franquicia a modo de spin off que permitirá conocer el particular mundo de muertos vivientes a los que no están familiarizados con ninguna de sus películas. Así, Romero expone muchos de sus momentos favoritos de la saga de nuevo a modo de guiño a sus fans y como forma de reimaginar sus obsesiones a través del entretenimiento de un pequeña película de género, un viaje de 95 minutos que dejan la miel en los labios. Una película que cuenta los mismo de siempre de forma diferente, con un sorprendente tono de comedia negra, con algunas irregularidades que no impiden que este sea un film más que notable en la cinematografía fantástica actual.
(1)Preguntas tras la proyección de su película en el festival de Sitges.6-10-2007
(2)Stephen King , Simon Pegg, Wes Craven, Guillermo del Toro,Quentin Tarantino y el propio Romero.
(3)El Pais(7-10-2007)
(4)The Death of the death es un título que parece gustarle mucho al director que usó en su inconclusa novela sobre el final de la plaga de muertos vivientes publicada hace años en su página web y también en su miniserie vagamente inspirada en su universo para la colección Toe Tags.
(5) El Pais(7-10-2007)
(6)Muchos americanos no se enteraron de que toda la población de Nueva Orleans hacinada y recluida en un gran estadio de fútbol estaba completamente indefensa ante los asesinatos y violaciones que se sucedían por las noches en el estadio. Tampoco de los saqueos ni de las batallas que allí tuvieron lugar.
(7) Preguntas tras la proyección de su película en el festival de Sitges.6-10-2007
(8)Fenómeno registrado en la segunda guerra mundial donde los fotógrafos y documentalistas aseguraban que no parecía real mientras lo filmaban ,así se sentían menos angustiados.
(9)En las películas de muertos vivientes de Romero no es ni mucho menos un monstruo difícil de hacer frente.Son lentos y sencillos de matar.
(10) Preguntas tras la proyección de su película en el festival de Sitges.6-10-2007
(11)Es interesante seguir la trayectoria de los personajes de esta raza en el transcurso de la saga. En esta ocasión,son una banda de saqueadores con pocos escrúpulos, pero aún así conservan cierto punto de nobleza que los "soldados blancos"no llegan a mostrar.
(12)Uno de los directores predilectos de George A.Romero cuya película Los cuentos de Hoffman(Tales of Hoffman,195)permanece como una de sus favoritas.

* El particular estilo de la película exigía muchos ensayos previos a la toma final y hacía que el peso recayera sobre los actores, los cuales debían aprenderse varias líneas de guión para una misma toma. Cuando alguno de ellos se equivocaba, hacía que todos los demás se enfadaran, por lo tanto, la presión era múltiple. En ocasiones, los actores debían rodar ellos mismos parte del film por que no había otra manera de que no se viera que eran ellos. Así mismo la ejecución de varios efectos especiales tenía que realizarse en medio de una toma más larga y no en pequeños cortes, lo que añadía más dificultades.* El vestido del personaje interpretado por Amy Lalonde, la chica rubia que escapa de la momia es el mismo que se utilizó en la tercera parte de Ginger Snaps ya que esta cinta estaba producida por la misma compañía.* Romero, además de hacer algunas de las voces radiofónicas, tiene un pequeño cameo como oficial militar en una rueda de prensa a los medios.

2009-06-09T08:36:00.007+02:00

TERMINATOR SALVATION: EL FUTURO COMIENZA

(REVIEW)

El imaginario de la saga Terminator siempre se ha basado en sólidos parámetros de ciencia ficción con un ojo puesto en un futuro post-apocalíptico en el que el ser humano ha pasado de controlar su tecnología a ser víctima de los resultados del uso erróneo de su propio poder. No es difícil elaborar una fácil relación entre la inconsciencia e ingenuidad del hombre al diseñar armas de gran poder de destrucción y la creación del proyecto Skynet en esta saga de películas. Los tres primeros episodios mostraban trazas de un futuro desolador en el que los pocos humanos que quedaban luchaban contra el poder implacable de las máquinas. Las tramas se basaban en los viajes en el tiempo y en el presente pre-holocausto, dejando que la historia se basara en cómo se trataba de alterar o no alterar el curso de unos hechos escritos en el destino.

Terminator: Salvation comienza una nueva historia en la que muestra en plenitud el negro futuro que se presagiaba en las otras películas. Comenzando sobre una hoja en blanco y partiendo casi de cero, materializa de forma espectacular un universo del que sólo habíamos visto pequeños fragmentos. Si bien anteriormente la batalla era mostrada como un mural de desesperanza sin un final claro, esta nueva entrega se reviste de un tono menos azabache y permite una pequeña vía de escape, vislumbrándose luces de solución para el género humano.
Lejos de ser una película redonda (las obras de James Cameron no eran más que contundentes películas de acción con un buen trasfondo de ciencia ficción), esta nueva aportación es una más que digna prolongación de la mitología Terminator, una visión tan pulp e improbable de la batalla entre Skynet y la resistencia como la mostrada en las tres anteriores películas sobre este universo. Lo sorprendente de Salvation es su aplastante descripción del futuro apuntado por Cameron, una de las más espectaculares visiones de un paisaje apocalíptico vistos en la historia del fantástico. No solo la fotografía es más que espectacular, lo es la puesta en escena, la planificación de secuencias y la integración inteligente de los efectos especiales en la composición de planos. La realización es muy potente y utiliza aspectos del cine bélico para construir escenas de acción que sorprenden y funcionan durante todo el metraje. La historia que se quiere mostrar es un capítulo en medio de una historia que ya ha comenzado. Nos encontramos insertos en un conflicto y la función de la película es tan sólo describir una situación. Una presentación que tiene clara su vocación de prólogo, que triunfa en su condición de “capitulo piloto”, haciendo que el espectador se quede con ganas de más. La historia es muy sencilla y sorprendentemente está presentada bajo la óptica de un personaje que no es John Connor, dando una visión menos obvia de un personaje seco y cansado, abocado a ir cargando con el peso de la saga en el resto de las películas del nuevo tríptico. El guión no es demasiado sorprendente y el transcurso de la película se apoya en las numerosas escenas de acción, pero funciona como un todo compacto al emplear muchas de estas escenas en crear una visión de la geografía y clima donde transcurren los acontecimientos. Algo poco común en un blockbuster de esas características que no olvida su función lúdica y resulta entretenida, vibrante y fascinante a partes iguales.

2009-03-20T18:45:00.006+01:00

A CIEGAS
(REVIEW)

Ensayo sobre la ceguera (Ensaio sobre a cegueira,1995) de José Saramago presentaba, en forma de cristalina metáfora, cómo el ser humano es capaz de hacer de su visión de la realidad una manera de catalizar el sufrimiento o la felicidad, en otras palabras, explicar la capacidad de ver entendida como una liberación o una cárcel, del papel de cada uno en su propio camino o en el de los demás. Para ello se sirve de una historia en forma de cuento para adultos con moraleja que, dada su tratamiento cercano a una ficción irreal, se adscribe en el apartado de literatura fantástica. Los paralelismos con la épica El día de los Trífidos(The Day of the Triffids,1951) no son pocos. Quizás John Wydham nunca se moverá en la misma liga que José Saramago, pero el fondo de su novela, sobre una humanidad que deambula por un mundo devastado por plantas reptantes del espacio exterior, trata muchos temas paralelos con la obra del Brasileño. Y lo hace describiendo la misma sociedad de ciego en la que, tras un desastre mundial, los supervivientes deben esquivar los peligros del peor de los monstruos, el hombre. Fernando Meirelles afronta la adaptación de la obra desde el respeto escrupuloso, enfermizamente fiel. El director parece haber asimilado a la perfección el mensaje de su compatriota (lo cual no es difícil, dada la reiteración recalcitrante sobre su condición de parábola de Ensayo sobre la ceguera) y no trata de evitar atacar el concepto desde una perspectiva lateral, sino plasmar el original, ya digerido, al medio cinematográfico actual. El director de la plomiza Ciudad de Dios(Cidade de Deus,2003)afronta la visión de una sociedad colapsada por la ceguera colectiva tomando nota del punto de vista del Cuarón de Hijos de los Hombres (Children of Men,2006) y otros acercamientos realistas a la ciencia ficción recientes como Código 46 (Code 46,2003) o 28 días después(28 Days Later, 2002). La cámara de Meirelles sigue la estela Realista del resto de su cine y añade nuevos filtros y texturas para, según el autor, ponernos en los ojos de un ciego. Recursos de objetivo, quemados de imagen y constantes empañamientos de atmósfera hasta sumergir la cámara en la nube lechosa en la que se ven envueltos los protagonistas. La película empieza con brío y concluye con soltura los primeros pasajes del libro. Juegos de montaje y elipsis muy bien colocadas hacen sencilla la entrada al núcleo de la historia. Mientras tanto, queda constancia de la habilidad de Meirelles para convertir planos aparentemente sencillos en composiciones de gran poder visual. Sin embargo durante el desarrollo del segundo acto de la película se produce una descompensación en la narración del relato y los hechos pierden interés al distanciarse del espectador. De vez en cuando, una escena con gran fuerza recupera el ritmo momentáneamente pero no logra que el espectador recupere la atención a lo que sucede en pantalla. Es de agradecer la singularidad de la mirada de Meirelles hacia el lado fantástico de la historia, pero en ocasiones determinadas elecciones resultan chirriantes con el tono de las imágenes. La selección musical resulta inapropiada e insertos como la voz en off de uno de los personajes, en momentos ciertamente arbitrarios, no acaban de cuajar con el tono semi documental del conjunto.
En realidad es una película con factura impecable, y alguna actuación más que notable como la de Julianne Moore, con momentos desgarradores, transmite a la perfección el espíritu de la novela, calcando algunos pasajes clave. Pero como en otras obras del director no logra fluidez en la narrativa, y si bien no es torpe, resulta desapasionada haciendo que A ciegas no sea la gran película que hubiera podido ser con un poco más de garra .

2009-03-06T12:58:00.006+01:00

WATCHMEN
(REVIEW)
Probablemente gracias al éxito de la interesante adaptación del cómic Sin City, Zack Snyder , director de la impactante Amanecer de los muertos(Dawn Of The Dead,2004), se ha especializado en transformar viñetas de otras novelas gráficas de culto como 300 o la que nos ocupa. Tras múltiples intentonas de llevar al cine la obra cumbre del guionista Alan Moore, finalmente las páginas del libro se han materializado en una fallida epopeya de casi tres horas que traslada escrupulosamente el material original al celuloide, con tanta fidelidad que su formato cinematográfico no logra solucionar los problemas narrativos de una novela gráfica innecesariamente densa, tan vacía como sobrevalorada.

La concepción popular de que el medio del Cómic está asociado con los Superhéroes hace que haya una impresión generalizada de que Watchmen sea considerada la mejor novela gráfica que jamás se haya creado. Su importancia es indudable, pero está lejos de ser una obra compacta o brillante. Si que es verdad que la acción transcurre en un escenario distópico que radiografía con éxito la sociedad paranoica de Los Estados Unidos de la era Reagan (A través de un Nixon reelegido), cuestionando si las personas encargadas de proteger a la Norteamérica de los ochenta merecen la confianza de los ciudadanos. Los últimos coletazos de la guerra fría creaban una disposición para que los que manejaban el país mostraran su fuerza, tranquilizando a una población acomodada y consumista que temía perder su estatus frente a una amenaza fantasma. Pero ésta lectura no deja de ser bastante obvia como para describir esta obra de superhéroes retirados como una obra maestra. Su autoconsciencia, su narrativa errática, sus pretenciosos diálogos y simbolismos, y su pueril acercamiento a los personajes son sólo muestras de las muchas limitaciones de Alan Moore como guionista. Watchmen , la película, es una adaptación que reproduce prácticamente viñeta por viñeta la historia del grupo retirado de superhéroes. La intención de reproducir este universo al milímetro introduce una puesta en escena al ralentí, que abusa del zoom inverso, para poder contemplar cada estampa en su esplendor, deleitándose en los detalles de un plano durante algunos frames más de lo que necesita el ojo humano. Una técnica que se desarrolla a la perfección en los impresionantes créditos iniciales pero que a la media hora de película resulta ser un lastre que el director no es capaz de abandonar ni para presentar los diálogos de los personajes. Las actuaciones acompañan al tono solemne de la película, resultando demasiado impostadas, teatrales, prefabricadas y faltas de vida. Como consecuencia, en ningún momento del extenso metraje se llega a establecer una relación empática entre espectador y personajes; haciendo que esa falta de implicación se traduzca en un desinterés progresivo por la trama. Esta falta de espontaneidad, junto al gratuito espectáculo visual, anulan cualquier atisbo de emoción y hacen que su pretendido estudio del superhéroe como ser humano con problemas, nunca logre el trasfondo melancólico que demanda el relato.
La descompensada trama del original ha sido condensada en un artefacto que trata de recuperar sus capítulos más significativos creando una red de historias y personajes desequilibrada, cuyo concepto central queda diluido entre secuencias desiguales de duraciones arbitrarias, postalitas desplegables e indeterminación formal. El desarrollo demanda focalizar la acción para que el espectador la pueda seguir sin sorprenderse cuando se retoma una línea argumental que fue abandonada para desarrollar las muchísimas subtramas dispersas que nunca encuentran conclusión. Un entramado plagado de puntos de fuga que hacen que la película se acerque al sinsentido en más de una ocasión, aunque se libre del naufragio gracias al espectáculo visual que propone. Es imposible permanecer indiferente ante el ambicioso y trabajado despliegue creativo, pero lamentablemente eso no es suficiente para crear una buena película o no caer en el ridículo en más de una ocasión. Esta claro que Watchmen no es una película de superhéroes cualquiera, pero se siente tan especial y se mira tanto a sí misma que hacen que realmente uno se pregunte si realmente le interesa ver esta historia de superhéroes que, al fin y al cabo ,por mucha violencia, sexo, o reflexiones que quieran añadirle ,no deja de ser eso: otra de superhéroes

2009-02-25T17:52:00.000+01:00

2008-11-06T13:10:00.000+01:00

NUEVA PELI DE ROMERO!!

Los fans del buen cine zombie y el fantástico en general están de suerte:

La nueva película de Romero,cuyo nombre aún se desconoce,está a punto de finalizar su rodaje.Por lo que parece,el look sigue la estela comenzada por diary,estableciéndose en el mismo universo,tanto,que incluso podría tener un pequeño nexo de unión con ésta (cosa que nunca sucede en sus secuelas)En el personaje de Nicholas “nicotine" crocket(Alan Van Sprang) ,el soldado de la guardia nacional renegado que roba a los protas de Diary(y Brubaker en LAND).Mientras que Diary transcurre durante las primeras 48 horas de la plaga de muertos vivientes,correspondiéndose con “la noche de los muertos vivientes” La nueva película tendrá correspondencia con DAWN OF THE DEAD en el grado de progreso de la infección.Esta nueva película confirma la intención de Romero de crear una serie de películas directas para DVD a modo de apédice a su “saga oficial”.Aunque dada la edad del director newyorkino y la idea central de la obra es probable que sea la última dedicada a sus populares muertos vivientes. En un principio, la película estuvo planeada como continuación directa de Diary,con los mismos personajes que acababan encerrados en la mansión en la conclusión de ésta.Incluso se habló de que la película siguiera con el mismo estilo de primera persona,que ya se apuntaba en la conclusión de Diary.Sin embargo, la tradición de la saga es respetada y la historia contada no tiene nada que ver con los anteriores personajes aunque sí desarrollará temas que diary apuntaba.Las estructuras tribales,fenómeno de la condición humana que Internet ha hecho resurgir con virulencia,era uno de los mensajes que Romero manejaba en DOTD.En la nueva película endrá un protagonismo especial ya que la trama se desarrolla en una isla del este de norteamérica con población rural dividida en dos facciones enfrentadas.Los habitantes de la Isla tratan en un intento desesperado, de no exterminar a los familiares cercanos que han fallecido(uno de los paralelismos con al original DAWN y que es uno de los factores clave de la propagación de los muertos :la incapacidad de acabar con el ser querido) Un habitante se rebela e intenta matar a todos los muertos que peude,siendo acusado por los habitantes de haber acabado con amigos y vecinos y siendo expulsado de la isla. En su destierro se encuentra con un grupo de supervivientes que llegan a la isla en busca de un oasis donde reestablecer una nueva vida.Estos se encuentran con que los habitantes locales están intentando establecer una vida “normal” junto a sus familiares muertos.Creandose una situación tipo Los Hatfields y MacCoys(dos familias enfrentadas en el oeste americano)Por un lado los que defienden a sus muertos y por otra los que lo quieren exterminar.Creandose una revuelta por la superviviencia y poniendo sobre la mesa una cuestión levemente sugerida en LAND OF THE DEAD ¿pueden los humanos y los muertos vivir en paz? Romero ha comentado varias veces que no encuentra la manera para terminar la saga y que el final llevaría a un equilibrio entre las dos facciones :los zombies y los seres humanos.Al parecer,la nueva película estará llena de acción y está tratada como si fuera un western,nada extraño en la saga por otra parte,ya que land no era sino un wenstern postapocalíptico a la John Carpenter.
Con esto,parece ser que la última obra del maestroestá cargada de sus temas habituales.Producida por Peter Grundwald y Artfire, el rodaje de la película está a punto de finalizar en Toronto,con el mismo equipo de sus dos ultmas películas.Enesta ocasión los efectos de maquillaje estarán facturados por el equipo de la saga SAW supervisados por por Greg Nicotero.

2008-09-29T17:03:00.002+02:00

LA CASA DE LAS VENTANAS QUE RÍEN

(REVIEW)

La contribución más significativa de Pupi Avati al cine de género europeo es una pieza única en su especie, inclasificable en las corrientes del horror proveniente de Italia, llegándose a calificar por algunos autores como giallo, pese a tener pocos elementos identificativos que la pudieran incluir en dicha corriente. Sin entrar en consideraciones relativas a su condición de thriller, cinta de horror o costumbrista, lo cierto es que la aportación del director italiano es una de las incorporaciones más interesantes al terror europeo de la década de los setenta. La perspectiva de Avati es más física, más terrenal, que la de muchos de sus colegas. La fascinación por el universo rural y sus fantasmas y leyendas son la fuente de inspiración confesa del director al plantear su proyecto. Ya encontrábamos acercamientos a este medio en otras obras de autores adscritos al horror como Lucio Fulci, que en su Angustia de silencio (Non si sevicia un paperino, 1972) también retrataba una parte de la Italia más profunda y supersticiosa con un peculiar acercamiento al giallo que precede en forma y fondo a La casa dalle finestre che ridono. Un Fulci aquél relativamente más contenido de lo habitual, y que tampoco ocultaba un cierto anticlericalismo que no es difícil encontrar en la película de Avati.
El germen de la obra es una vieja leyenda de un pequeño pueblo italiano que inspiró al director para dar forma a su historia de intriga, tratando de impregnar de esa sabiduría del boca a boca, de viejas tradiciones desconocidas, a una trama adaptada a los modos del cine de suspense y terror. La historia de un pintor maldito del que parece estar prohibido hablar en su pueblo va siendo descubierta por el encargado de restaurar un fresco del artista. El estilo de Pupi Avati resulta más elegante y contenido que la mayoría de sus coetáneos italianos, y la forma de captar las imágenes huye del barroquismo de la fotografía transmitida por Bava para adaptarse a un encuadre más realista y crudo. Sin embargo, conforme la trama va haciéndose más opresiva, la luz de la película va variando y tomando distintos carices. Muy suavemente, el director mueve todas las piezas de la producción para que lentamente las imágenes se adapten a la pesadilla en la que se va adentrando el protagonista. Si bien el descubrimiento de la verdad transcurre de una manera sutil pero segura, esto es tan encomiable como en ocasiones tedioso, ya que la poca permeabilidad con la que fluyen los acontecimientos hace que el ritmo sea en ocasiones excesivamente pausado.
Durante la película el protagonista va contactando con diversos personajes del pueblo que conforman un mural alrededor del hilo conductor de la narración sin llegar a estar necesariamente implicados en ella. La finalidad de mostrar a los habitantes del pueblo y su poco cristalina posición con respecto al protagonista, es crear lentamente una atmósfera de aislamiento en torno al restaurador que no encuentra su pleno sentido hasta los mismos minutos finales en los que se nos muestran los terribles secretos con los que todo el pueblo convive sin inmutarse. Hay algunas licencias hacia el fantástico que no quedan resueltas y otras insinuadas, pero donde Avati procura crear miedo es en los detalles siniestros que va dejando durante el metraje: el poder sugestivo de las pinturas de la agonía, las sombras en las ventanas, las voces que intentan disuadir al joven o la propia grabación del pintor maldito..., todas acompañadas por una misma partitura inquietante formada por pocas notas que repiquetean de forma constante. La casa dalle finestre che ridono es una obra justamente reivindicada que muestra los buenos resultados del director Pupi Avati en sus escasos acercamientos al horror. Su estilo controlado y sereno no trata de esconder la sordidez de la historia, que explota de forma salvaje en sus angustiosos momentos finales

2008-09-09T17:11:00.001+02:00

HELLBOY II:

EL EJÉRCITO DORADO

(REVIEW)

La segunda adaptación al cine de el famoso comic de Mike Mignola Hellboy sigue al milímetro la estela impresa en la primera entrega para ajustarse al manual de las segundas partes del cine de superhéroes más reciente. Más presupuesto, más acción, más espectáculo...por el mismo precio de una entrada de cine. Sin entrar a considerar los méritos o carencias del primer Hellboy, su siguiente capítulo es esclavo de las decisiones tomadas por su director al materializar el barroco universo de Mignola en fotogramas en su primer viaje. Así, el visionado de El ejército dorado no depara ninguna sorpresa de calado y sigue siendo otra muestra de la irregularidad de Guillermo del Toro cuando afronta una superproducción fantástica. El Del Toro Autor, suponemos, se va discerniendo en Hollywood película a película en un muestrario de elecciones estéticas más o menos personalizadas. No es difícil darse cuenta de los gustos y caprichos del director a lo largo de su filmografía cuando hay una repetición constante de diseños de producción y atrezzo en cada una de sus trabajos para los grandes estudios (espejos distorsionados de sus mucho más valiosas pequeñas joyas en castellano). Pero más allá de su adicción al cartón piedra y su inconveniente y despersonalizada fotografía se deja entrever una imaginación fabulosa, con un gusto especialmente sensible para la creación de seres monstruosos y una tendencia a la fantasía sin complejos sólo comparable a la de un niño que cuenta historias imposibles que a él no le cuesta creer. Quizás el problema de su cine es que siempre camina por una delgada línea donde el espectador nunca acaba de encontrar el lugar preciso donde debe situarse. Esto es, Del Toro nunca deja de descuidar la credibilidad de su danza de criaturas y da por sentada la digestión automática de su visión, en una suerte de vale todo que oscila entre la ingenuidad y el capricho, que se antoja un pelín autocomplaciente al no asimilar la volubilidad de su narrativa. En Hellboy 2 la línea argumental toma distancias frente a las páginas impresas y opta por intercalar un drama que apela a la épica del Señor de Los Anillos(¿un detalle premonitorio de su elección como director de El Hobbit?)y que le sirve de McGuffin para desgranar todo el imaginario fantástico que le quedó en la recámara tras realizar El laberinto del Fauno. Lo cierto es que en su mayoría, casi todas las creaciones que aparecen en catálogo son deliciosas (siempre es de agradecer la presencia de un primord...digo elemental) y hacen de la cinta un festín para el aficionado, pero por el contrario los personajes de peso no son tan interesantes como el director pretende y si bien ya conocíamos a el anfibio Abe Sapiens o la flamígera (y ahora protoemo) Liz, sus motivaciones nunca llegan a epatar y parte del peso dramático de las principales bisagras de la trama carecen de un interés cercano a lo funcional. El villano de la función y su ejército tampoco son más que una excusa para mover la historia hacia adelante y es por ello que su clímax no posea más importancia que la de terminar de una forma pomposa lo que el espectador ya iba vaticinando. Otra conclusión tibia, tan poco estimulante como la de su Blade 2, que muestra sus carencias como guionista y que nos permite preguntarnos por que no se explota más a fondo la dualidad del destino final de Hellboy, aquí de nuevo solo apuntada levemente en pos de un facilón conflicto conyugal falto de garra y resuelto sin problemas dada su inane trascendencia para el espectador. Con todo, el personaje de Hellboy sigue funcionando y no por los forzados intentos de humanizar a los personajes que se perpetran sobre el papel, sino al carisma de un Ron Perlman más a gusto con su rol de macarra de buen corazón que lleva muy bien el peso de todo el largometraje, siendo éste alarmantemente aburrido cuando se le permite algo de cancha a otros personajes. El ejercito dorado corrige algún defecto de la primera entrega y resulta mucho más entretenida, pero nunca llega a dejar una huella palpable en la memoria al no atreverse a romper esos esquemas autoimpuestos que impiden a Guillermo del Toro mostrase como algo más que la eterna promesa del fantástico que empieza a dar algún signo de temprano marchitamiento.

2008-09-01T17:04:00.000+02:00

LA TUMBA DE LIGEIA
(REVIEW)

La última película de Roger Corman en su ciclo dedicado al escritor Edgar Allan Poe se basa ligeramente en su relato Ligeia que trata muchas de sus obsesiones relacionadas con la vuelta de entre los muertos y la figura femenina como catalizador de la maldición y el destino. La historia original es ensanchada para crear todo un largometraje, como es habitual en el ciclo,siendo quizás la historia menos compacta de entre todas las obras de Corman dedicadas a Poe.Esto, unido al uso de escenarios menos suntuosos y coloridos,le han dado cierta mala fama entre cierto sector de la critica que la han visto como uno de los episodios menos prestigiosos del conjunto. Sin entrar en comparaciones, La Tumba de Ligeia es uno de los acercamientos más acertados al espíritu lóbrego y , sobre todo ,decadente de la obra del escritor. Es innegable que como película sufre un problema de ritmo muy acusado. La narración deslabazada y sus dificultades en desarrollar una trama sólida dejan la sensación de estar asistiendo a una novela por actos donde faltan partes.Pero lo cierto es que cada escena por separado tiene una fuerza especial que les dan cierta autonomía y en conjunto resultan ser una colección de secuencias que en su mayoría son un éxito.Resultan especialmente acertadas las excursiones de la protagonista femenina(con una interesante interpretación de Elisabeth Sepherd) por la casa.En primer lugar en el campanario y el ultimo acto cuando descubre el terrible secreto de su marido. También es reseñable la secuencia onírica ,tan desasosegante como bella plásticamente. Hay muchos puntos de continuidad con otras películas de la serie.Vincent Price (que declaró que esta es su favorita de la saga Poe)interpreta otra vez al protagonista, un Verden Obsesionado con la muerte de su esposa Ligeia y muy magullado por el miedo a su regreso.Un tema que recuerda bastante al apartado Morella de Historias de Terror que termina de forma similar.Sin embargo otros ticks s ehacen algo reiterativos con respecto a el resto de la serie, como representar lo maligno con un gato negro...Sin embargo los puntos que la alejan del grupo de películas resultan lo más interesante.La escenografía, aunque no tan vistosa, resulta muy reseñable.El emplazamiento de la acción en una abadía herrumbrosa y oscura le da un tono más decadente al conjunto y acompañan al tono enfermizo de lo que relata. La Tumba de Ligeia es una película irregular pero muy valiosa,El guión es poco dinámico ,en beneficio de una mayor fidelidad al estilo literario de Poe y resulta un festín para el que pueda o quiera disfrutar de una prosa más cercana al escritor que en otras piezas del ciclo Corman. A su vez posee una atmósfera oscura que el desarrollo visual y la fotografía convierten en una película idónea para redescubrir detalles en cada (necesario)revisionado.

2008-08-05T20:30:00.001+02:00

LEMORA.UN CUENTO DE LO SOBRENATURAL

(REVIEW)

Coincidiendo con la época de regresión de la Hammer, los primeros años setenta no tienen demasiadas películas de transición con el estilo de la casa británica. Sin embargo, hubo una respuesta feroz a los planteamientos góticos de los que sus películas participaban. Una de las excepciones es ésta Lemora, una producción americana de reminiscencias oníricas ,con el vampirismo como telón de fondo. Quizás uno de los pocos nexos de unión entre dos grandes épocas del fantástico, la película es una pesadilla infantil que podría considerarse otra versión oscura de Alicia en el país de las maravillas.
Como un cuento de hadas macabro, el desarrollo narrativo de la película es ajeno a los personajes, proyectando en imágenes una inexistente voz de narrador en tercera persona. La cinta esta ambientada en los años veinte, pero la acción transcurre mayoritariamente en un poblado pequeño, alejado de cualquier referencia a el periodo histórico recreado. Esto imprime a la historia una atmósfera de relato arquetípico de cualidad atemporal. Alejada del realismo, sigue una estructura semianárquica, sin seguir una estructura puramente clásica. Un viaje sorprendente que funciona como relato de horror y fábula fantástica al mismo tiempo. La protagonista es una niña de 13 años que queda a merced de Lemora, una extravagante mujer que pretende convertirla en vampiro. Encerrada en una trampa de magia y tinieblas, la terrible odisea de la niña puede verse como un reflejo de la pérdida de la inocencia y del despertar sexual de el paso a la adolescencia. Esto provocó algún problema con la iglesia en el momento de su estreno. El marco conceptual tiene muchos puntos en común con el cuento de Caperucita roja y esto crea una línea directa hasta el film En compañía de Lobos(In Company of Wolves,1984)de Neil Jordan , la cuál también funciona como un cuento perverso, y tiene aspectos formales y estéticos deudores de esta Lemora. Como en un cuento de Angela Carter, la película es una narración sobre el paso de lo idílico y seguro hacia un mundo de pesadilla lleno de violencia, oscuridad, lujuria y muerte. La niña va abandonando el miedo hacia lo desconocido y finalmente no puede seguir luchando contra su naturaleza y la oscuridad que ella misma lleva dentro. A pesar de su bajo presupuesto, la película tiene una bella fotografía, en su mayor parte de tonalidades azuladas, muy deudora de la obra de Mario Bava. La imaginería surrealista y onírica esta al servicio de una puesta en escena preciosista con planos cuidados y de buen acabado. Las referencias a la condición de vampiro son sutiles y extrañas, dándoles una característica aura malévola ya perdida en los productos vampíricos de unos años antes. Los habitantes del bosque son una especie de hombres bestia salvajes a medio camino entre hombres lobo y Ghouls, y sus apariciones a veces resultan un poco exageradas, además, algunos de sus maquillajes tampoco resultan demasiado acertados. El carácter de culto ancestral de la pequeña comunidad de vampiros deja advertir influencias literarias como el Carmilla de Le Fanu o la obra de Lovecraft, tanto es así ,que la escena en la que la niña viaja en bus por el bosque es muy similar a cierto pasaje de La sombra sobre Insmouth.Una de las joyas perdidas del fantastico de los setenta convertida con toda justicia en película de culto.

2008-07-28T16:53:00.001+02:00

DOOMSDAY:EL DÍA DEL JUICIO
(REVIEW)

En los albores de los ochenta el cine vivió una suerte de época dorada del subgénero postapocalíptico. Películas ambientadas en una distopía marcada por la reciente cultura punk-rock, el salvajismo y una acusada radicalización del Homo Homini Lupus. La mezcla entre tecnologías punta y falta de recursos necesarios para la supervivencia del hombre se daban la mano en películas donde el mundo era un lugar violento donde solo el más fuerte sobrevivía. De cada una de estas películas salían tres nuevas hijas bastardas que acompañaron de la mano a cintas como Mad Max, salvajes de la autopista (Mad Max, 1979) (y secuelas) o 1997: Rescate en Nueva York (Escape from New York, 1981). Neil Marshall, uno de los pocos cineastas modernos auténticamente enclavado en la Serie B pura, ha creado una carta de amor a ese espíritu perpetrando una suerte de remake estilizado, pasional y desvergonzado de esas películas que debieron marcar a fuego sus años mozos.

Doomsday no es otra cosa que un remix de los mejores momentos de los grandes mitos de esa ci-fi postapocalíptica. Un retal de clásicos básicos tejido con la tela de la nostalgia, con tanto cariño y cuidado que prácticamente cada plano de la película tiene alguna referencia explícita en su diseño de producción o vestuario. La intención de Marshall es cristalina. El hilo argumental de la cinta es tan pobre como trivial para el espectador. Sin embargo, hay una puesta en escena espectacular e hiperbólica para presentar ese sencillo menú de la mejor manera posible. Todos los movimientos de cámara están estilizados hasta el extremo. Los efectos especiales son espectaculares y la acción soberbiamente ejecutada. En su empeño por perseguir el hálito nostálgico de aquel cine tan tangible, Doomsday presenta una fisicidad perpetua, que evita los efectos generados por ordenador en pos de una violencia más realista. El problema de mezclar con tanta desfachatez tantos referentes cinematográficos es que la gracia no va más allá de la simple adoración. El guión es demasiado endeble como para aportar un mínimo de novedad al asunto. Es probable que alguien no familiarizado con el subgénero encuentre la película poco más que un festín irracional de acción y gore visceral. Y ahí radica la inutilidad de la propuesta. La amalgama de situaciones comunes es completamente heterogénea y tanto podemos estar viendo una cinta de John Carpenter para pasar de un salto a Conan el bárbaro (Conan The Barbarian, 1982), habiendo visitado a los Warriors (The Warriors, 1979) de Walter Hill a ritmo de 28 días después (28 Days Later, 2002). Y es que Marshall no es ningún Tarantino. Ni siquiera se asemeja un Robert Rodríguez. Su criatura deja un buen sabor de boca al aficionado pero deja a la luz su falta de ambición como autor. Y, si bien se dibuja una pasión encomiable por un tipo de cine que sin duda el director adora como espectador, no es difícil atisbar sus carencias artísticas en su proceso creativo. Con todo, Doomsday resulta una obra curiosa, ya que pese a utilizar técnicas de montaje modernas y dinámicas videocliperas, exhala un aroma a otro tipo de cine del que puebla las multisalas. Su celebración de la violencia revela un entretenimiento que no rehuye la brutalidad. El espíritu juvenil del relato lo entronca perfectamente con los comics británicos de la serie 2000 A. D., donde se podían seguir las aventuras de personajes como Juez Dredd o Strotium Dog con un tono hiperviolento y socarrón que seguro que llenó más de una tarde del joven Marshall. Entendido así, Doomsday es un resumen ejemplar de ese tipo de historietas, pero lleva como lastre una indecisión tonal que despista sobre las intenciones de la cinta. Esta se toma en ocasiones demasiado en serio a sí misma mientras que la locura que albergan sus fotogramas invitan al disfrute desprejuiciado y sin complejos de una película convertida en caricatura de otras, mejores o peores, pero mucho más auténticas. Una delicia o un intento fallido, pero suficiente para complacer al que no vaya buscando más que hora y media de diversión tan ligera como salvaje.

2008-06-30T16:37:00.001+02:00

LOS CRONOCRÍMENES

(REVIEW)

La didáctica entusiasta de Doc ,el Mad doctor de la saga Regreso al futuro, proponía una lectura Pop de las paradojas espaciotemporales que pueden resultar de un sencillo viaje en el tiempo, adecuadas al lenguaje cinematográfico más asequible. ¿Qué consecuencias traería encontrarte a tu yo del futuro?¿Cuáles serían los resultados de cambiar cualquier pequeño detalle del pasado en los acontecimientos del mañana? Este tipo de cuestiones ,asimiladas ya por muchas películas de ciencia ficción, parecían haber llegado a un punto de no retorno.¿Realmente es necesaria otra película sobre viajes en el tiempo? Quizás no, pero por alguna razón Los Cronocrímenes no es una película que sobre dentro de este subgénero. Si de algo puede presumir el director Nacho Vigalondo es que ha logrado aportar nuevos desafíos dentro de un canon excesivamente sobado .
Los Cronocrímenes presupone muchos de los teoremas clásicos de la ciencia ficción sobre los viajes en el tiempo para ofrecer un acertijo que ya hemos visto alguna vez, sin caer nunca en la previsibilidad o el aburrimiento. Con el entusiasmo de quien ha diseñado un jeroglífico que funciona, Vigalondo expone las cuestiones que desarrollan la trama de forma nítida y funcional. Los problemas que surgen al realizar un viaje en el tiempo de forma deficiente, en el que se duplica al pasajero, son el motor argumental de la pesadilla de un hombre corriente forzado a lidiar con los acontecimientos que provoca un sencillo viaje hacia el pasado. Es ahí donde radica la fuerza de Los Cronocrímenes, ya que al mismo tiempo que el espectador va cuadrando los acontecimientos y movimientos en el tiempo, asiste sin saberlo a la transformación paulatina de un personaje que vive un drama en el que no entra de forma abrupta, sino con la naturalidad con la que un cántabro de vida normal podría afrontar la inevitable destrucción de el mundo que conoce. La austeridad económica de la cinta convierte su poco atractiva fotografía y sus limitadas localizaciones en una perfecta trampa para ratones donde la asfixia del personaje se hace más tangible. Vigalondo juega sus cartas de forma sabia y estructura la película en tres actos más o menos definidos en un juego donde tras repartir las cartas se vuelven a recoger para repartir el mismo mazo de forma diferente. El resultado es un puzzle de pocas piezas que encajan poco a poco sin un orden preestablecido. El guión ,muy bien pensado, siempre sorprende con un pequeño as en la manga siempre descubierto en el momento preciso. Sería difícil no valorar los méritos de la película sin aludir a su procedencia patria . Su espíritu universal no elude su condición de producto ibérico, pero lo cierto es que Los Cronocrímenes merece ser juzgada como la más que válida aportación de género que es. Quizás ,en su terreno, no es fácil encontrar una muestra tan fresca desde la brillante 12 monos, con la que guarda no pocas resemblanzas en su fondo. La dirección nos revela a un debutante sin ganas ni necesidad de demostrar nada a base de planos estéticamente rebuscados, encuadres sorprendentes o una búsqueda del sello autoral a cualquier precio. La película nos descubre a un director con voluntad de narrador eficaz, con las ideas claras de cómo llevar a buen término los complejos acontecimientos del relato sin dejar de lado su naturaleza lúdica. Quizás nada funcionaría sin la magnífica actuación de un Karra Elejalde que parece haber captado a la perfección el espíritu costumbrista del director de Choque y que limita su vis cómica a un cinismo crepuscular cercano al prototipo de antihéroe tan común en el cine de Alex de la Iglesia. Podrían buscarse imperfecciones en la película, a la que tal vez le falte algún toque de inspiración a la hora de convertir situaciones funcionales en momentos geniales, pero con descubrimientos de alto voltaje iconográfico como esa momia de vendas rosas, eso sería ya para subir nota. Bravo.

2008-06-25T19:38:00.000+02:00

CRITTERS-"LUCES EN AL OSCURIDAD"

Por fin sale a la venta el disco de CRITTERS "Luces en la oscuridad" Critters es una banda de punkpop nacida en Salamanca en 2003, cuando los miembros de Psycho Loosers (Jorge, Paty y Pablo) deciden formar otro grupo paralelo, en el que desplegar el “lado más femenino” de los Psycho. Así, surge “Critters”, una nueva versión, más estrogenada pero igualmente freak, de los Psycho Loosers. La diferencia entre ambas bandas es que, en Critters, la voz principal pasa a ser la de Paty, que a la vez se encarga de añadir las letras a las Músicas punkpoperas creadas por jorge y pablo. Las influencias de la banda van desde los Ramones a las Ronettes, de los Rezillos a Banana erectors, de Green day a The Muffs, de los Queers a Screeching weasel, de Los Nikis a Depressing claim... dando lugar a unos temas puramente pop, en los que se mezclan la dulzura de un fressy suisse y la acidez de un cubo de bilis, degustados en la oscuridad de un cementerio bajo la luna. Hoy día, Critters ya no siguen en activo, pero Jorge y Pablo siguen adelante con el proyecto “Psycho loosers” (http://www.myspace.com/psycholoosers).

El disco de Critters “Luces en la oscuridad” está a la venta desde Junio de 2008 y en él, podrás encontrar un sub-mundo construido a base de tumbas profanadas, tartas de cereza, látigos y fustas, asesinos a sueldo, cabarets, mafias chinas, platillos volantes y mucho más... El disco perfecto para las “Chicas raras” y los Muertos Vivientes... Para conseguir nuestro disco o contactarnos, puedes escribirnos a: critterspoppunk@hotmail.com escuchad 2 adelantos en el siguiente myspace:

http://www.myspace.com/critterspunkpop

2008-06-03T12:39:00.001+02:00

LA NIEBLA

(REVIEW)

Después de su muy apreciable The Majestic, Frank Darabont vuelve a dirigir, volviendo en esta ocasión a recuperar una de las historias “no tan populares” de Sthephen King.La novela corta en la que se basa “La niebla” era una pequeña historia de monstruos donde el escritor daba rienda suelta a sus obsesiones más recalcitrantes.Con este material base, Darabont ha construido una película modélica, casi perfecta en cada uno de sus apartados y una de esas adaptaciones que superan el material de base del escritor de Maine.
Las claves del éxito de The Mist radican en su radical alejamiento de los hábitos que ha ido adquiriendo el cine comercial de las últimas dos décadas, especialmente el de terror, sin renunciar a ofrecer un espectáculo vibrante de primera clase. Por un momento, parece que Darabont renuncia a su narrativa clásica y su sentido de la maravilla en cada encuadre. Quizás es la fotografía, con un sentido de urgencia y realismo que despista a los seguidores de su obraprimeriza, pero rápidamente las virtudes como narrador del director se materializan y podemos disfrutar de su dibujo de línea clara, su naturalidad expositiva y su provocadora sencillez a la hora de dejar a sus personajes que se muevan por la historia. The Mist es una sucesión de escenas sin artificios, ni vueltas de tuerca innecesarias, tan sólo una muestra de cine clásico, del que puede sorprender sin recurrir a recursos que distraigan del aparentemente fácil tema central.Por ello es fácil acusar a la película de simplista, de no ver en ella más allá de la ejemplar Monster movie que es. La virtud más destacable del conjunto es la forma en la que el guión afronta el tratamiento de los personajes, sin centrarse en un héroe concreto.Pese a las simpatías que nos despierta el grupo principal y su cabecilla David Drayton, las reacciones de los personajes estás subyugadas a una idea central que Darabont utiliza para mover el relato: el poder del miedo sobre las voluntades de el ser humano, la fragilidad de la capacidad de razonamiento, de las dificultades para llegar a acuerdo cuando las pequeñas diferencias se magnifican, de la incapacidad de reacción ante lo que no nos es familiar. Un punto de partida tan sencillo como poco utilizado en el cine de terror, que en esta ocasión, como raramente sucede en el fantástico americano, genera una película humilde pero con una fuerza normalmente inédita en las pantallas. Es por esto que esta The Mist podría considerarse un remake de La noche de los muertos vivientes, la película fundadora del cine de terror moderno, en la que únicamente se sustituyen los muertos vivientes por criaturas Lovecraftianas. Hay una línea directa entre el cine de George Romero y esta película .Las relaciones y reacciones de los personajes llevan exactamente al mismo lugar y ,lo que es más importante, nadie acaba teniendo razón. Las decisiones de los protagonistas no son tan acertadas, si no más bien exactamente lo contrario. Llevándonos a una conclusión tan desoladora como la de el clásico de 1968, que viene a decirnos que la opción más lógica no siempre es la correcta. La grandeza de The Mist es la valentía que demuestra al presentar las situaciones de conflicto. En las que es bastante obvia una solución inmediata. Pero lo que se pone de relieve no es el buscar un punto en común ni ofrecer un voto de confianza a los demás, si no convencerlos de lo que a uno le parece lo correcto. El orgullo, las pequeñas rencillas...cualquier excusa es buena para quitar la razón, para no hacer caso y crear un punto de división ...Son sutiles referencias a esa facilidad para la disputa de cualquier grupo de personas ante un elemento común de presión que acaba llevando a la creación de distintos grupos dentro de un microcosmos como puede ser un país entero o un supermercado acosado por criaturas interdimensionales.Lo que empieza como pequeñas disputas se magnifica hasta llegar al punto de la locura y el horror, más temible que el de los propios monstruos.Otro punto en común de Darabont con su admirado George Romero. Pero la película no solo funciona gracias a las reacciones de los personajes.Sorprendentemente, es una película de Terror muy dura, no hay ni un solo momento durante sus cortas dos horas de metraje para rebajar la tensión con alguna nota de humor.El tono es el de un drama de horror puro en el que ningún personaje consigue las simpatías de un director que no nos pone ninguna venda para ver el daño que causan unos monstruos, que pese a su mejorable factura técnica, llegan a aterrar en cada una de sus apariciones. Y es que no sólo The Mist es la mejor película de horror de los ultimos 10 años, si no que se une al club de las pocas cintas que han sabido llevar el universo Lovecraft al cine de forma memorable. Sin ser una adaptación confesa de ninguno de sus relatos, La Niebla propone una invasión de seres de otras dimensiones desconocidas, que aterran, causan locura y llevan al suicidio. Las imágenes finales, con un Maine desolado ,completamente postapocalíptico e invadido por esas criaturas, que marchan por la tierra como si fuera su propio planeta son el resumen perfecto del imaginario Lovecraftiano, con esa llegada de primordiales que nunca llega a suceder pero siempre temen sus personajes. The Mist es de esas películas que tal vez no se aprecian en su momento y toman fuerza con el paso del tiempo, pero sin duda estamos ante una de los fantásticos más importantes que han llegado a una pantalla de cine en los últimos años.

2008-04-27T18:13:00.000+02:00

THE LAST WINTER

(REVIEW)

Wendigo(2001)(aquí titulada escalofrío) era una pequeña pelicula de Larry Fesseden que jugaba con el mito indio del demonio del viento. Una personificación del llamado atávico que los bosques profundos y la naturaleza más salvaje provoca en los hombres y un mito que habla de la bestia en la que se puede convertir un ser humano cuando hace caso de dicho llamado.La literatura había tratado este ser en el relato “El wendigo” de Algernon Blackwood, publicado en españa en la antología Los Mitos de Cthulhu y Fesseden tomó partes de la leyenda original para contar una pequeña historia de horror con el espíritu de los bosques de fondo. Con The Last Winter el actor y director retoma su leyenda favorita para personificar en el espíritu del wendigo el conflicto eterno de la naturaleza contra el hombre y la posibilidad de que el final del reinado del homínido sobre la tierra esté más cerca de lo que parece.
La historia se sitúa en el norte de Alaska y en el asentamiento de un grupo de investigadores encargados de estudiar el terreno y hacer la avaluación de impacto de una zona que podría contener un yacimiento. La situación de aislamiento y el entorno helado rápidamente nos llevan al terreno del John Carpenter de La Cosa(The Thing,1982) .La narrativa sobria, el alejamiento espectador-personaje y la atmósfera ciertamente están heredados de aquella obra maestra del horror, pero las coincidencias con ésta acaban ahí mismo, ya que las intenciones de Fesseden no son la de crear un película de terror al uso. The Last Winter transcurre de forma pausada, los acontecimientos con peso son escasos y se desarrollan lentamente a lo largo del minutaje. Poco a poco se va desarrollando una atmósfera de opresión y claustrofobia alrededor de unos personajes enfrentados de forma muy sutil y cuyas motivaciones chocan con el misterio de lo incomprensible. El temor a lo desconocido y su plasmación en fotogramas resulta una muy interesante aproximación a ciertos axiomas Lovecraftianos(Como en La cosa,se podría asociar esta historia con la novela En las montañas de la locura)No solo La visión del Wendigo provoca un temor que acaba desquiciando a los protagonistas, sino que se transmite muy bien la vulnerabilidad del hombre frente al cosmos(aunque en este caso se trate del desconocimiento del poder de la tierra). El gran logro de Larry Fesseden es lograr que desde los primeros minutos se pueda oler el destino final de los protagonistas, que durante sus intentos de adaptarse a las dificultades y situaciones extremas que el argumento va dibujando, el espectador pueda sentir la futilidad de sus actos, lo inútil de sus esfuerzos frente a un final implacable que sin embargo llega de forma imperceptible. Pese a tener momentos escalofriantes, The Last Winter es un relato más cercano al drama ,un acercamiento distinto al cine de género que usa las imágenes con fines más reflexivos. Su trasfondo ecológico no es moralista si no fatalista. El uso de la naturaleza como motor de un cambio irreversible en el camino de la civilización tiene un carácter escalofriante más que aleccionador. En muchos aspectos la película recuerda mucho a La ultima Ola(The Last Wave,1977) y su acercamiento al fantástico de temática ecológica a través de la superstición , compartiendo con ésta su deprimente visión sobre lo irremediable. No parece coincidencia que los acercamientos al fantástico de Peter Weir se asemejen bastante a la personal postura de Fesseden con respecto al género. La mayor virtud del film es su ambigüedad frente al elemento sobrenatural. Los científicos son afectados por el espíritu de la tierra y les hace comportarse de manera extraña. Las teorías científicas sobre la liberación de gas amargo por el deshielo de la capa de permafrost son las razones puramente racionales que podrían explicar el súbito cambio de comportamiento de los miembros del equipo. Sin embargo la intuición de que hay otra cosa, algo desconocido que ha salido de la tierra es una posibilidad más palpable para algunos de los más escépticos miembros de la base. El uso de las huellas como posible presencia de el Wendigo o para mostrar la desaparición de un miembro del equipo son referencias comunes a películas como La noche del demonio(Night of the demon,1957)y como Torneur, aquí el terror es más una presencia posible que un peligro que acosa a los personajes encerrados. Pero en The Last Winter lo que realmente se nos narra es el principio de el fin,lo que viven estos personajes no tiene tanta importancia frente a la verdadera consecuencia final, que no es sino el propio fin de la era humana. Un discurso muy parecido a la próxima The Happening(2008) de M.night Shyamalan ,donde es la tierra la que responde con un mecanismo de autoinmunidad inultentando eliminar al hombre de forma que éste con su tecnología no pueda defenderse ,como forma de buscar un equilibrio. Con un presupuesto muy pobre, este ultimo invierno es un interesante y necesario acercamiento al fantástico ecológico que arroja algo de inteligencia al género del horror, muy falto de este tipo de propuestas en estos días de caos,que es donde deberían reflejarse.

2008-04-24T12:44:00.002+02:00

SPOOKIES

(REVIEW)

Autentico delirio ochentero dirigido por hasta 3 directores diferentes que resulta ser una joya de la psicotronía chusca de la década del blandiblub.Podría calificarse como joya del cine extravagante, pero no es precisamente un viaje de diversión desprejuiciada.El guión es tan poco coherente que resulta hasta difícil seguir el hilo de una trama tan sencilla como falta de originalidad. Una pena que su ritmo sea tan criminal ,ya que lo tiene todo para llegar a ser una pieza de culto del cine trash. La trama sigue caminos completamente arbitrarios y la narración está al servicio de las espectaculares e incontables apariciones de todo tipo de criaturas: monstruos pringosos, seres tentaculares, mujeres que mutan en arañas, magos malvados ,demonios, muertos vivientes....todo presentado con sabroso latex ,sangre ocasional pero generosa y mucho pringue. La banda sonora se basa en sintetizadores que acompañan a la paleta de colores azulados y oscuros, a la niebla y las lápidas... creando esa irrepetible atmósfera solo encontrable en películas, que como esta, infectaban los videoclubs de la recién estrenada “era VHS”.
La trama de jóvenes encerrados en una mansión para ser cazados uno a uno por todo tipo de criaturas, a cada cual más bizarra e inesperada, está entrelazada con una subtrama en la que un mago quiere hacer resucitar a su amor verdadero y para ello tiene que tomar las almas de esos pimpollos que nunca sabemos por que acaban allí exactamente. Lo divertido es que la historia en el ultimo tercio acaba siguiendo a la joven resucitada y su intento de huir de el señor que le devolvió a la vida contra su voluntad. Su huida de los muertos vivientes es tan ridícula como estimulante a nivel visual. El nivel de delirio iniciado con la absurda inclusión de un niño perdido en su día de cumpleaños( para posteriormente ser enterrado vivo) tiene una alarmante continuidad en las sucesivas apariciones de una especie de sátiro o sirviente demoníaco, que se pasa todo el metraje apareciendo de vez en cuando sin ninguna función concreta más que la solaz del espectador aturdido. La posesión de una de las jóvenes para convertirse en una especie de médium ,que (supuestamente)invoca a los “spookies” para capturar a los incautos personajes, tampoco deja indiferente.

La impresión final es que la película fue rodada sin un guión previo, con un montón de presupuesto para crear efectos especiales y pocas ideas de que hacer exactamente con ellos. El resultado es una melé de intenciones sin rumbo, un ejercicio de amor a el propio acto de crear sin saber hacerlo, que dedica sus esfuerzos a fotocopiar los momentos, dejes y maneras de un tipo de cine hecho en una época concreta .Permanecen todas las manías que conlleva hacer ese esfuerzo sin tener una idea sólida con la que poder empezar. Spookies es el resumen de fondo de catálogo de una revista Fangoria en la década de los ochenta, cuando el maquillaje y el gore ,el encanto del fotograma ,ya era lo único que contaba . Como si uno de los peores monster mash de la decadencia de la universal se tratara, el culto a la figura del monstruo era ya más importante que la historia o el texto. Un festín de idiotez lisérgica e incompetencia fílmica con risas aseguradas que al mismo tiempo fascina con sus imágenes grandgiñolescas y groseras. Spookies es un producto único e irrepetible, lo que no quiere decir que su visión sea fácil. Todo un viaje.

2008-04-20T19:34:00.000+02:00

LAS RUINAS

(REVIEW)

Basada en una novela Scott smith,La ruinas viene firmada por el mismo escritor de el creador del material base de la película Un plan sencillo. Algo extraño leyendo el argumento de la cinta que nos ocupa, con una tipiquísima estructura de jóvenes turistas acorralados y masacrados por un peligro desconocido. Lejos de huir de la fórmula, Las ruinas sigue casi paso por paso el manual de las películas de género en las que el grupo de chicos y chicas se ven asediados y masacrados en un escenario inhóspito y alejado de la seguridad y las normas de sus civilizados hogares occidentales. No ofrece por tanto ninguna novedad en el discurso de recientes éxitos de torture horror como Hostel, turistas o Wolfcreek. Sin embargo el factor determinante es la presencia de un terror ancestral en forma de hiedras carnívoras, no psicópatas cabreados con la civilización desarrollada con ganas de desmembrar. El mensaje viene a plantear las mismas cuestiones con respecto a la presencia de Norteamérica en los lugares donde no les corresponde, el hombre acomodado rompiendo reglas sagradas y la explotación de la ignorancia geográfica y cultural del adolescente caucásico de buena familia tipo. Las Ruinas peca de una ingenuidad excesiva en el desarrollo de su planteamiento, presentación de personajes y el desarrollo de la historia. Todo está rodado con cierto entusiasmo por el debutante Carton Smith haciendo que la inevitable introducción de la situación no se haga demasiado tediosa u en exceso anodina. Pero al final, lo cierto es que la película no llega a dar un tratamiento completamente novedoso al manido tema, quedándose en un intento loable de ofrecer nuevas perspectivas. Así los guapos jovencitos no son para nada perfectos y su atractivo siempre esta fotografiado de una forma que les muestra vulnerables. Los cuerpos son tersos y atractivos pero nos son mostrados con un ojo mas bien perverso que se recrea en la volatilidad de lo bello. Así, no son baladí las secuencias que muestran a los chicos antes de salir, después de un idílico día de sol playa y alcohol, mostrando sus cuerpos sin glamour o los efectos de una resaca cualquiera con cierto recreo en las imágenes. Esta tónica de contraste progresivo es constante en la película y conforme pasa el metraje el grado de locura va incrementándose llegando a extremos que rayan lo enfermizo.
Una vez se establece la situación central de la película, Los turistas atrapados en unas ruinas mayas acosados por plantas carnívoras, podríamos esperar la típica monster movie donde desaparecen uno por uno. Lo curioso de la situación es que los protagonistas están sitiados por lugareños que no les permiten bajar de la pirámide por miedo a la propagación de la planta, por tanto no tienen escapatoria de las hiedras y su espera es doblemente tensa. Esto crea una cierta inconsistencia argumental que no pasa fácilmente desapercibida .Dada la movilidad y poder de las plantas, uno se pregunta por que no se los come a todos directamente desde el principio. Pero olvidando lo que podría ser y no es, En las ruinas la atracción principal acaban siendo los efectos de las plantas en la anatomía humana y como reaccionan estos ante ellos. Imágenes perturbadoras, con dejes cronembergianos y puntuales momentos de gore clínico y salvaje que van sucediéndose conforme las relaciones entre los personajes se endurecen y se va creando una insana atmósfera de decadencia. La historia podría ser una variación extendida de la historieta “la balsa” de Stephen King ( el primero de los capítulos de Creepshow 2) y tiene muchos puntos en común con la opera prima de Eli Roth Cabin Fever.Lo cierto es que es una correcta cinta de terror que logra incomodar sin recurrir a los sustos manidos de otras monster movies. La mayoría del horror sucede a plena luz del día y sin golpes de sonido bruscos o movimientos de cámara mareantes. El miedo es a tiempo real y no hay elipsis cuando uno de los personajes sufre. En el fondo, no es si no un reflejo de la corriente de cine tortura aún vigente pese a tener la presentación de cine con criatura. Pese a todo,sin ofrecer nada original ,Las Ruinas es una excelente muestra de género con alguna que otra imagen sorprendente que mantiene un pulso narrativo suficientemente atractivo como para dejarla escapar.

2008-03-28T17:56:00.000+01:00

MI NOVIA ES UNA ZOMBIE

TOP TEN + 1 ZOMBIE PIN-UPS!!!

Hoy una actualización especial.Dada la falta de estrenos con gancho de las ultimas semanas(no me niego a ver fotocopias de peliculas japonesas que hemos visto hace 2 años!).Os propongo mi lista de las que son sin duda alguna las Muertas vivientes con más glamour de la historia del cine.Se supone que deben darnos miedo pero su imagen nos cautiva y su belleza nos hacen pensar en la cancion de Vegetales "Mi novia es una zombie".Podeis ver el top ten de estas bellezas putrefactas y una mencion especial.

10.Rain Ocampo-Residen Evil (2002).

Michelle Rodriguez emulando a la sargento Vasques de Aliens.Marines duras,latinas y con mucho morbo.Lastima que no sean infalibles.Ocampo es mordida y se transforma en una criatura mucho más bella y letal!Sin duda lo mejor de la película.

9.Muerta Viviente desnuda-Night of the living dead(1968)

Un clasico.su aparición es fugaz.No le llegamos a ver la cara y por primera vez en al historia del cine una mujer desnuda no nos pareció tan apetecible.Una automata cuya carga erótica es anulada por un sentimiento de horror y pena solo comparable a la que nos produce La novia de frankestein(por que noes tecnicamente una zombie,es ..la novia de frankestein).Pese a su breve aparición su imagen es un icono del cine zombie y merece entrar en este ranking.

8.Mrs. Leitner-Day of the dead(2008).

Hiper podrida,llena de pustulas y baba verde.Ojos azul claro y melena negra.Una zombie neumática interpretada por la scream queen de nueva cuña Krishta Cambell.Una zombie de la familia de los atletas en uno de los remakes más desvergonzados de la neuva hornada.Al emnosSteve Miner nose lo toma demasiado en serio y logra divertir,solo si olvidas que la palabra Romero existe durante 85 minutos.

7.Luda-Dawn of the dead (2004).

La zombie embarazada con mas mala ostia que usted pueda adquirir en su centro comercial.Antes de transformarse es muy guapa, belleza rusa con semblante sereno que al infectarse da a luz a un bebe zombie y da muerdos al aire con mas peligro que la niña del exorcista.Mucho más guapa aún.Su novio es un señor de mal vivir que pretende mantener su familia zombie a toda costa

6.Kyôko, Reina zombie-Junk(2000)

Una vieja factoria infectada de meurtos vivientes.Un proyecto del ejercito que sale mál.Los zombies de Fulci resucitan en Japón con el maquillaje de zombi(1978) y Kyoko resulta ser su lider.Una zombie saltarina y que hace Kung fu!.Una belleza oriental que no podía faltar para añadir la nota exótica a nuestra apestosa galería.

5.Zombie Rubia-Dawn of the dead(1978)

Otra aparición fugaz.El pobre Roger es atacado en el estrecho espacio de la cabina de un gran trailer.Esta zombie rubia es el prototipo de belleza setentera, con su melena rubia y con tejanos.Lastima que su cara pronto sea destrozada por Peter,siempre arreglando los desaguisados del cada vez más ido swat rubiales.Hacian buena pareja.

4.Chantal-El espanto Surge de la Tumba(1973)

Un poco de erotismo castizo.No en esta película la Cantudo no enseñaba el felpudo,(eso en una de Grau, el director de No profanar el sueño de los muertos).Pero a mi me gusta más en esta peliculita de Carlos Aured ,con esos ojos en blanco,prima hermana de los muertos de pánico en el transiberiano(como molaban los zombies hispanos coño!).Mucho más atractiva así a nuestro parecer.Y acojonaba ,joder!

3.Numero Nueve-La tierra de los muertos vivientes(2005)

!Que manera de agarrar el Bate!.¿Quien no se puede enamorar de una muerta que va razonando poco a poco para utilizar un bate o una ametralladora?Esa ingenuidad tan propia del zombie romeriano,ese cutis amarillento,esa mejilla inexistente,ese concurso de camisetas mojadas al salir del río de Pitthsburg.La segunda en comando de Big daddy le roba planos a la divina Slack.Y es que ¿quien no prefiere una cita con una chica como esta?

2.Chica Vampiro-Plan nine from outer space(1959)

¿Muerta viviente o vampiro?.No sabemos por que las incoherencias argumentales de la obra maestra de Ed Wood no dejan claro si los extraterrestres convierten alos muertos en ghouls ,vampiros o que.El caso es que Vampira está como nunca.No sabemos cuan descompuesta estaría pero tiene muy buen aspecto.desde luego lo que no era ni emdio normal era esa cintura menor que la de una avispa.

1.Julie Walker-Return of the living dead 3(1993)

El merecidisimo primer puesto es para Mindy Clarke en la tercera parte de la saga inciciada en el 85 por Dan O Bannon.Brian Yuzna en su mejor momento nos trajo la majestuosa aparición de esta diosa splatter punk.Un Look a lo Cenobita que convertiría en heterosexual al mismisimo Clive Barker.Imperdibles ,cristales y cadenas contra el hambre de carne humana que produce morir por Trioxina.La zombie ideal.Una autentica Bomba sexual podrida!

MENCION ESPECIAL:

Karen -Night of the living dead(1968)

Una niña que se come a sus padres no podría faltar en esta galería.No solo es el mayor icono del cine de muertos vivientes.La pequeña Karen Cooper nos enseñó que los muerdos de un zombie te matan y te hacen resucitar.El axioma sagrado que tantas veces ah sido utilizado.Con ella me despido.Si alguien tiene alguna idea de chica zombie puede aportar su colaboración!

2008-02-21T11:55:00.000+01:00

SWEENEY TODD

(REVIEW)

Tim Burton.Tim...Burton.Si Tim Burton.¿verdad que con solo oir ese nombre, uno ya lo asocia incoscientemente a una película que resulta innegablemente diferente, atractiva, oscura...unas sílabas cuya dicción generan una inmediata sensación de genialidad. Cuando uno ve una película de Tim Burton con el objeto de afrontar su nueva obra con un ojo crítico, siente que su opinión nada podrá aportar a la masa de aficionados a sus anteriores maravillas. Es como intentar escribir una vez más que es un director “sobrevalorado” sin caer en la posición rancia del alumno listillo de la clase, del renegado que intenta convencer al mundo de que todos están equivocados. En definitiva, de parecer el entendidillo a contracorriente, incomprendido y inequívocamente frustrado por que los pimpollos veneran al maestro Burton y el no comulga con esa iglesia de la cienciologia siniestroide. Ni siquiera reconocen,Oh!..no reconocen..ni un punto débil al señor de lo oscuro. Ni siquiera saben ,mientras planchan su camiseta de pesadilla antes de navidad, mientras se ponen su bolso de pesadilla antes de navidad, mientras dicen adiós a su muñeco de tamaño real de jack skeleton de su dormitorio, que el ni dirigió, ni guionizó Pesadilla antes de navidad.El amargado infeliz está solo ante la evidencia de su propio carácter agrio y antisocial. Dicho esto digamos ahora con la boca ancha y los pulmones hinchados que Sweeney todd es una pésima película solo apta para enfermos terminales de este creativo de disney que aun no ha aprendido ha hacer un plano contra plano o dirigir más de 20 minutos seguidos sin hacer perder el interés en mil puntos de fuga.
Desde Ed wood parece que el bueno de Tim no ha encontrado un ayudante de dirección que le diga como dirigir un película haciendo los énfasis dramáticos en los lugares apropiados, sin hacer decaer su ritmo en cada bobina. Y es que Sweeney todd es un autentico tostón. Lo peor de todo es que la cinta lo tiene todo para ser una genialidad del cine de horror adulto. Un diseño de producción apabullante(no es difícil con los 55 millones que han gastado),referencias desde Bava, la Hammer(ese color de la sangre!),los clásicos proscritos de la Universal ... la mala leche del musical original...en definitiva : todo. Pero no...Burton prefiere hacer de uno de sus musicales favoritos un curioso compendio de sus vicios más característicos, sus obsesiones más trilladas...su discurso hueco que sin duda hará las delicias de todas las góticas de cerebro predispuesto a ese discurso. Es decir, una colección de planos por que sí, secuencias aquí y allá perfectas para que Hottopic haga el agosto con pañales talla xl para Emos con padres separados. Si uno obvia la innegable inutilidad de los actores principales para meterse en los papeles requeridos, tardará poco en darse cuenta de lo bochornoso que resulta escuchar un musical con semejantes “tenores”.Johnny-no-soy-capaz-de-no poner-caritas-ni haciendo-de-malvado-Deep es incapaz de darle un mínimo de solidez a su voz, que resuella versos sin potencia, ni gracia ,ni poder. No se queda atrás la mujercita del director, que sí, que está muy mona en su octava reinterpretación de la novia de frankstein de Brannagh, pero resulta casi lastimoso verla intentar llegar a los tonos de las piezas del musical. Mejor no hablar del anodino e inane pretendiente de johanna...por favor, no me hagan rememorar sus espectaculares saltos a escena. No estaría mal que entre algún miembro del casting alguien supiera cantar ,por que para ser un musical ,aquí lo único que canta son los efectos por ordenador del 80% de la película. La falta de equilibrio y dirección de las últimas películas de Burton hacen preguntarse como engendros como este optan a premios, reciben críticas sobresalientes y hacen que el “mito” siga en pie. Tim Burton no es un director. Es un esteta, un amago de autor con un innegable lenguaje artístico y unos axiomas plásticos reconocibles pero que ni siquiera él a inventado. No hay nada malo en ello, pero cuando pasan 15 minutos de una de sus películas el fastuoso diseño de producción, la fotografía preciosista y los “gags” macabros han sido más que asimilados y digeridos por el espectador con un coeficiente intelectual mayor que el de paquirrin. Después uno queda absorto ante la danza de el tedio y el aburrimiento. No sólo vale el aspecto y las referencias para hacer avanzar un relato. Ni siquiera el gore de Grand gignol, ni los a veces ingeniosos ripios de las canciones originales pueden vencer la descompensación entre escenas cantadas y habladas ,ni tampoco la alarmante arbitrariedad estructural, ese “me salto por los cojones” el concepto de acto que hace avanzar un relato con interés.En resumidas cuentas, otra pieza de culto del director mainstream más venerado por los que necesitan su pequeña racioncita de oscuridad, pasto de nescientes que nunca conocerán Operazione Paura o El más allá, que nunca se han parado a degustar una cinta de Terence Fisher. Vamos, que un Bodrio.

2008-02-11T19:01:00.000+01:00

30 DIAS DE OSCURIDAD

(REVIEW)

Las adaptaciones de comic a la pantalla grande son el último bastión de un hollywood falto de ideas que con desesperación lanza recreaciones de otras películas, videojuegos, series y hasta juguetes. Uno de los comics con más popularidad en los últimos años fue 30 días de noche, cuya estética fue elevada a los altares y su guionista Steve Niles se convertiría en el nuevo mesías de las historias tenebrosas en el medio de la viñeta. Lo cierto es que la novela gráfica parte una idea interesantísima (un pueblo de alaska en el durante un mes entero no sale el sol es atacado por vampiros) pero no resulta nada más que una lectura curiosa. Gran parte de su popularidad la debe a los dibujos de templesmith que a la propia historia en si. Niles es, digámoslo claro, un mediocrísimo guionista de horror y tiende a acercar su estilo al guión de los comics mainstream de fácil consumo más que a los de sólidas novelas gráficas o al comic independiente. El comic de 30 días de noche tiene subtramas innecesarias, humor simplón y personajes sin peso que desvían la trama de lo que realmente interesa al lector. La película de David Slade puede jactarse de haber solucionado muchos de los problemas de la novela, mejorado sus puntos fuertes , manteniendo los elementos que la hacen interesante. Lamentablemente eso, por si solo, no basta y no logra conseguir un producto sólido desde el punto de vista argumental. Su guión no logra explotar los lugares muy trillados de este tipo de películas y no logra aportar nada excepcional, nada que no hayamos visto antes. Esto no la convierte en una mala película puesto que importa más el como se cuenta que lo que realmente relata, pero resulta evidente una desorientación con el material de base, un sonambulismo narrativo que no sabe que hacer con sus personajes en el segundo acto y que decepciona al ver como una idea que tiene todo para ser grande, se queda en una pequeña anécdota, un producto a medio hacer, una agradable cinta de serie B que teniendo todo para convertirse en un clásico desperdicia la oportunidad olvidándose de lo más importante en una película : el ritmo, los personajes . Sin embargo si se deja notar una voluntad importante por hacer algo diferente y los creadores tienen la conciencia de estar haciendo algo especial. Las primeras escenas que explican como el pueblo esta siendo acechado son muy sólidas, y prometen un espectáculo de categoría A. Conforme la trama va avanzando se enreda en un lugar de donde no consigue que los personajes lleguen a importarnos. Parte de la culpa es el tono de frialdad de el relato, la distancia con respecto a la historia, la falta de equlibrio de las escenas que lleva a preguntarnos cual es el motor de la historia. Y es que una cinta de supervivencia, de personajes encerrados frente a un peligro exterior...ha de procurar mantener el interés en algún punto. Este problema, sin embargo, no logra invalidar los otros puntos fuertes de la cinta. La fotografía es poco menos que espectacular e invita a posteriores revisionados de la película para disfrutar de el preciosismo de sus imágenes. Desde los apabullantes planos de el pueblo, con un diseño de producción delicioso, todas y cada una de las apariciones de los vampiros(pese a alguna sobreactuación cercana al ridículo...) hasta la tenebrosa plasticidad del uso de sangre. 30 días de oscuridad, con sus problemas, no es una mala película y resulta muy disfrutable para cualquier fan del fantástico o el horror. Su estilo relativamente clásico denota que el mejor Carpenter , el de la cosa, es uno de sus máximos referentes y hay muchos momentos que resucitan el estilo del mejor director del fantástico que ha existido, lo cual no es decir poco. Además el director David Slade es respetuoso con el espectador y no incluye ningún momento estúpido o deudor del cine para adolescentes. Los personajes son personas normales, y logra reflejar bien las idiosincrasias de las gentes de un pueblo como Barlow. Lo malo es que el guionista, aunque ha conseguido sacar un libreto digno de un comic muy ligero, no logra traspasar la barrera que separa a una película con una idea clara de la que surge sin un propósito más que el de recrear el espíritu de unas viñetas en celuloide. Por el camino, Vampiros, violencia, una de las mejores interpretaciones de Josh Harnett, una puesta en escena rotunda y una belleza en sus imágenes que la convierten en un producto notable.

2008-02-11T18:27:00.000+01:00

MONSTRUOSO

(REVIEW)

Precedida de una gran campaña de marketing vía internet sólo comparable al de Serpientes en el avión o El proyecto de la bruja de Blair, Cloverfield llegó a nuestras pantallas con el ridículo título de Monstruoso. Rodada cámara en mano como la reciente REC, nos propone una aventura a lo kaigu eiga que bebe más de los atentados terroristas del 11-S que de las cintas del entrañable godzilla. Cloverfield no logra sobrevivir a su propio Hype pero es una propuesta interesantísima, muy lograda en el aspecto técnico y un must see para cualquier estudioso de la ciencia ficción. No es una mala película ,pero si es cierto que ,como la mayoría de “mockumentaries” es sólo válida como experiencia cinematográfica inmediata, que dudosamente logre soportar más de un par de visionados y que en ocasiones, resulta tediosa y falta de interés. Cloverfield es la película de siempre contada de otra forma, y si bien funciona perfectamente como lo que es, no logra crear una obra sólida de principio a fin. Los minutos iniciales, con la presentación de personajes, y situaciones emplea quizás demasiado tiempo sin que el espectador reciba ninguna información vital. Si es cierto que esta introducción ayuda a que los acontecimientos que suceden sean más impactantes, que suframos junto a ellos las consecuencias de un ataque de alqaed..digo de un monstruo ignoto sobre manhattan. El caos, el pánico, la desorientación de catástrofe son retratadas con un realismo escalofriante, y las imágenes de horror dejan al espectador con mal cuerpo. Conforme pasan los minutos la película se dedica a mostrar más los efectos de una catástrofe que en desarrollar la típica cinta de monstruos y se centra en las reacciones de un grupo de personajes (unos jóvenes algo pijorros y de buena familia)y vivimos su odisea junto a ellos. Recuerda más a la aventura del poseidón u otras películas de catástrofes de los setenta que a las cintas de monstruos o insectos gigantes de la era de la paranoia de los cincuenta, pero en cierta forma es una mixtura de ambos géneros que sale victoriosa gracias a su planteamiento. Hay varios momentos en Cloverfield que dejan al descubierto incoherencias dentro de su propuesta, ya que, como en toda cinta rodada en cámara al hombro, siempre hay momentos que incitan a cuestionar la labor de los guionistas. Situaciones inverosímiles que en realidad no llegan realmente a molestar y proporcionan espectáculo que es de lo que se trata. Cloverfield abre nuevas vías para el uso de los efectos digitales por ordenador y logra, mediante ingeniosos planos secuencia, dar un cariz épico a muchos de sus planos, llegando a convertirse , sin exagerar, en lo que es la visión más espectacular hasta la fecha de lo que puede ser un fenómeno de carácter preapocalíptico. Uno de sus puntos débiles es la inclusión de unos parásitos crustáceos del monstruo que son lo menos realista del conjunto, especialmente cuando los personajes se encargan de despacharlos. Pero ,con todo, la cinta no deja indiferente y aunque haya quien se empeñe en resistirse a entrar en su juego, lo cierto es que sus imágenes impactan y son un prodigio de puesta en escena y planificación. La manera en que funcionan sus, a veces, larguísimos planos secuencia dan una idea del detallado trabajo que hay detrás. Por otra parte, el director Matt Reeves demuestra que no se anda con chiquitas y no trata a sus personajes con benevolencia, recordándonos constantemente que lo que vemos es real, que no valen las reglas cinematográficas más típicas y que en una catastrofe así cualquiera puede morir. Cloverfield deja una coda bastante deprimente, nihilista y poco complaciente, dejando abiertas todas las preguntas y atacando a la curiosidad del espectador que está tan desorientado como los propios personajes. Cloverfield no es un hito de la ciencia ficción, y aunque su propuesta es magnífica, en ocasiones resulta tediosa, cuando no mareante, pero en el fondo resulta más que refrescante siendo una obra , sin duda, imprescindible.

2008-01-11T18:21:00.000+01:00

SEÑORES, MEENSE EN LOS PANTALONES:
DIARY OF THE DEAD TRAILER
Desde mondo puto queremos decir a viva voz,que quien piense que Romero no sigue siendo el rey de lso muertos es un pobre inútil aspirante a pegamocos.Aqui teneis el impactante trailer de la ultima maravilla de Romero.Una especie en extinción, un bocado de delicatessen demasiado sabroso como para que aquellos que piensen que 28 semanas después es mejor que La tierra de los muertos vivientes se den cuenta de donde está el talento.Con ustedes,el trailer de El diario de los muertos.

http://www.movieweb.com/news/48/25648.php

2007-12-20T11:45:00.000+01:00

SOY LEYENDA

(REVIEW)

Antes de empezar, unas palabras preliminares para quien opine que la película que nos ocupa no es una buena adaptación de la novela de Richard Matheson. No saben de lo que están hablando. “Pierde el sentido del Soy leyenda de la novela” podrán argumentar algunos,y en efecto ,en ese sentido la película no opta por colocar a Neville como una leyenda para los vampiros. Pero es que en ésta película señores, esa posibilidad no existe, por el hecho de que en la novela era una bidisección de el mito del Vampiro como monstruo legendario y como punto culminante de ésta, el humano termina siendo el monstruo,la leyenda que los vampiros han creado. La premisa de la película ,adaptada a los tiempos que corren, deja poco espacio para esa posibilidad, no obstante aquí Neville sigue siendo el monstruo al fin y al cabo. Pero la fidelidad a la novela no se basa en la repetición del argumento o la recreación de pasajes clásicos del material original(como la primera versión The last man on Earth)ni en la reiteración de Neville como monstruo para los vampiros(Motor principal de The Omega man)si no en la esencia misma del relato: El día a día de Neville, y los efectos de la soledad sobre la mente humana. En este aspecto Soy leyenda no solo recoge a la perfección los sentimientos de Neville si no que los recrea de forma emotiva, única y de forma fideligna al material originario.

Soy leyenda adapta también el guión de la segunda versión con Charlton Heston, pero su estructura es bastante similar a la de la novela. Así, el tercer acto, muy poco espectacular y sin mucha fuerza, es en el fondo, parecido al del libro( a su manera) acabando de forma un poco abrupta y dejando sin duda con ganas de más. Pero en conjunto, hay una película más que notable. En ningún momento la cinta se deja sentir como un Blockbuster, sino una historia pequeña e íntima, pues salvo contadas escenas de acción, los efectos están puestos al servicio de la historia o el escenario, la música es poco hiperbólica, más bien minimalista, triste y usada en momentos puntuales. Una pena que el diseño y acabado de las criaturas, totalmente creadas por un pobretón CGI, no estén a la altura de un presupuesto tan elevado. Quitando esos problemas, la película es un relato postapocalíptico que algunos querrán ver como una copia de 28 días después pero que esconde dentro un poso de tristeza y deseperanza como pocas cintas del fantástico han tenido nunca.

Quien espere una cinta de acción quedará muy decepcionado, pues en su lugar hay espacios vacíos e imágenes melancólicas, sin apenas lineas de guión, que muestran un mundo sin seres humanos como jamás una película había mostrado antes. Eso, señores es al menos digno de reseñarse. Will Smith hace, sin duda, su mejor interpretación hasta la fecha, mostrando solo con gestos todo el dolor y nihilismo que Matheson describía con palabras, siendo muy significativas ,por escoger solo un momento, sus reacciones al relacionarse con los supervivientes : un ejemplo de fidelidad a ciertos pasajes de la novela. También es un acierto el uso de los flashbacks explicando como Neville pierde a su familia, pues si bien la forma de hacerlo no es como el libro ,si existían los pasajes de recuerdo y aquí ,como aquel, ayudan a comprender la importancia de su familia y su dolor por la pérdida a causa de la pandemia.

Soy leyenda es casi un película independiente disfrazada de superproducción. Está rodada sin énfasis ni alardes en la mayoría de metraje y salvo algún que otro susto gratuito mantiene un tono de película intima muy poco común en la cinematografía fantástica actual. Con todo ,tiene sus partes malas, algunas de la clase “lo que pudo ser y no fue” como el desaprovechamiento de las localizaciones y escenarios para algunos momentos de acción, suspense o tensión .Otros, se engloban en lo que “debería haber sido y no fue” como esa inexplicable elección de zombies hechos por ordenador. Finalmente, los grandes fallos que son, ese flojo clímax con un guión algo mesiánico y fuera de lugar... y una , en general, descafeinada conclusión. Pese a ello, lo cierto es que no es una desdeñable adaptación del material original y es, sin duda, una rara avis dentro de lo que suele ofrecer la factoría de hollywood en estos últimos años.

2007-12-19T18:58:00.001+01:00

EL DIARIO DE LOS MUERTOS EN FANGORIA
YA HAY GUION DE WWZ

El número 270 de la revista americana fangoria tiene en portada la nueva maravilla de George Romero.Las ultimas noticias vuelven a ser positivas sobre una secuela de ésta,ya que el productor de ésta ha confirmado que si hay intención seria de seguir con la historia,lo emjor sera no fiarse demasiado hasta que el mismo Romero lo confirme.Mientras tanto en Febrero se estrenara el diario y en Mondoputo habrá un mega dossier sobre la película,así queestad atentos.

Por otra parte,La novela de Max Brooks World War Z, una especia de cronica de una guerra mundial contra los muertos ya tiene guión.Por lo visto,según algunas críticas es la película de zombies definitiva.Solo por debajo de la tetralogía de Romero.Según el critico:

Horror fans, zombie fans, and fans of classic cinema need to send up a thousand prayers that this is handled reverently and expertly – if it is, it will be the horror film to beat for years to come after its release. One for the books. Second only to Romero’s trilogy – the progenitor of the phenomenon – the best living dead story since he created the genre.

2007-12-19T11:45:00.000+01:00

POSTER Y TRAILER DE

MY NAME IS BRUCE!!!

En mondo puto adoramos a Bruce Campbell,esta película pese a no ser lo que esperábamos aún promete de lo lindo.

Trailer:
http://www.youtube.com/watch?v=QZLv3Z7L5lY

2007-12-18T17:13:00.000+01:00

LA ORGIA NOCTURNA DE LOS VAMPIROS

(REVIEW)

León Klimovsky dirigío en 1971 esta pequeña peliculilla de vampiros cuya mala fama es en parte injustificada. Es cierto es que el film es irregular y cae en ocasiones en ese ridículo clásico de muchas de las obras de la producción fantaterrorífica de la época. También sufre de muchos momentos delirantes que la alejan de ser un producto serio para enmarcarse más dentro de la psicotronía casi involuntaria. Lo que sorprende de una peliculita de estas características es que se aleja de las explotaciones de los monstruos clásicos típicas de Naschy para intentar contar una historia más pequeña, sin vampiros nobles y aristocráticos ,sin complicar la trama con complicadas maldiciones mágicas o subtramas superfluas tan comunes en el territorio Fantaterrorífco hispano y en la obra del propio Klimovsky .La historia de La orgía nocturna de los vampiros es típica a rabiar, pero no resta ni un ápice de su encanto. Un grupo de personas acaban en un pueblo prácticamente abandonado que resulta estar lleno de vampiros .Un punto de partida muy sugerente que en muchas ocasiones logra elevar la propuesta a un lugar digno gracias a que el relato nunca se desenfoca demasiado y mantiene los acontecimientos dentro unos parámetros que nunca escapan de la sencillez implícita de la historia.
Rodada en un adecuado formato panorámico, la fotografía es muy cruda, captando las imágenes sin grandes contrastes y con colores fríos que dan un aspecto desolador a un pueblo viejo y abandonado. El desarrollo de la acción tiene bastante ritmo y ,salvo algunos momentos en los que se resiente el avance del relato, resulta un pasatiempo más entretenido que muchos títulos de mayor popularidad en la cinematografía de horror española. Los ataques de los vampiros están rodados de forma muy interesante, con uso de recursos como el ojo de pez que les dan un aspecto más aterrador. Salvo la personificación más clásica del mito en el personaje de la mítica Helga Liné ,los vampiros son hombres del pueblo con un aspecto más convencional, pálidos y fantasmales, sin aspecto elegante. Lo cual es algo poco común, ya que el subgénero vivía todavía dentro de los márgenes cimentados por la Hammer. Cuando los vampiros se juntan para ir al cementerio ofrecen bonitas estampas , aunque bastante perjudicadas por el indiscriminado uso de la noche americana para solucionar las carencias de luz en el rodaje .Estas escenas recuerdan a las apariciones de La noche de los demonios (con ataques de vampiros al coche rodados de forma muy parecida)y , como en ésta última, tienen gran influencia de La noche de los muertos vivientes(Night of The Living Dead,1968).Una de las apariciones de estos vampiros, cuando los protagonistas son encerrados en un autobús lleno de ellos, recuerda muchísimo a uno de los pasajes más terroríficos de la posterior novela(y segunda adaptación al cine)de Stephen King El misterio de Salem`s Lot(Salem`s lot) con la que la película guarda más de una coincidencia. Las interpretaciones son más o menos competentes pero caen en los vicios más comunes del panorama castizo. El guión tampoco deja mucho espacio para el desarrollo de personajes muy elaborados, simplemente deja frases sin brillo en boca de unos actores con el carisma en horas bajas(aunque la historia, realmente, no necesite más). Afortunadamente, la presencia de Jack Taylor(un extraño héroe con tendencia al vouyerismo)dota de cierta presencia al personaje llamado a escapar del pueblo lleno de vampiros.Uno de los grandes problemas que presenta La orgía nocturna de los vampiros es su desastrosa banda sonora, completamente fuera de tono con las sugerentes imágenes que Klimosky logró rodar. Una colección de partituras setenteras de ritmos de acción ,wenstern y aventura que no acompañan nada a las lúgubres imágenes de tendencia gótica. Un autentico despropósito de canciones casi funk y ¡hasta Bossa nova! colocadas en los lugares más inapropiados que seguramente tengan mucha culpa de que el espectador perciba la película como una obra menor o un esperpento psicotrónico. Como muchas de las cintas de género producidas en esa época, la película recae en tics de lo más habituales como los inevitables destapes gratuitos , explicaciones pertinentes al final de la función...Aún así, es una cinta algo infravalorada dentro del panorama patrio y pese a que muchos ven en ella una joya del cine basura para reír más que para asustarse(como la filmografía de Piquer Simón) la película, sin ser una maravilla guarda virtudes no muy comunes en otras cintas más populares y además , en esta época de remakes bien merecería conocer una revisión patria que explotara sus virtudes y solucionara sus no pocos problemas.

2007-11-23T13:00:00.000+01:00

REC

(REVIEW)

El proyecto de la bruja de Blair (The Blair Witch Proyect, 1999), fue una especie de reactivo para el cine de terror de los años noventa. Surgido durante una década llena de películas ligeras y dirigidas al público adolescente, el falso documental de Myrick y Sánchez continuó la estela de la tremenda Holocausto caníbal (Cannibal Holocaust, 1980) e hizo uso de un nuevo arma cinematográfica: el marketing viral de internet, o cómo una película de presupuesto mínimo puede hacerse de oro gracias al boca a boca. Pese a su éxito demencial en las taquillas, la película en sí resultaba terrorífica y aburrida a partes iguales, y su supuesto postmodernismo no dejaba cabida al desarrollo de un guión eficaz en beneficio de la verosimilitud. Tras la resurrección financiera del género y la actual época de remakes de horror, aquella película comienza poco a poco a dejar notar su influencia en el género de horror. Tras un lapso de casi una década nos encontramos con películas como la anunciada Cloverfield (2008) de J. J. Abrahams, que mezcla los ataques de monstruos tipo Godzilla con el punto de vista en primera persona. El subgénero zombie vuelve con tres aportaciones: El diario de los muertos (Diary of the Dead, 2007) de George Romero, The Zombie Diaries (2007) y la española [REC] (2007). La cinta de Romero utiliza el formato subjetivo de forma circunstancial, sólo para provocar inmediatez, no descuida en ningún momento la cualidad cinematográfica clásica y propone un guión elaborado que no deja sitio a la total verosimilitud. [REC], sin embargo, propone un viaje puramente centrado en el realismo a través del formato televisivo de programas de telerrealidad.

Como si fuera un tren de la bruja, [REC] no es más que una honesta película-experiencia que adopta de lleno el estilo de BWP para contar, a su manera, cómo sobrevivir a una infección de zombies a lo 28 días después (28 Days Later, 2002). Lejos de ser una pesadilla de horror insostenible, la cinta resulta ser una obra bastante comercial, como momentos de humor tontorrón y ligero, y que no deja de ser una bastante común película de “sustos”. Su objetivo de buscar el ultrarrealismo comienza de manera formidable con la presentación del personaje principal, maravillosamente interpretado por Manuela Velasco. Su naturalidad frente a la cámara es idónea y hace palidecer a actuaciones vistas en este país en mucho tiempo. Lamentablemente, el sorprendente trabajo de actores (como la pareja de ancianos) queda invalidada por las poco creíbles interpretaciones de varios, demasiados, miembros del reparto. Por ello, parte de la premisa original es invalidada y a partir de cierto momento la película oscila entre lo terrorífico, lo aburrido o lo ridículo. Aún así, el espectáculo ofrece una buena cantidad de sustos y momentos de impacto que aseguran una hora y media de entretenimiento. Uno de los problemas que comparte con El proyecto de la bruja de Blair es su falta de un guión elaborado. Hay varios diálogos más o menos improvisados y muchos momentos de gritos, caos y confusión que, bajo la coartada del realismo, revelan una carencia de ideas escritas sobre el papel. La falta de un propósito se suple a base de una buena planificación y virtuosismo en la puesta en escena, siempre creíble y bien realizada. Otro inconveniente, quizás ajeno al propio producto en sí, es que queda muy alejado de sus posibilidades reales. La película parece arrancar, pero no lo hace realmente hasta llegado el último tramo de la película, cuando los protagonistas han de enfrentarse a los peligros para poder escapar. El mcguffin de la búsqueda de una llave en uno de los pisos superiores parece haber sido descubierto demasiado tarde y hasta ese momento hay varias secuencias de estancamiento narrativo y vueltas al mismo lugar que hacen que no se utilicen de forma efectiva los mecanismos del subgénero de horror. Así, el viaje nunca llega a ser una experiencia intensa de principio a fin. A este respecto, merece la pena reseñar la anterior película de Balagueró, Para entrar a vivir (2005), como una exploración muchísimo más acertada de las posibilidades que brindan escenarios como son un bloque de apartamentos, o los largos pasillos de un piso sumido en la oscuridad. Por tanto, [REC] decepciona en su uso del espacio explorado y los artificios del horror en primera persona, resultando insuficiente y menos acertada que la anterior y más compacta obra de uno de sus directores. El final, desasosegante, es uno de los momentos más escalofriantes de la cinta (1), y aunque hasta ese momento la película significa un alejamiento de los fantasmas y las sectas típicamente Filmax, Plaza y Balagueró parecen no poder deshacerse de los personajes con secretos oscuros y recupera a última hora los (muy habituales en la obra del segundo) recortes de periódico, que en esta ocasión resultan poco apropiados, dando una explicación rebuscada, delirante y ridícula al origen del contagio. Aunque no llegue a desarrollar todas sus posibilidades, el producto final es un más que digno acercamiento al renacimiento zombie, que quizás no se coloque un paso por delante en el subgénero, sino más bien lo contrario. Hay una cierta ingenuidad a la hora de afrontar determinados clichés del subgénero, que no se ven ayudados por el uso de planos vistos en éxitos recientes del cine de muertos vivientes. Así, el uso de una mujer gorda en camisón o el plano de una niña infectada, a la que un personaje se acerca ingenuo, para ser mordido a continuación, son demasiado simétricos a los mismos de Amanecer de los muertos (Dawn of the Dead, 2004) como para que la cinta no desprenda, a pesar de todo, cierto aroma a explotación. Y aunque no haya nada malo en ello, [REC] es una cinta de género muy funcional que no pretende ser más que eso, una cinta de explotación con carácter oportunista y comercial. La irregular carrera de Balagueró y Plaza se consolida con un divertimento perfectamente disfrutable, fácilmente consumible y que no engaña a nadie. Una buena muestra de cine palomitero que supone una apertura conceptual interesante para el fantástico patrio, que bien podría abrir una buena brecha comercial en otros subgéneros a los que nos tiene acostumbrados los cineastas patrios que abordan el horror.

(1) Curiosamente, están rodados con cámara de infrarrojos, como en el clímax de otro acercamiento al tema de los infectados de otro español, 28 semanas después (28 Weeks Later, 2007).

2007-11-20T11:41:00.000+01:00

LA MANSIÓN DE LA NIEBLA

(REVIEW)

1972 fue un año especialmente prolífico en la producción de cine de género fantaterrorífico en nuestro país. Uno de los títulos más notables de esa temporada fue La mansión en la niebla, notable debut en la dirección de Francisco Lara Polop cuya carrera no dejó ninguna otra obra reseñable en el género de terror (que no volvería a retomar)ni fuera de él. Una verdadera lástima ya que en la cinta que nos ocupa se pueden encontrar no pocas muestras de buen hacer cinematográfico. El argumento de la película no es desde luego un dechado de originalidad, un grupo de desconocidos acaban en una mansión perdida en medio de la niebla ,en un lugar desconocido y poco transitado que evoca algún punto entre la realidad y la fantasía. Una vez en la mansión, entre subtrama inútil y subtrama eroticofestiva, los personajes han de lidiar con inexplicables sucesos y apariciones. Una premisa tan simple, está conducida con tino durante el primer tramo de la película, en el que se nos presenta a los personajes mediante varias historias entrecruzadas, que van construyendo una trama con diversas interconexiones. La llegada a la mansión es sin duda el momento más conseguido del film .Un acertado uso de los ingredientes clásicos del horror gótico y un buen manejo de la niebla culminan con la primera aparición de los espectros. Una magnífica secuencia, aterradora y plásticamente impresionante, que bebe mucho del imaginario propio de los comics de la Warren. A partir de ese momento, la trama avanza a trompicones. Existen algunos pegotes poco adecuados, como esos flashbacks explicativos de la juventud del personaje de Elsa, en los cuales es risible el intento de hacer pasar a la Actriz Amalia Gadés por una virginal jovencita cambiándole la peluca. Lo Único interesante de dichos Flashbacks es el atrevido inserto gerontófilo en la pasión secreta de Elsa, que muestra una sorprendentemente poco disimulada tendencia al incesto que le lleva a convertirse en una mujer con un importante problema de líbido desde su juventud. El resto del metraje incluye algunas apariciones por aquí y por allá, todas ellas bastante aterradoras y con muy buenas ideas de puesta en escena. Los espectros aparecen sin motivo aparente y la aureola de misterio es constante, por lo que el suspense se mantiene intacto mientras los personajes van lidiando con la amenaza sobrenatural. Las imágenes de horror son un material muy potente, casi insólito en la cinematografía española, y harían las delicias de cualquier aficionado al cine de Bava. Pero lo bueno no dura eternamente. El horror procede de los desconocido y lo fantástico, y como tal, el cine de éste género se encarga de mantener esa ilusión en el espectador. La Mansión en la niebla lo consigue, gracias a un uso efectivo de la desorientación y el delirio en los momentos en los que lo sobrenatural entra en escena. Lástima que todos los logros acumulados no lleguen a consumarse con un final digno si no que, como en muchas otras películas, se opte por la vía de la sorpresa final. Un giro de ciento ochenta grados de los que dejan hechos polvo al aficionado serio, el que no necesita burdas argumentaciones ni cínicas explicaciones racionales para disfrutar de una película. No hay nada reseñable en la confección del guión y tampoco ninguna sorpresa en las correctas interpretaciones. Los personajes jóvenes reflejan ese carácter desafiante, sexualmente activo y afable de la juventud predemócrata de nuestro país, que en ocasiones daban juego para personificar a héroes de género como ésta o No profanar el sueño de los muertos(1974) por poner un ejemplo. Sin duda, lo más reseñable de la película es buen trabajo de escenografía y montaje, que salvo ocasionales lapsus, esta a una buena distancia del conjunto de obras de género hechas en España. También es destacable la fotografía y el uso de la paleta de colores que da un aspecto más que digno a la película en su formato panorámico(No por casualidad, ya que la película es una coproducción con italia).Pero pese a todos sus aciertos, La mansión de la niebla solo es, al fin y al cabo, una de las muchas películas aquejada de ese síndrome de vergüenza por el género que como las demás, pretende justificar su buen hacer en el manejo de los viejos (y siempre efectivos )mecanismos de éste ,tan maltratado cine de horror, con un golpe de efecto tramposo y arbitrario(1)

(1)Desde La marca del Vampiro a Alta Tensión(Haute Tensión,2003)

2007-11-10T19:56:00.000+01:00

HALLOWEEN(2007)

REVIEW

La obra de John Carpenter esta siendo revisada por la maquinaria de hollywood con resultados cinematográficos pobres, flojos, mediocres. La esperanza de ver una versión personal de Rob Zombie de que probablemente sea la película más influyente del maestro americano creaba expectativas de presenciar una visión cuanto menos curiosa sobre el mito de Michael Myers. Los resultados no son alarmantemente catastróficos, pero en absoluto novedosos o de algún interés. Sencillamente, son mediocres. Planteada como una exploración de la maldad vista a través del origen de la psicopatía de forma autentica, Zombie dedica una buena porción del film a explicar la infancia de Michael Myers. La desconstrucción de lo que en la película de Carpenter funcionaba bien de forma encubierta no resulta tan molesta como podrían esperar los puristas de la obra fundacional del slasher moderno y, contra todo pronóstico, se torna en la parte más interesante del producto final. Los primeros minutos, en los que con calma vemos quien es Michael Myers y observamos como la enfermedad del mal puro le posee, hasta dejar de ser el mismo, sigue evocando en el espectador un fascinación y temor por el psicópata, aunque esta vez se adentre de forma más psicológica y científica en lo que antes era una evocación casi mística. Esta visión novedosa y fresca del origen termina cuando Michael escapa y la película deja de estar enfocada desde un punto de vista más cercano a él y la trama vira hacia su hermana Laurie Strode(un gimmick no presente en la original Halloween, surgida en la primera secuela del film).En ese momento, la película se torna en un remake propiamente dicho de la original, que podría pasar perfectamente por una secuela más. Toda la noche de Halloween de la original esta contada aquí de forma similar, quizás con un pequeño cambio argumental aquí y allá. Las muertes del original se reproducen plano por plano y los mismos momentos que antes creaban tensión, aquí no generan impresión alguna. Una segunda parte que pretende funcionar de forma diferente a la original gracias al desarrollo de un primer acto-precuela del que abandona sus interesantes lineas de desarrollo en pos de reproducir la mítica primera película de forma ultramimética. Lo peor es que el particular estilo del director apenas hace acto de presencia en toda la segunda mitad y ,salvo un poco más de violencia y sexo enfermizo, no se perciben los muchos recursos que suele utilizar, salvo esta vez una utilización excesiva de primeros planos . Lo peor de todo el experimento es que pasado su ecuador comienza a enfrascarse en una dinámica tediosa y con poco brío, una dirección sosa y sin pasión que hacen que lo que podría haber sido un buen slasher sea mortalmente aburrido. La tensión o el horror son sustituidos por golpes de sonido constantes, al puro estilo de producción de horror de baja estofa. Una pena ver como un director de indudable creatividad no arriesga y se limita a intentar dirigir un Slasher convencional. Al menos, Zombie si demuestra su amor por el material original y su habitual cinefilia hace acto de presencia. Hay muchos y variados guiños a la saga y respeto por el material original. Halloween de Rob Zombie es en parte, una interesante mirada al clásico de JohnCarpenter pero decepciona como obra del más capaz director de Los renegados del diablo. Lamentablemente, no pasará a la lista de Remakes que igualan a la obra original como Amanecer de los muertos o que la superan, como Las colinas tienen ojos. Ni siquiera entraría dentro de las que no están nada mal como La matanza de Texas. Halloween es un Remake innecesario, que podría haber sido mejor si la misma idea de guión hubiera sido tratada por alguien más capacitado, por que el gran problema que arrastra Rob Zombie es que no sabe escribir.

2007-11-06T13:42:00.000+01:00

DIARY 2,DE MOMENTO: NO

Asi desmiente George A. Romero las noticias acerca de una proxima secuela de su nueva película. La cuestion es que ni él mismo sabe de dónde ha salido la noticia, que habia llegado de forma oficial a varias webs especializadas. Hoy toda la comunidad está extrañada y no comprende por qué este tipo de noticias sale adelante de esta forma... una pena.

2007-11-05T19:44:00.000+01:00

RESIDENT EVIL: EXTINCTION

(REVIEW)

Extinction es la tercera entrega de la saga que adapta el videojuego homónimo de la compañía campcom. En esta ocasión, el argumento de la serie de los juegos es ignorada y propone una situación en la que el infame virus T ha hecho estragos en todo el mundo, terminando con la civilización y convirtiendo a toda la población en los consabidos zombies hambrientos de carne humana(¿Alguien puede explicar como un virus puede desertificar un planeta en su totalidad?). Un grupo de supervivientes busca comida y víveres en un convoy con varios vehículos mientras Alice vaga por el desierto huyendo de la corporación Umbrella. Un planteamiento la mar de interesante que da pie para crear una buena película postapocalíptica al estilo de Mad Max, mezclada con el Universo Romeriano. De hecho, la cinta comienza de forma prometedora, mostrando algún zombie de aquí a allá vagando por el desierto. Sin duda, las mejores escenas de una película que se enreda en una absurda deriva narrativa que en ocasiones crea ocasional aburrimiento.
El problema de esta tercera parte es, como en sus dos anteriores entregas, el nefasto guión de Anderson, cuya obsesión por mostrar malos malvados de la corporación Umbrella y centrar el argumento en ellos en vez de las motivaciones y problemas de sus personajes, hacen que no sintamos ninguna curiosidad por saber qué pasará a continuación y que solamente observemos los acontecimientos y la acción por el simple hecho de que ésta exista. Un modelo que se está haciendo peligrosamente habitual en las superproducciones americanas y que consigue que uno se pueda aburrir en una cinta de éstas características, como es el caso. Los personajes no son explorados ni lo más mínimamente, siendo auténticos maniquíes a los que vemos actuar y cuyas acciones no ayudan a saber de sus motivaciones. Por ello, son absurdos los vagos intentos de hacernos empatizar con los protagonistas, incluso presentándonoslos por sus nombres, contándonos algo de su pasado, cuando en ningún momento se vuelve a saber de ellos, ni siquiera en las escenas de acción. La dirección es medianamente funcional, con el casi siempre acertado sentido visual de Russell Mucalthy sobrevolando cada plano de la película. El diseño de Producción y la fotografía son los ingredientes más relevantes de esta producción, que recuerdan a las cintas de la saga Mad Max y suponen un tratamiento visual prometedor que hacen pensar en una película más sólida, para que finalmente esa sensación se diluya conforme la película avance, sin llegar realmente a avanzar el relato, y acabe súbitamente con una lucha entre monstruo y heroína de lo más cansina, predecible y decepcionante. Todo en este Resident Evil parece escrito por un niño de 12 años enganchado a la playstation y, por ello, es de suponer que éste, su público potencial , disfrute mucho más de los ocasionales gags sin gracia y de lo poco imaginativo de su guión. El espectador aficionado al subgénero zombie disfrutará sin duda con un par de escenas que, si bien no dicen nada nuevo, le dejarán satisfecho al final dela proyección. Varios Plagios/Homenaje? a El día de los muertos (Laboratorio subterráneo con científicos que adiestran muertos), Amanecer de los muertos(zombies super rápidos ) y Land of the dead(ese convoy acorazado rumbo a ... Alaska) Además, hay más acción, mejor rodada y con más violencia que las anteriores cintas de la saga, lo que la convierten en un espectáculo más disfrutable, pese a que su historia es más infantil y descompensada que la original.
La música prescinde del terrible techno barato típico de Anderson para dejar un resultado más decente, aunque igualmente deficiente, que otras producciones que llevan su nombre. Extinción es el capítulo más entretenido de la saga Resident Evil, que será recordada en su tríptico como la peor de las adaptaciones posibles de un videojuego terrorífico. Quizás, algunos disfruten de su aire de serie Z post-apocalítica italiana a lo Bruno Mattei o Enzo Castellari ,ya que en sus noventa minutos hay un poco de todo: científicos locos, Monstruos mutantes, poderes telequinéticos a lo Tormenta, cantosísimos retoques de Photoshop a Jovovich en los primeros planos, vestuarios postapocalípticos con ligueros y gafas fashion, Perros y Cuervos zombies, Malvados chuletas y holográficos, Tecnología hi-Tech , Clones de Milla en pelotas y un precioso Plano de la boca de metro de Tokio con zombies por sólo 6 euros.¿Quién da más?

2007-11-01T13:11:00.000+01:00

HABRA DIARY OF THE DEAD 2!!

Ya es oficial. Tras algunos rumores y especulaciones se confirma la luz verde para la secuela de Diary of the dead, la última película de Romero que es un spin off de su saga oficial. En principio, Romero tiene preparado un guión que sigue las aventuras de los supervivientes de la primera entrega, aún no estrenada en todo el Mundo. En esta ocasión, los protagonistas viajan a una isla desierta, que resulta estar poblada por una civilización de muertos vivientes. Un argumento que recupera elementos del Guión original de Day of the dead, que no se llegó a filmar. Aún no se sabe el título oficial, ni si seguirá con la misma técnica de grabación en primera persona pero parece ser que el rodaje comenzará en marzo de 2008. Es la primera vez que Romero continúa la historia de unos personajes a través de dos películas, aunque pare él significa hacer la segunda parte de una misma obra. El equipo de producción es el mismo y el poster que veis es el material publicitario para vender la secuela en el Amazing film festival.

2007-10-29T13:17:00.000+01:00

INVASION

(REVIEW)

El estado sociopolítico actual en el mundo es un caldo de cultivo adecuado para que el cine de terror y ciencia ficción, siempre reflejo de el clima de su época, incluya imágenes que resulten significativas de los sucesos ocurridos globalmente en el tiempo en que fue creada. Sin embargo las películas de estudio actuales tienen las alas cortadas y creer que la imaginería de las películas tiene que ver con el subconsciente colectivo es algo ingenuo, ya que lo que realmente mueve la producción de películas de este tipo es el negocio rentable. Así, tenemos ante nosotros un nuevo Remake: La cuarta versión de “La invasión de los Ladrones de cuerpos” llamada simplemente Invasión. Lo que a priori puede resultar poco adecuado, dada la relativa cercanía de la nueva versión en los noventa, se torna sugestivo gracias a la situación de demencia y paranoia en la que vivimos sumergidos. Lamentablemente la visión del interesante director Olver Hirschbiegel ha sido mutilada y reformulada para ajustarse a parámetros más complacientes. Los méritos de la película se concentran en momentos dispersos que hacen sospechar que son escenas aisladas rodadas por el director original. Sin embargo, el producto final es un correcto thriller de ciencia ficción con no pocos momentos de terror y tensión, que si bien no resulta absolutamente anodino, si que es bastante intrascendente. Hay diversos detalles que recuerdan a un buen cine independiente, con personajes y actuaciones poco comunes en los grandes Blockbusters , y hay varios aspectos que, sí bien recuerdan al anteriores trabajos del director de “El hundimiento”, no tienen continuidad durante la película. En general, los momentos en los que la invasión va tomando forma están bien desarrollados y consiguen reflejar el fenómeno a escala global de forma efectiva. También resultan acertados los pasajes en los que la protagonista se percata de que algo ha cambiado y cómo ha de procurar no ser descubierta. Lo mejor de esta nueva versión es cómo se acepta definitivamente que la invasión realmente significa un posible cambio para bien, y plantea la cuestión de si realmente merece la pena que la raza humana siga existiendo .Esto se ejemplifica muy bien en un sutil plano final en la mirada de Nicole Kidman a su compañero cuando todo parece haber remitido(un final que huele a imposición de hollywood).Una mirada que destapa su sensación de posible equivocación.¿no hubiera sido mejor haberse dejado llevar?quizás es la idea más radical que plantea esta nueva versión, que en el fondo, pese a ese regusto hollywoodiense del final, sea mucho más pesimista que las demás, al considerar que los humanos no tenemos salvación de nosotros mismos. Pese a sus no pocos aciertos, la película , resulta en su conjunto una experiencia fallida. Un montaje atropellado, sin ningún tipo de rumbo hace que los primeros minutos de la cinta sean algo que no parece ser lo que realmente quiere. Secuencias cortadas por un patrón que no se corresponde a lo que parece que se quiso plasmar al rodarlas, como si necesitaran algunos segundos más para que funcionaran correctamente. Si a ello añadimos flashbacks estúpidos e innecesarios, horrendos planos infográficos de células atacadas y una deriva narrativa a causa de los “insertos” de los Wachosky, tenemos un fresco de lo que no se debe hacer en una película, justo al lado de escenas que están dentro de los mejor del año. Un engendro que sencillamente se deja ver y que no llega a molestar demasiado, pero que deja un poso de amargura por no poder ver la versión original tal y como fue concebida. Quizás ésta no mejore lo presente e incluso sea demasiado sosa. Pero n invasión existen demasiadas señales en las que se intuye una buena película que alguien ha intentado convertir en otra cosa. El resultado es un trabajo flojito, sin garra ni pasión, pero tampoco es ninguna catástrofe y logra entretener suficientemente como para dejar escapar su visionado.

2007-10-23T18:02:00.000+02:00

HATCHET

(REVIEW)

Considerada por muchas páginas especializadas como una de las películas a tener en cuenta en este 2007,la independiente Hatchet ha sido estrenada en los Estados Unidos en pequeños circuitos de distribución. Una exhibición limitada para un film de relativo bajo presupuesto, que se ha vendido muy bien como un homenaje a los Slashers de los ochenta, con la saga Viernes 13 como estandarte. Hatchet pretende hacerse pasar por una vuelta a las formas y espíritu de cintas como El asesino de Rosemary, The burning,o Prom Night, pero cualquier conocedor del subgénero se percatará enseguida de que no existe ningún nexo de unión con éstas salvo el empecinamiento de sus artífices por intentar presentar su producto de esa manera.Un homenaje con ironía y verdadero amor al género procuraría, en primer lugar, un acercamiento estilístico apropiado, utilizando su falta de presupuesto como un elemento a su favor. Es triste que en sólo los dos minutos y medio del falso trailer”Thanksgiving” de Eli Roth haya más sarcasmo, afecto y conocimiento del Slasher que en toda la película de Adam Green. Hatchet está planteada como un psycho-splatter a la antigua, pero sus personajes, situaciones , guión o aspecto formal parecen sacados de cualquier película creada para el mercado de video americano. No hay ninguna chispa en las situaciones potencialmente graciosas y las que (muy)ocasionalmente la tienen, son repetidas hasta la extenuación. Una vez vista la gracia, película deja de funcionar y comienzan las interminables situaciones tediosas. En una película de estas características, deliberadamente mala?,se pueden perdonar diversas incompetencias a cambio de un poco de descerebrada diversión. Lo que ocurre, es que cuando en una película de 80 minutos se ha de esperar 50 para que algo empiece a pasar ,falla algo importante .No hay ningún desarrollo de personajes, ninguna situación especialmente graciosa... nada. Cuando llega el momento de la aparición de Victor Crowley ,el asesino sobrenatural de la función, uno está demasiado aburrido como para que le importe ver al ser deforme destrozando a los odiosos personajes de las formas más salvajes que uno pueda imaginar. Pero ni siquiera el gore está bien rodado. Los efectos son muy buenos, al viejo estilo ,pero la forma de rodarlos es plana, sin pasión y tan amateur como el resto de la película. En conclusión. Hatchet es un tedioso viaje de 80 minutos escasos rodado sin estilo ni profesión. Para más irritación, corta su final abruptamente, en un amago de intentar dejar al espectador sin saber que pasará. Lo único que consigue es que la sensación de timo alcance niveles peligrosos. Muy loable en su intento de parodiar películas sangrientas y malas, tomando la vía de la ironía y el pitorreo, pero cuando no ofreces un producto que mejore en algún aspecto a las películas que pretendes emular, es mejor quedarte en casa .Por supuesto, no fiarse de las numerosas y efusivas críticas que va recibiendo por páginas webs, Blogs y otros soportes especializados.Hatchet no es la Slither de los films de asesinos en serie, ni siquiera esta a la altura de las peores secuelas de la saga del de la máscara de Hockey. Bueno tal vez sí de la Octava...¿o era la novena?

2007-10-12T19:11:00.000+02:00

EL ORFANATO (REVIEW)

Arropada por la ahora inmaculada e intocable firma del irregular Guillermo del Toro, El Orfanato ha venido recibiendo aplausos y elogios por cualquier festival donde se ha estrenado. Finalmente la cinta está a disposición del público en cualquier multisala del país. Bravo pues,que el dinero que podría ir destinado a la duodécima estupidez proveniente de EEUU acabe en cajas nacionales. Nadie pone ninguna pega a que la nueva película sea la candidata a ir a los oscar por nuestro país. Es de suponer que para los productores y artífices de la película todo es maravilloso e inesperado, toda una sorpresa. Además la película se trata de una ópera prima. “Parece que volvemos a tener otro Laberinto del Fauno” claman críticos y exhibidores. Todo parece perfecto. Pero no lo es. El Orfanato de J.A.Bayona no es otra cosa que el malogrado producto de una operación comercial y tramposa, un entremés precocinado que tiene la insolencia de darse palmaditas en la espalda a si mismo como si su creación hubiera sido fruto de la prodigiosa creatividad de un nuevo genio.
Seguro, el presupuesto invertido en la película se deja notar en su impecable factura. La fotografía es maravillosa aunque en ocasiones, todo se torna demasiado perfecto y calculado, todos los encuadres han sido cuidadosamente elaborados pero en ocasiones tanta composición resulta tan perfecta que acabamos por no creernos que cierto objeto este en la casa por que si. Una sensación que podría aplicarse a la mayoría de aspectos de la película. Los planos de la casa desde el exterior, las preciosas estampas de la costa asturiana y algún que otro detallito más por aquí y por allá son si duda lo mejor de esta película de “fantasmas”. Dentro de lo destacable parece irrefutable incluir la interesante actuación de Belén Rueda que si bien hace creíble su personaje, no deja de ser la enésima representación de mujer fuerte enfrentada a la pérdida de un hijo que hemos visto tantas veces en el cine made in Hollywood. Rueda compone bien su interpretación aunque su constante cara de amargamiento (cualquiera diría que estuvo todo el rodaje de resaca) y sus momentos de “mamá guay” sean en ocasiones chirriantes. La película, un nuevo acercamiento al tema de casa encantadas, esta rodada con oficio y se nota que el director maneja la cámara con convicción, pero esta plagada de momentos en los que pretendidamente se ha elaborado pensando en crear momentos de emotivividad, terror, espeluzne, magia o drama. Es tan evidente la apuesta por facturar una película de calado comercial, en tocar la fibra sensible a lo Spielberg, que la mayoría de momentos de pretendido encantamiento resultan vagamente exitosos y sólo dejan en evidencia un guión sin personalidad y una dirección inexperta al no saber hacer funcionar lo que deberían de ser momentos inesperados, de los que surgen de lo más profundo de los personajes y no de una vacía lección de planificación en una clase de cine de una cara universidad. Desde los primeros instantes del film, con algún que otro plano robado de “Salvad al soldado Ryan”, los momentos intimistas resultan cursis y recargados(esa secuencia de Laura y su marido tocando el piano a la limón)y es larga la colección de situaciones forzadas para ser “parecidas a...” que no hacen otra cosa que aumentar la constante sensación de dejavù que supura este orfanato. Como si fuera el nuevo subgénero a cultivar en nuestro país desde El laberinto del fauno(2006), la película parece querer evitar ser demasiado fantástica para centrarse en el drama para al final dar un golpe de efecto a lo sexto sentido que justifique (o desjustifique)todo el film. Sin duda sorprendente, su final revela algunas de las muchas trampas que ha utilizado la película y al final uno cree haber estado asistiendo a una selección de grandes momentos del cine de casas encantadas cuya finalidad es crear el caldo de cultivo adecuado para que Bayona recorra los grandes clichés del género y sin cortarse un pelo, coger lo que más le interesa de las películas a las que intenta rendir homenaje. Desde luego el argumento central tiene más de Polstergeist que de otra cosa, ya que la única diferencia significativa es al sustitución de la actriz que hace de médium, mucho también de Los otros y no precisamente de lo bueno, ya que la pomposa banda sonora ayuda a aumentar la constante sensación de haber visto y oído antes cada escena de la pantalla. No faltan otros detalles fundamentales vistos ya tantas veces, muñecos que dan yuyu, golpes, juegos de niño chirriantes en el parque... ni siquiera se privan de el inevitable dibujo hecho por el niño al ver a los fantasmas, ni las inevitables frases “quieres jugar con nosotros?” etc..etc.. Lo peor de todo es el tono solemne que acarrea todo el film, completamente falto de humor ,que da pie a un puñado de situaciones que rozan el ridículo. El personaje de Benigna, una anciana con gafas de culo de vaso, parece estar escrita para ser interpretada por el moreno de cruz y raya, y el momento de su atropello recuerda a los momentos más gloriosos de el cine de Javier Fesser. Las carcajadas del personal no paran cuando se nos muestra la historia de Benigna y su hijo un niño deforme a lo Jason Voorhes que murió (uh,ho!sorpresa! ahogado en los acantilados)en un video casero grabado hace un tiempo. Pero el momento más glorioso de este festival del humor involuntario es cuando la inspectora de policía le dice a Laura con un tono muy solemne: “Hemos preguntado a todos los asistentes de la inauguración, nadie recuerda haber visto a un niño con un saco en la cabeza”.Sencillamente glorioso. Risas aparte ,resulta aún más gracioso ver como este afamado director de videoclips de camela aplica a su opera prima las tácticas de muchos de sus piezas para el grupo caló , que no eran otras que emular otras películas. Así, encontramos un tufillo similar a la correcta The Dark(2005),en la que una Maria Bello sospechosamente reminiscente a esta Belén rueda, perdía a su hija en los acantilados, raptada por los espíritus, y corría por la playa buscando a su hija desaparecida, ante la incredulidad de todos, claro. No faltan los planos que confirman lazos con la película de John Fawcett y podemos ver a los equipos de submarinismo rastreando la zona para encontrar el cuerpo la mujer encontrando los restos de la niña asesinada tras escarbar un poquito en el cobertizo. Tampoco falta el plano “chica--cae-dentro-de-la-ducha” de Amanecer de los muertos(Dawn of the dead,2004) tomado desde el mismo ángulo y todo. En definitiva, El Orfanato es la película de horror para abuelas de la temporada. Horror para todos los públicos pensado y diseñado para el disfrute de las mamás que quieran ver “una de esas de sustos”.Un trabajo formalmente impecable que de ser estrenado con
firma americana sería absolutamente masacrado por la crítica(o lo que es peor, completamente ignorado)y que contiene muchas de las manías más comunes de los grandes Blockbusters Hollywoodienses. Una apuesta que desde un primer momento resulta poco auténtica, muy premeditada y calculada y tan huérfana de alma que debería recabar en otro tipo de orfanato. El de las películas con absolutamente nada que decir.

2007-10-10T18:42:00.000+02:00

SITGES 2007:

DIARY OF THE DREAM

La edición del festival de Sitges de 2007 como todos sabéis, llevaba implícita la asistencia de George A. Romero, el padre del cine de horror moderno.Vuestro querido drugito es quizás el mayor yonqui(más que fan)de Romero que exista en este país no podía perderse tan magno evento. Llegamos a Sitges el sábado 6 para poder ver la nueva película de el viejo maestro: Diary of the dead, que se proyectaba a las 11 menos cuarto. Tras esperar los primeros de la cola junto a Paty Critter y el señor Villa conocimos a Jose Fivejacoby con su tío, dos fans fatales del Romeruniverso vimos la película recién levantados. No me meteré en demasiados detalles del film ya que preparo un Dossier/Review que publicaré en el momento de su estreno, para no spoilerearos nada. Lo único que puedo deciros es que es original, fresca, divertida, y en ocasiones dramática y triste. Se le podrían sacar muchos problemas, muchos “fallos” o incongruencias pero si bien muchos de ellos son bastante rebatibles estoy seguro que nadie aprecia otros aciertos del film que no son fáciles de captar con un solo visionado, dado a que el despiste que crea el punto de vista de el film, la sensación de urgencia a veces no permite escuchar con detenimiento algunos diálogos de los personajes. Puedo aseguraros que ni una sola linea de guión está en la película sin un propósito aparente. Es una cinta imperfecta pero 100% Romero ,una suerte de versión complementaria a La noche de los muertos vivientes que invalida a la mayoría de películas que triunfan imitando sus mitologías y que sigue siendo con mucho la versión oficial del todo el asunto. Tras la película y una gran ovación, tuvo lugar la primera aparición del maestro bajando las escaleras del auditori para empezar la ronda de preguntas y respuestas. Decepcionante por el poco interés de la mayoría de las preguntas, muy típicas y poco originales a lo que se sumó la incompetencia del traductor que daba la vuelta a las palabras de Romero tergiversando el significado en muchas ocasionesDespués de la película tuvo lugar el primero de una serie de momentos mágicos del fin de semana. Tras esperar un buen rato, los fans fatales del gran hombre fuimos conducidos por Chris Roe, el agente del señor Romero ,una suerte de Big Daddy no demasiado simpático(se inspiraría Romero en su agente para escribir a su zombie que piensa?), a la sesión de firmas y fotos donde finalmente tendría oportunidad de estar cerca de este personaje tan humilde, entrañable y genial. Conseguí mi firma en los posters y mi fotografía junto a él. ¡Primera misión cumplida!. Tras el subidón, ,Villa Paty y yo fuimos a comer con Jose ,la única persona que conozco a la que la enfermedad conocida como Romerofilia le afecta más que a mi. Era hilarante ver la cara de la gente cuando nuestro amigo iba recitando por la calle diálogos de Dawn of the dead en versión original ,con el mismo tono y pronunciación y completamente de memoria. Alucinante. Tras la comida, en la cual los que comieron con nosotros se aburrieron de escuchar las conversaciones de enfermos de Fivejacoby y yo, tuvimos el siguiente encuentro con Romero en la presentación del libro American Gothic, en la cual no nos dio tiempo a preguntar nada al señor pero si nos dimos cuenta que mientras escuchaba a su traductor un tembleque muy estraño afectaba al de Pittsburg. George esta malito. Después vimos a Jesús palacios y le preguntamos que opinaba de La tierra de los muertos, que como buen Romerófilo sabe apreciar. También vimos el póster de Diary of the dead en español ,por lo visto un ejemplar previo promocional que no sabemos si acabará siendo el oficial dado que los muertos que salen al fondo están copiados de un comic!!! Tras una frugal cocacola nos dirigimos a la segunda sesión de Diary, donde esperamos en la cola con otro buen puñado de fans fatales de Romero y discutimos sobre ediciones de DVD películas, películas y más películas. En esta sesión Romero siempre humilde y entrañable, recibió el premio honorífico a toda su carrera en un preludio emocionante a la siguiente proyección de Diary con todo el auditorio a tope que acabó de nuevo con otra larguísima ovación. Tras la película Me llamó Borja Crespo para darme una noticia que no me dejaría dormir : me había conseguido una entrevista con Romero el Domigo. Volvimos a Barcelona y me despedía de Paty y Villa, yo volvía solo a Sitges esa misma mañana.Y allí estaba yo, en el Hotel Meliá esperando a que apareciera Marien, la encargada de Prensa de Notro Films, la distribuidora de Diary en España, mientras Romero desayunaba solo, con absoluta vía libre para ira preguntarle algo. Pero decidí esperar a la entrevista. Cuando llegó Marien me dijo que solo tenía un cuarto de hora escaso. Mientras tanto un amigo de Infraser, Jordi Ordóñez, me solicitaba ayuda para que Romero firmara su material, pero poco podía hacer yo. Mientras esperaba mi turno conocí a Hernan Migoya que era amigo de Jordi y por arte de magia acabé sentado en una mesa discutiendo con Jesús Palacios y Migoya sobre si Shaun of the dead era buena o no(tras pasar Edgar Wrigth y asaltarle como una fan histerica)Todo muy divertido y delirante ya que el señor Jordi conocía a TODO el mundo y me estaba pidiendo ayuda A MÍ para que Romero le firmara un poster. Y ahí estaba yo de repente charlando con Palacios y Migoya tranquilamanente. De locos.
Antes de Ir a la entrevista tuve ocasión de hablar con Ruggero Deodato,otro personaje entrañable al que le conté que la nueva de Romero tenía un concepto similar a Holocausto Caníbal.¿Su reacción? se emocionó muchísimo y se fue corriendo a ver si podía hablar con Romero del tema, mascullando a su compañera : “Has oído? El gran Romero ha utilizado mi idea para su nueva película, Romero ha utilizado mi idea para su nueva película!!”recítese con un elegante énfasis y graciosísimo acento italiano. Finalmente llegó la hora. Tuve ocasión de entrevistar a Romero en el jardín del hotel Meliá. El hombre señaló mi camiseta del día de los muertos y comentó: “Hey!Nice Touch!”ya que no esta acostumbrado a ver muchos fans de su tercera parte en la saga. Todo fue muy bien, me dio tiempo a preguntar bastantes cosas y Romero pareció complacido por las preguntas. Al acabar la entrevista me dijo que le había gustado mucho, le di la mano y dejé el turno al siguiente mientras Romero me dedicaba una sonrisa cómplice de las que no se olvidan. Romero es un tío muy campechano y agradable.Un encanto, que ni por un momento gusta de alardear de sus películas o su trabajo .Una actitud de la que deberían aprender muchos cineastas y actorcetes con muchísimo menos que decir y que a veces con dos cortos se pasean por ahí como si fueran alguien.

Tras ese máximo en mi experiencia festivalera (¿puede haber algo mejor que habla con EL HOMBRE?)me dediqué a ver que más actividades podría hacer. Me encontré de nuevo con Hernán Migoya y me regaló una entrada para The Fall la nueva del tipo de La Celda,aunque no me dio tiempo a ir ,por lo que intenté ver otras películas. Tuve ocasión de ver The Devil´s chair la nueva del director de Broken. Muy mala, intenta mezclar el rollito Saw o hostel con ideas de Hellraiser con un personaje Punk y un giro sorpresa de los que se huelen desde el principio. Todo rodado de forma barata y rápida al estilo de las Saw. Pese a que no se toma muy en serio a si misma y alguna de sus tonterías tiene cierta gracia, no se hasta que punto merece la pena pagar por verla. También se estrenó Hot Fuzz que esta muy bien aunque los fans de Shaun of the dead quedamos un poco decepcionados ya que su duración es excesiva y en algunos momentos imita demasiado bien a Michael Bay y repite alguna que otra gracia haciéndose más cargante de o que cabría esperar .Así sin querer, me topé mas tarde con Edgar Wright con quien en vez de hablar de sus pelis hablé, como no podía ser de otra manera, de las de Romero. Muy majete.
Después baño de personalidades y anécdotas. Encontré al interesante director Larry Fesseden cuya Last Winter se había presentadoen el fetsival. Venía de la playa y estaba con la ropa a cuestas, con un bañador extrañísimo y una camiseta super roída y agujereada. Su mujer era también un poco jipi y se partían de la risa cuando le propuse hacerme una foto con el de esa guisa. la foto la saco su mujer encantada de que su marido sea un director tan grunge . Luego ,muy majete el desdentado Actor y director(es el atracador de la interesante “La extraña que hay en ti”)me regaló unas postales de sus películas (Wendigo,Habit...)que me firmó de recuerdo. Todo un personaje.
Luego me topé con Brian Yuzna que me contó sus proyectos con su nueva productora Amazing films. Muy simpático. Este odiado y peculiar personaje es el encargado de estrenar Diary of the dead en España(al parecer tiene todos los derechos)y me comentó (oh,exclusiva!)que la estrenaríáan sobre febrero o marzo,con pocas copias como era de esperar, pero que el DVD será muy interesante ya que incluirá mucho material extra que han preparado en exclusiva. Imagino que la entrevista que Jesús Palacios me dijo que le harían a Romero en el Cementerio estará incluida. También me habló del estado de House of Reanimator y se dedicó a vagar por el hall del hotel el solo. Otro personaje que se las trae. Como no podía ser de otra manera me tragé una buena maratón zombie que lamentablemente no incluía muchas películas decentes pero bueno, fue más o menos divertida. Para empezar The Rage de Robert Kurtzman antiguo miembro de la KNB que dirigió hace tiempo la lujosa producción Wishmaster .The rage es una cutrada importante con mucho gore y diversión pero también larguísima, y con muchos momentos de aburrimiento y sin gracia. Una vuelta atrás a ese cine gore cultivado en los noventa con más ganas que medios pero muy poco inspirado y que sorprende por su factura amateur que provenga del director de Wishmaster, lo que confirma que muchas veces los presupuestos, valores de producción y equipo de hollywood pueden dirigir una película por si sola. Kurtzman me contó que dejó la KNB hace 4 años por que no quería vivir en LA si no y prefería dedicar a producir películas y dedicarse a dirigir bodrios digo... sus propias películas. Después llegó la que es una de esas coincidencias graciosas dentro del festival. The Zombie diaries, la versión pobre y británica de Diary of the dead, (crónica del Apocalipsis zombi cámara en mano)que aburrió al personal cosa mala.Sin acción, con diálogos muy pobre y actuaciones correctitas, esta propuesta absolutamente independiente podría haber sido mucho mejor con algo más de imaginación y/o acción. Nadie hizo ningún aspaviento durante la proyección y la respuesta fue más bien fría, siendo el aplauso final especialmente breve y fláccido. y es que The Zombie diaries tiene muy pocos momentos de horror y mucho dialogo cansino que termina con un delirante final que olvida la amenaza zombie para centrase en la de los humanos frente a los humanos de una forma poco sutil y exagerada. También tuve ocasión para hablar con los artífices del proyecto que me contaron que no les gustó la de Romero y que no sabían que él iba a hacer lo mismo(lo mismo que Balagueró y Paco Plaza con su alabada Rec, la cual no vi peor tuve informaciones de que aunque da mucho miedo hay momentos de humor involuntario)Una de las actrices de la película estuvo allí y me sorprendió por su perfecto dominio del castellano, completamente alucinante por su falta de acento(pensé que me tomaba el pelo)
Después toco el turno de Mulberry Street una extrañísima película de zombies-rata que no tomaba la ruta del gore fácil tipo ovejas asesinas si no que se tomaba completamente en serio a sus infectados con morro de roedor y proponía otro Apocalipsis mundial desde un punto de vista raro raro raro. También muy lenta, los que sobrevivieron a The zombie diaries(pocos)intentaron animar la proyección con aplausos en los momentos de más acción, que no son muchos. Con un final tristón y una atmósfera extraña, Mulberry street tarda demasiado en empezar y su aspecto pobre y monocromático no le dan un estilo suficientemente original como para que pase del cuatro raspadito. Finalmente la cuarta y mejor película, Fligh of the living dead cayó a eso de las cinco y media de la mañana con el salón casi vacío y con muchos muertos vivientes en las butacas. Una lastima pues pese a ser también una producción para el mercado de DVD, es la única del lote que merece la pena .Con sus infectados a la 28 días después y su gore de alto voltaje supone una experiencia más grata que la decepcionante Serpientes en el avión pese a que como ésta la acción tarda demasiado en aparecer en escena. Por tanto, una experiencia maratoniana menos cachonda o entretenida de lo esperado, ya que la selección de películas no es la más adecuada para esas horas de la madrugada, y más existiendo muchas más producciones gamberras en dvd más divertidas y moviditas que éstas. Pero esto no estropeo la jornada gracias al buen sabor de boca que me dejó el tercer pase de Diary of the dead en el Retiro .Con un público mucho más entregado que en los otros pases, se respiraba un ambiente mucho más festivalero y animado. Los aplausos se sucedían en cada muerte y en la mayoría de gags. La mayoría de los asistentes aplaudieron a rabiar cuando Romero presentaba su punto de vista sobre como los muertos deben de andar y su delirante secuencia posterior. Al final el aplauso fue estruendoso y largo. No es para menos.

Esta fue la experiencia de Sitges resumida a su esqueleto, como siempre cuando termina la tristeza recorre la espina dorsal y los recuerdos de un sueño hecho realidad se difuminan junto a las vistas al mar de la costa mediterránea donde vi y hablé probablemente por última vez ,con el creador de las pesadillas y universos donde prefiero vivir antes que en el mundo real y que ha influido a ser la persona que soy ahora.

2007-09-27T19:36:00.000+02:00

HORROR HOTEL

(AKA CITY OF THE DEAD)

REVIEW

Horror hotel es una de esas joyas perdidas de los años 60 que no parecen pertenecer a la época en la que fueron rodadas. Su posición dentro de la historia del género no goza de un gran reconocimiento y si bien no es ninguna obra maestra, podría competir con cualquier obra del mejor Mario Bava en la cinematografía fantástico terrorífica Europea. No es extraño no sorprenderse al saber que City of the dead es un producto de la productora Vulcan Pictures, donde se forjarían los cimientos para una productora tan conocida como la Amicus. La escena que abre la película, una quema de Brujas en una ciudad de nueva Inglaterra, guarda un parecido asombroso con el clásico del mismo año La Mascara del demonio(La Masschera del Demonio,1960)de Mario Bava .Durante su desarrollo se encuentran muchas semejanzas estéticas con el director italiano, pero en especial la atmósfera de irrealidad que fluye en el pueblo que recuerda ,por ejemplo, a la de Operación Paura. La trama sigue un patrón estructural muy similar a la fundamental Psicosis(Psycho,1960)(1) en la que la supuesta protagonista desaparece de la historia bien entrada la película, dando un pequeño giro argumental sin que apenas se altere el ritmo. La historia de cultos satánicos y brujería retrae al universo del maestro H.P. Lovecraft en su exposición. Un pueblo largamente olvidado, poblado por brujos que vuelven a la vida gracias a un pacto con el diablo que ha condenado el lugar con una maldición de cientos de años. La sensación de deslocalización y aislamiento del resto del mundo ,lo maligno y misterioso, incluso lo onírico se percibe en Withewood al igual que en los pueblos imaginarios de Dunwich o Insmouth (2). La hermosa fotografía en blanco y negro, muy contrastada, ayuda a destacar la continua presencia de la niebla, añadiendo un matiz fantasmagórico al escenario donde aparecen los extraños habitantes de pueblo, cuyas apariciones resultan verdaderamente escalofriantes incluso viendo la película hoy en día. La presencia de estos habitantes espectrales forman uno de los numerosos puntos de unión con otro clásico de la época: El Carnaval de las almas(Carnival of Souls,1962), cuya atmósfera es en ocasiones muy deudora de City of the dead. Pese a que en algunos momentos la banda sonora no le hace demasiado bien a la cinta, y en otros hay alguna pequeña inconsistencia en el guión, la película permanece como un compacto relato de horror que dado su corto minutaje resulta un ejemplo especialmente conciso de cómo se puede hacer funcionar un film sin dejar de incorporar elementos ajenos a la trama. Uno de sus puntos fuertes es la memorable interpretación de Cristopher Lee, que aunque no ocupe un papel protagonista, resulta clave para el devenir de el argumento y podría estar al lado de las mejores recreaciones de villanos de su primera etapa. Horror hotel , pese a su pequeño presupuesto, nos deja un buen puñado de imágenes fascinantes, a veces aterradoras, que elevan de categoría a lo que podría haber sido un título más de la segunda división del fantástico británico resultando un estimulante descubrimiento que aún sigue teniendo influencia en algunos de los horrores más populares que se estrenan en cartelera(3).

Notas:

(1)La coincidencia de hacer desaparecer a la protagonista principal pasada la primera media hora de película para que durante el resto de la película sean su hermano(Hermana en Psicosis) y novio quienes la busquen no es la única ya que la rubia protagonista también es asesinada en un motel.
(2)Horror Hotel influyó ,como a tantos otros directores, a Lucio Fulci en su recreación de una ciudad con una puerta al infierno en su película Miedo en la ciudad de los muertos vivientes(Paura Nella Citá dei Morti Viventi,1980) que curiosamente llevaba el nombre de... Dunwitch.(3)La película y videojuego Silent Hill (2006)presentan muchísimas similitudes formales y argumentales ; en especial la situación fantástica del pueblo en un extraño limbo mágico y su característica bruma. También el trasfondo argumental con caza de brujas de fondo que se permite imitar algunos planos del comienzo de City of the dead

2007-09-22T17:30:00.000+02:00

KARL HARDMAN R.I.P.

Desde Mondo puto despedimos a uno de los personajes más´emblemáticos de la historia cine de terror.Harry Cooper ha muerto.El actor Karl Hardman ha muerto ayer a lo 80 años.No actuó más en el cine salvo el la película Santa Claws pero su trabajo en La noche de los muertos vivientes como Harry Cooper le procuró un especio importante entre los aficionados.Además el fue el encargado de la música de la película,de los efectos especiales y de maquillaje así como de la producción.Karl Hardman era padre de la actriz Kyra Schon,que en la película hacía de Karen la hija de Harry Cooper que acaba convertida en muerto viviente y es la imagen icónica de la película. Gracias a él supimos que "El sótano es lel lugar más seguro!!"

2007-09-22T16:46:00.000+02:00

NUEVO CLIP DE REC

Por fin un pequeño trozo de la que promete ser una de las experiencias más tensas que podremos ver en el cine este año.pese a que las actuaciones son un poquito pauperrimas(casi entra la risa de vez en cuando al escuchar al personaje de pablo)La dirrección de J balagueró y Plaza promete,al menos ,una experiencia terrorífica interesante,aunque a juzgar por el clip podemos esperar algo tipo "personaje se acerca a sitio que no se ve nada-SALE ZOMBI DANDO SUSTO"etc..etc..etc..REC se presentará en el festival de sitges quese celebrará del 4 a 14 d eoctubre y será exhibida junto a dos películas con temática idéntica:Diary of the dead de George Romero y su poco estimulante apéndice británico, The zombie diaries. Mirad el clip Aqui: http://www.youtube.com/watch?v=RJV5Lli3jYU

2007-09-17T21:43:00.000+02:00

DOSSIER

LAS PUERTAS DEL INFIERNO Y EL HORROR(I)

Satanismo, cultos oscuros, sectas, fantasmas.Ninguno de estos subgéneros puede abarcar aquellas películas para las que no existe un nombre ni subgénero concreto dentro del terror. A menudo dichas cintas son consideradas dentro de otro subgénero concreto o a ninguno en particular.Dentro de un marco sobrenatural ,estas películas comparten entre ellas aspectos como la ruptura con la realidad conocida bien a través de una dimensión infernal o psicológica, desafío a las leyes de la lógica narrativa, o espacio temporal, apariciones infernales en distintas manifestaciones :demonios, muertos vivientes ,espectros etc... al mismo tiempo, la gran mayoría de ellas se alejan de la concepción del infierno desde la perspectiva católica, lo que crea una distancia con películas satánicas mas populares , adoptando siempre otras perspectivas mas cercanas a las ciencias ocultas, sectas, magias y cultos ancestrales de influencia mas lovecraftiana que bíblica. La selección de films escogida no tiene un patrón establecido y alguien podrá echar en falta alguna película que podría emparentarse con estas. Sin intención de exhaustividad he descartado películas como Hellboy o Constantine por no adscribirse al género de horror propiamente dicho mientras que también he obviado películas de posesión ,venida del anticristo etc.. La extensión sobre cada una varia en relación a la importancia que se la da a las puertas del infierno en la trama. Algunas de las películas son mencionadas de pasada al ser sólo parcialmente relacionadas con el tema.

La presencia del maligno en el cine de terror de dio obras maestras como “La semilla del diablo” o “El Exorcista”,pero los 70 nos dejaron a una gran olvidada :La Centinela una de las películas de terror mas desconocidas, dirigida en 1976 por Michael Winner .Contó en su reparto con estrellas consagradas en decadencia como Ava Gadner o Jonh Carradine y con un buen puñado de estrellas de Hollywood por aquel entonces poco populares como Jeff Goldglum o el mítico Cristopher Walken. A pesar de ello, la película ha sido ignorada por muchos aficionados. El argumento tiene bastantes similitudes con la semilla del diablo de Polansky, incluso hay varias situaciones similares a “El Quimerico inquilino”de este mismo autor de quién Michael Winner no solo adopta la premisa argumental sino ciertos recursos estilísticos y atmosféricos. En la centinela , una joven modelo decide buscar un apartamento para vivir hasta que se case con su novio, un abogado de Nueva York. Tras alquilar el piso comienza a sufrir agudos dolores y desmayos y a ser visitada por extraños vecinos , aunque nadie parece creerle ya que en todo el edificio solo viven ella y un viejo sacerdote ciego que permanece día y noche asomado a su ventana. Siguiendo la moda de cine satánico de la década “La centinela” es una película que trata el tema desde un perspectiva diferente, creando una atmósfera enfermiza y lúgubre que viene a relatar una historia de decadencia y descenso a la locura a través de los ojos de Alison, quien acaba dándose cuenta de que vive en la mismísima puerta del infierno en la tierra . Como castigo por sus intentos de suicidio debe convertirse en la nueva guardiana de ésta. Momentos como el encuentro con su padre muerto, poseído por el demonio ,o el final ,con todas las almas deformes vagando por el edificio, son de lo mas escalofriante del cine de horror ;con una indudable influencia sobre “El mas allá” de Fulci desde la propia temática sobre las puertas a algunas ideas del guión o la caracterización de los centinelas

Antes de introducirnos en el director romano es necesario mencionar a dos cineastas que mas influyeron en sus horrores góticos, Mario Bava Y sobre todo Dario Argento, que con su inconclusa trilogía de las tres madres podría ubicarse como pionera en este tipo de cine. Tanto “Suspiria” como “Inferno” tratan sobre brujas que no son ni mas ni menos que encarnaciones infernales y las casas donde viven podrían verse como futuras entradas del infierno en la tierra, aunque la mención a este pasaje es casi circunstancial, pequeño párrafo del libro de las tres madres: “La tierra sobre la que las tres casa han sido construidas se convertirá con el tiempo en algo muerto y portador de plagas”.Independientemente de la relación tangencial al tema que nos ocupa encontraremos en ambas películas elementos sobrenaturales causados por la fuerza infernal que las brujas ejercen en los edificios donde reinan. Así tenemos lluvias de gusanos, cadáveres putrefactos, imágenes abstractas, fieles perros que sin avisar atacan a sus dueños...quizás menos obvio en Suspiria y más en Inferno, donde la mitología de las tres brujas es más explotada y las imágenes oníricas y macabras son otra forma de mostrar el poder diabólico de las brujas(las ratas se comen a un hombre poseídas por el mal).Pero si de algo sirvieron las películas de argento fueron para inspirar a Lucio Fulci y su trilogía gótica: Miedo en la ciudad de los muertos vivientes, El mas alla y Aquella casa al lado del cementerio.En la Primera de ellas, Lucio Fulci venía de saborear el éxito con la explotación de los muertos vivientes de Romero con Zombi 2 y tras una película sobre mafia, Fulci retomó el tema de los zombies , pero esta vez alejándose de la visión romeriana . En esta ocasión Fulci prefirió beber de fuentes literarias y buscar una atmósfera mas gótica ,haciendo el relato algo mas tradicional .La historia no tiene mucha complicación: Un sacerdote se ahorca en un cementerio de la ciudad de Dunwich(leve referencia a Lovecraft que acompaña al tono del relato), abriendo de este modo las puertas del infierno y haciendo que los muertos vuelvan a la vida. Este hecho es visionado por una médium( interpretada por Catriona McColl) quien sufre un shock y, aparentemente, muere. Mas tarde será rescatada de ser enterrada viva por un periodista (Christopher George) al que convence de lo que vió. Su misión será cerrar las puertas del infierno. Usando como excusa este argumento Fulci se dedica mostrarnos un conjunto de escenas fascinantes por su propia fuerza y no como parte de un todo. La narrativa incoherente y la relativa causa efecto de los hechos que van aconteciendo importan poco y quitando alguna actuación regular , Miedo en la ciudad de los muertos vivientes es una de las mejores películas de horror Italianas. Acusado que sólo ofrece gore sin más (el cual, por otra parte, tiene los mejores Fx del subgénero),lo cierto es que Fulci ofrece una lograda ambientación, y varios momentos inolvidables como las tétricas apariciones muertos y espectros entre un ciudad cubierta de niebla .Además consigue transmitir una sensación de oscuridad e inercia pre-apocalíptica difícil de describir. El clímax final ,cuyas imágenes deudoras del mejor Bava ,es fascinante ,cautivador y macabramente bello, tomando un tono casi épico gracias a la banda sonora de Fabricio Frizzi.

La siguiente película de Fulci, El mas allá podría ser una continuación de la propia Miedo en la ciudad de los muertos vivientes : Liza hereda un hotel en nueva Orleáns donde hace muchos años vivía un pintor acusado de brujería . Algunas muertes inexplicables comienzan a suceder. Liza conoce al Dr John McCabe quien no cree que nada este pasando. La estructura narrativa esta de nuevo muy deslabazada , pero en este caso la fotografía de Sergio Stivaletti es mucho mas poderosa, haciendo parecer la película mas joven de lo que realmente es. Stivaletti consigue un clima fantástico e irreal gracias a los tonos y colores ocres y sepia frente a los mas azulados de Miedo....La situación se desarrolla de forma anárquica a lo largo de distintas escenas sin demasiada coherencia entre unas y otras. Cualquier explicación esta demás y en el transcurso de los sucesos los muertos se aparecen sin explicación coherente. La alteración de la realidad sucede ,por que según las profecías del libro de Eibon , el hotel esta situado sobre una de las siete puertas del infierno y que, cuando se abra, el mal invadirá el mundo (una especie de precedente de Silent hill) así, Fulci se permite jugar con los sentidos en una serie de set pieces macabras y decididamente gore cuya belleza no riñe con lo sádico y cuya atmósfera decadente y oscura permite dar una nueva dimensión a las apariciones de los muertos o espectros, más podridos que nunca(magníficos maquillajes de Giannetto de Rossi(Alta tensión).La película es pues, una vía escape para las obsesiones del “Sergio Leone del horror” como por ejemplo su fijación por los ojos. Desde los primeros planos de miradas a su afición por mostrarnos diversas formas de machacarlos. la aparición de una ciega que advierte a la protagonista de huir del hotel, tiene los ojos completamente blancos lo que nos remite a los guardianes de la centinela. No hay una explicación lógica de quien es, sólo intuimos que es una señal de la gente atrapada en el mas allá. En el extraño y hermosos plano final los dos protagonistas aparecen con los ojos sin vida de los que ya pertenecen al mas allá.

La tradición de estas puertas nos traerá también otros acercamientos mas rutinarios como Zombie 4:After death Subproducto trash de claudio Fragasso muy poco conocido por los fans de las zombie movies que pensaban que la saga acababa con la infame zombi 3.Mucho mas entretenido y gore, esta nueva entrega es una especie de cruce de la mitología del muerto viviente italiano mas típica(la del zombi 2 que se supone que es continuación)y la de las puertas del infierno del propio Fulci. Así tenemos otra dinámica zombie movie con claras influencias del autor de El mas allá en la que los protagonistas buscan sin descanso la 3ª puerta del infierno para asÍ cerrarla y acabar con la epidemia zombie que asola la isla.

2007-09-13T13:39:00.000+02:00

DIARY OF THE DEAD TRIUNFA EN TORONTO

El 8 de septiembre estuvo lugar la premiere mundial de la nueva entrega de el Apocalipsis según Romero. Tras un pase en la sección Midnight Madness del Festival Toronto International Film Festival(TIFF) la película recibió una larguísima ovación cerrada que confirmó la nueva obra de Romero como una vuelta a sus orígenes en plena forma.Las críticas no han tardado en surgir y son por lo general muy positivas.En ellas se resalta la gran diferencia del trabajo de Romero con “El proyecto de la bruja de Blair” rodado en primera persona como un documental real. En la cinta de Romero se destaca el minucioso trabajo de dirección y los valores de producción que alejan la cinta de un ejercicio aleatorio y de cámaras mareante y lo emparenta con nuevas propuestas del género como “Cloverfield” de J.J. Abrahams.Las críticas recibidas han hecho que rápidamente la película se hay vendido por 2,5 millones de dólares a la compañía Wensteins co. Que aseguran la distribución en cines del proyecto ,sin fecha aún de estreno.La mala fama de los hermanos Wenstein puede afectar a la carrera del film pero su reciente éxito con Halloween puede que les de más confianza a estrenar la cinta cuanto antes y sin alterar el trabajo de Romero. Las críticas han salpicado toda la Web y es difícil encontrar una media menor que el notable alto. La mayoría elevan la cinta por encima de su (muy infravalorada)Land of the dead y celebran la vuelta de Romero al nido independiente.Entre otras criticas las páginas especializadas aseguran: “Diary of the dead es de lejos la mejor película de Romero en 20 años”(bloody-disgusting.com)”El resultado es una condenadamente buena película, que esta solo un pequeño grado por debajo de Night y Dawn”(Aintitcool.com) “Es simplemente uno de los films de Horror más audaces, hipnóticos y vitales de la década.”(Fangoria.com).No sabemos si realmente será tan buena, peor lo cierto es que Romero ha indicado su deseo de inciar con ella una nueva franquicia de películas pequeñas, rodadas de forma rápida y barata y que funcionen como apéndices de su saga “oficial.Si Diary funciona,escribirá un guión para su segunda parte inmediatamente .Por lo que los fans del horror con un poco de contenido estamos de enhorabuena.

2007-09-02T21:29:00.000+02:00

PRIMERAS IMAGENES DE

DIARY OF THE DEAD

Ha pasado muho tiempo desde que se anunciase el rodaje de el nuevo Film de George Romero Diary of the dead.Como todos sabeis se trata de una vuelta a sus orígenes de bajo presupuesto proponiendo un viaje a la primera noche en al que los muertos vuelven a la vida desde una perspectiva completamente novedosa.Coincidiendo con el nuevo Proyecto de J.J.Abrahams Cloverfield en el que una epidemia zombie se graba con cámaras digitales en primera persona,es decir a la blair witch proyect.No han tardado en salir imitaciones de su concepto,que al parecer han sido rodadas de forma simultánea, así tenemos la Española REC de Paco Plaza y Jaume Balagueró y la Británica y ya disponible en DVD The Zombie Diaries.la nueva odisea de Romero se estrenará en primicia en el TIFF(Toronto International Film Festival) a finales de Septiembre.Ya hay distribuidores en Europa pero aún no tiene ningún acuerdo para su estreno en Estados Unidos.Aunque la intención de Romero era su salida como pequeñas cintas para Dvd, es previsible un estreno limitado en muchas menos salas que su gran Land Of The Dead.De momento y a falta de más noticias os dejamos con las primeras instantáneas de zombies en el set y de algunos de los personajes.

2007-09-01T11:44:00.000+02:00

DEATH PROOF(REVIEW )

Death Proof de Quentin Tarantino es el capítulo complementario de la divertidísima Planet Terror en el film que nunca llego a ser Grindhouse.Si la mitad de Rodríguez demostraba que estrenada por separado era un experimento en parte fallido, la nueva obra de Tarantino no vale más por si misma que su episodio en aquel divertimento de directores invitados que fue Four Rooms(1995). Tarantino se toma menos en serio que nunca y propone un autentico film-Kamikaze. Estamos sin duda ante un personalísimo trabajo del director quien ha buscado en Grindhouse la excusa perfecta para volcar todas sus obsesiones, ticks, manías y filias. Lástima que por el camino haya olvidado que para que sus desvaríos y salidas de tono funcionen dentro de la película debe de haber una película y si bien su cinta funciona como un perfecto explotation ésta podría haber sido un Film más sólido .El intento de elaborar una mezcla de géneros y subgéneros es una empresa arriesgada que en otros momentos de su carrera ha resultado ser más efectiva pero que aquí, sin llegar al desastre, resulta ciertamente decepcionante viniendo de un autor con una filmografía intachable. Tarantino está completamente suelto dentro de su propio terreno y se mueve a sus anchas dando paseos con su cámara por el espacio y el tiempo que constituyen la cinta, creando un viaje en forma de laberinto(aunque lineal)que va explorando distintos lugares sin llegar a entrar del todo en ninguno de ellos. Finalmente Death Proof acaba convirtiéndose en una curiosa experiencia en dos tiempos cuya intención sin ninguna duda es hacer dos películas en una sola. En su primera parte Tarantino ofrece un particular un estudio del Slasher americano ochentero(1978-83) desde una perspectiva subtextual y desconstructiva. Tarantino escarba en la médula ósea del género investigando porqué una rutinaria estructura de “asesino mata a chicas” terminó siendo un leiv motiv que seguía llenando salas de espectadores que nunca parecían hartarse de los mismos mecanismos. La diferencia con Scream(1996) o con la otra mitad de Grindhouse , la misma Planet Terror, es que Tarantino no se limita a desatornillar los clichés estandarte de un subgénero y, lejos de reutilizarlos para intentar darles la vuelta, DP los absorbe. Lo que hace que funcione como Slasher es que explora en las más profundas raíces de aquel, ofreciendo una sencilla exposición de cómo y por que sexo y muerte siempre han estado relacionados en las películas de psicópatas. La presentación del personaje del “Especialista Mike” es magistral y Kurt Russell vuelve a demostrar que es uno de los grandes cuando se trata de retratar a antihéroes y personajes memorables. Su figura de viejo doble de escenas de acción resulta ser una especie de versión americana del personaje principal de 800 balas(2002) de Alex de la Iglesia con la que DP guarda no pocas similitudes en su discurso. La diferencia aquí es que Mike es un siniestro reprimido sexual que se dedica a asesinar chicas con su coche “tuneado” y a prueba de muerte. En la parte que transcurre en el “Güero bar” observamos como Mike va interactuando con un grupo de chicas jóvenes, independientes, liberadas sexualmente y que usan a los chicos como quieren. Entre conversaciones y chupitos, se va estableciendo una atmósfera incómoda y el tempo es alargado hasta que en el bar no queda ya casi nadie. El propósito final de todo el segmento es llegar a esa escena brutal y desgarrada en la que “Especialista Mike” hace chocar su coche con el de las chicas llegando finalmente a su buscada catarsis casi orgásmica en una planificación que repite el accidente hasta cuatro veces, evocando claramente las reminiscencias del choque como algo sexual.Es en esta primera hora donde se muestra la auténtica película Grindhouse de Tarantino. Plagada de manchas, saltos en la cinta y aspecto vintage de forma mucho más natural que el segmento de Rodríguez, es en ésta minipelícula donde se concentran la mayoría de giños, referencias y pequeños detalles sin importancia que adornan sus películas y que están perfectamente enquistados en la trama.
Tras una aparición fugaz del Sheriff McGraw en la que inexplicablemente sobrexpone las motivaciones sexuales del asesino, la segunda parte(14 meses después) presenta un nuevo grupo de chicas. El afán rupturista de esta mitad hace que incluso la copia deje de estar en mal estado, Death Proof ha dejado de ser una película de un asesino, abandona la atmósfera y los logros de su primera hora a una nueva película mucho más ligera, sin chispa y lo peor de todo: reiterativa. Las intenciones de Tarantino son aquí mucho más autocomplacientes y cerradas en su mundo. El número de referencias a sus otras películas es excesivo y salvo el autoparódico uso de la sintonía Optic Nerve de una de sus protagonistas (4las demás referencias son muy gratuitas, desde el típico “plano maletero” presente en casi todas sus películas hasta una planificación idéntica del desayuno de Reservoir Dogs(1991).Pero quizás el mayor problema es que Tarantino utiliza tres veces el tiempo necesario para explicarnos quiénes y cómo son éste nuevo grupo de chicas. Durante casi cuatro largas escenas consecutivas el grupo no para de hablar de una forma tan vacía y sin Rumbo que no es difícil salir de la película. Los diálogos tienen la marca de la casa, hablan de las películas que homenajea la película e indagan en la cinefagia propia de QT pero resultan más estériles que nunca al no llevar a ninguna parte. El enfrentamiento entre “Especialista Mike” y las duras especialistas podría haberse traducido en un duelo entre iguales apasionante pero sin embargo Tarantino prefiere dar vueltas sobre el mismo tema y parece tan desorientado como el espectador sin saber cómo encajar las piezas.En el fondo busca una excusa para que todo acabe en una persecución que , aunque excitante y muy bien rodada , carece de emoción. La falta de ideas de Tarantino se evidencia en la ausencia de cualquier diálogo, frase o detalle meramente ingenioso durante la persecución, limitándose a hacer gritar frases hechas a las chicas y lo que es peor, volviendo a reiterar en la simbología choque-penetración en las lamentables arengas del anodino personaje de Kim. Un final que emula directamente al cine Trash de Russ Meyer que si bien a Tarantino le apetecía mucho incluir, no termina de cuajar en el conjunto y olvida elaborar las transformaciones del personaje de Mike de forma Gradual precipitándose en un final apresurado y flojo, políticamente correcto y muy poco digno para un gran personaje.
Death Proof es una obra válida para su director pero fallida para el espectador medio, que espera un poco más de un cineasta que sabe hacerlo mucho mejor. Quizás cegado por la posibilidad de perpetrar otra gamberrada, Tarantino vuelve a hacer lo que más le apetece sin rendir cuentas a nadie. La película acaba siendo una divertida oda al feminismo sin mucho sermón con un sano espíritu Camp que encaja en su filmografía como un título menor, a pesar de albergar imágenes iconográficamente tan reconocibles como que las de la propia Kill Bill. Pero alguien debería advertirle al autor de que empieza a enfangarse en los peligrosos territorios del cine de serie Z y aunque sabe como reivindicarlo de forma digna, debería saber cuando su público potencial ha tenido suficiente.

2007-08-04T20:20:00.000+02:00

PLANET TERROR

(REVIEW)

Estrenada en Europa como una sola película y no junto a Death Proof como el Díptico Grindhouse, el segmento de Robert Rodríguez Planet Terror contiene algunos minutos más de material adicional que la versión americana no incluía, que añaden algo más de cohesión a una cinta incoherente, incomprensible y genuinamente trash.
Quizás el mayor problema de Planet Terror es que sin su compañera de viaje Death Proof resulta un extraño experimento que difícilmente llega a encontrar su razón de ser por si misma. Se trata de una película tan delirante que en muchas ocasiones traspasa la condición de homenaje al cine de serie Z para convertirse en una gran caricatura, una parodia casi absurda del cine de horror de nulo presupuesto que la mayoría de espectadores potenciales del filme(jóvenes de 17 a 25 años)difícilmente han conocido. Sin embargo, Rodríguez se muestra enamorado de ese cine que seguro que disfrutaba cuando era poco más que un niño y nos intenta introducir en ese submundo cinematográfico en el que todo era sucio, sórdido, sangriento y cutre. Muy cutre. Para llegar a su objetivo el director pretende emular su experiencia al ver cintas de este inclasificable estilo que llaman Grindhouse y que se podría englobar bajo el más clásico título de cine de explotación. Pero como tal, la explotación no es un género en si mismo, si no una familia de films que por su carácter dispar no comparten suficientes elementos como para obtener unos patrones definitorios concretos. Así, Planet Terror emula la forma de hacer cine de ciertos directores adscritos a un cine violento y crudo y todo el proceso es reconstruido con el propósito de elevar a un nuevo escalón la forma correcta de verlo(1). No estamos ante el típico homenaje a la serie B si no ante un auténtico simulador interactivo de serie Z. Como película que quiere buscar la complicidad Trash del espectador, Planet Terror en solitario resulta un arriesgadísimo lanzamiento hacia los terrenos del cine casposo en el que prácticamente todo esta diseñado para resultar muy cutre. Como tal, es una película deliberadamente mala, sin ningún miedo al ridículo. Mala es Mala. Es decir, no es una cinta que mire desde la superioridad del artista condescendiente a aquellas cintas que trata de rendir homenaje, si no que pide y ruega a gritos ser parte de su especie y supura lágrimas de pus nostálgica por no haber nacido al mismo tiempo que ellas. Por tanto, el jugete de Robert Rodríguez no es ninguna colección de giños típicos de otros géneros menores en una cinta de gran estudio, como viene siendo gran parte de su filmografía u otras recientes producciones como por ejemplo La plaga(Slither,2006). Planet Terror es sencillamente una fiel reproducción actual de una de aquellas películas de finales de los años setenta o primeros ochenta que resultan tan malas que se convierten en divertimentos únicos a los que siempre se puede volver a recurrir. Títulos de culto cuyo visionado es siempre estimulante aunque su calidad propiamente cinematográfica sea tosca o inexistente. Planet Terror esta pensada y diseñada para ser degustada por paladares acostumbrados al cine Nastie, los auténticos degustadores del Splatter, los verdaderos creyentes en la religión del cine subterráneo. Los exploradores incansables a la búsqueda de alguna joya dentro de las montañas de basura del celuloide más rancio encontraran en Planet Terror un nuevo diamante para añadir a su mugrienta colección. Pero a diferencia de otros exploits, esta nueva cinta de zombies busca la diversión asegurada y a pesar de su tono sucio se apoya en la carcajada contínua(pricipalmente gracias a sus gags gore) creando un ambiente laxo en el que el horror no se manifiesta de forma real en casi ninguna ocasión. No sería extraño que algunos críticos por fin vieran recompensado su metódico trabajo de desprestigio de la figura de Rodríguez(un ejercicio del que nunca parecen cansarse y que retoman incesante e inútilmente cada vez que éste tiene nuevo trabajo) por que su nueva película tiene todo lo que parece amargarles la vida a algunos sectores de la opinión .Y además en mayores proporciones. Rodríguez ha volcado todos sus tics, obsesiones y manías en un artefacto explosivo que reúne lo mejor y peor de cineastas como Bruno Mattei o Umberto Lenzi , cuya cinta La invasión de los zombies atómicos()es más que un referente en el ataque al hospital (o esa representación del ejército, ¡hasta con gorras similares!).Tampoco le hace ascos a Lucio Fulci(1) con esos iconfundibles muertos vivientes y su particular forma de la tortura femenina ( la escena en la que el Dr Block clava jeringuillas sobre las manos de una Marie Shelton especialmente reminiscente de una Joven Catriona McColl).Aunque menos de lo que quisiera, Rodríguez consigue crear cierta atmósfera a lo John Carpenter, gracias al diseño de producción y una partitura que a ratos se asemeja a las del director americano y a ratos parece salida de cualquier horror italiano, eso cuando Rodríguez no desata su vena latino-morricone.
Planet Terror es otro producto controvertido de Rodríguez cuya mayor virtud está en sorprender al espectador a cada segundo de metraje a pesar de contar la historia más típica y no añadir nada novedoso al género. Quizás muchas de esas sorpresas no sean demasiado agradables y bastante soeces o con muy poca gracia, pero otras son tan absurdas e irreverentes que hacen que el minutaje pase volando. Algunas situaciones pretenden ser más divertidas de lo que realmente llegan a ser (la incapacidad manual de Dakota)y algunos diálogos sobrecargantes (la salsa barbacoa)pero no llegan a molestar dentro de un divertimento genial, ligero y sin más pretensiones que contagiarnos el amor del director por el cine entendido como montaña rusa , espectáculo ligero y macarra y sin renegar nunca del cine que le ha llevado donde está: el que se entiende ante todo como un entretinimiento.

2007-07-05T01:06:00.000+02:00

28 WEEKS LATER

(REVIEW)
La esperada secuela de ese Remake encubierto del El día de los muertos que es 28 días después llega de la mano de un director español aunque con el nombre de los creadores originales como productores ejecutivos. Las buenas críticas y el (relativo)éxito en la taquilla americana hacían pensar que estábamos ante el título de género de la temporada. Lamentablemente el producto final no alcanza las expectativas creadas por los exaltados aplausos de la comunidad cibernauta.28 Semanas después no es una mala película, no es una mala continuación y es un acercamiento más que interesante al subgénero zombie(SI, ZOMBIE). El afán por desmarcarse de la palabra prohibida hace que los creadores de esta saga hagan ademán de rehuir de los convencionalismos del cine de muertos vivientes y que sin embargo, no parecen querer esquivar. Es por ello que pese a tomar prestados la mayoría de engranajes del género, la propia película se considera a si misma un producto de más calado dramático que otras cintas de carácter menos autocomplaciente y más acomodadas en parámetros más habituales. Parte de su estrategia es afrontar la trama de forma más supuestamente realista (con un uso de cámara de cinema verité aspirante a documental) y aplicar el lenguaje del thriller, el cine bélico o de ciencia ficción más British antes que los mecanismos propios del cine de horror al uso. Para muchos ahí esta el triunfo de estas cintas en los círculos de supuesto prestigio y la acogida menos reticente por el público con el paladar poco acostumbrado al cine escrito con B. El problema principal de 28 Semanas es su descompensado guión y una errabunda distribución de acontecimientos. Como segunda parte, la presentación de la situación es impecable y los primeros minutos dan una visión detallada y a gran escala de la nueva situación(usando un planteamiento geográfico calcado de La tierra de los muertos vivientes)además Fresnadillo se toma su tiempo(demasiado) en presentarnos a los personajes principales y como afrontan la nueva situación. El interés del director en el núcleo familiar nunca llega a plasmarse en una comunión con el espectador y la que se supone es la historia principal de 28 semanas después no logra calar tan hondo como para hacer perdurar la importancia de esas relaciones en la cabeza de un espectador mucho más interesado en ver como la infección se extiende de nuevo o como logran sobrevivir. En esta ocasión las grandes escenas de la cinta son en las que el virus se extiende o cuando llegamos a ver como los infectados escapan fuera de los distritos de seguridad. Esto desemboca en un segundo problema y es que cuando la verdadera acción ha empezado da la impresión de que el camino acabará pronto.Y así es. Lo que podría haber sido unas gran aventura de ciencia ficción y horror se ve saboteada por unas ganas locas de llegar a una conclusión que cierre el capítulo del drama familiar que tanto preocupa a Fresnadillo. El (anti)climax del relato es una escena con mucha menos trascendencia de lo que los creadores estiman y si bien no hace naufragar la cinta, no es el gran final que ésta pedía a voces. El personaje mas carismático, el soldado Doyle queda completamente desaprovechado, así como el emplazamiento desolado y ajado de un Londres lleno de infectados persiguiendo a los protagonistas. No hay muchas concesiones lúdicas salvo esa salvajada robada a la original Dawn of the dead de Romero(en esta ocasión a mayor escala, claro)y que también se puede ver en su coetánea Planet Terror (aunque en esta chirría menos por su condición de gamberrada). Con todo, 28 semanas después es una mas que correcta secuela con grandes secuencias de gran ambición plástica y cubre otro pequeño hueco en la historia de la cinematografía zombie sin resultar innecesaria. Una lástima que no tenga la ambición en crear una odisea de mayores proporciones teniendo en su mano todos los elementos para conseguirlo. Sin embargo, en sus momentos más sencillos alberga mágnificas ideas como el rebrote de la plaga a raíz de un beso de reconcilación que desatan el halo pesimista que acompañara al film durante todo el metraje. El trabajo de dirección es muy interesante y aunque intentando seguir el patrón de Boyle en muchos momentos(el paseo en moto rodado igual que en la anterior y su posterior llegada a la casa, los epilépticos movimientos de cámara, la música...)tiene una pequeña parte de Fresnadillo en ella y al buen hacer de éste solo se podría reprochar ciertos recursos aislados poco acordes con el tono del film(flashbacks,sueños,camara lenta...).Esta segunda parte es otra forma de mirar hacia el género que se queda en lo que la mayoría de estas cintas están ofreciendo al fin y al cabo:las primeras fases de una invasión. De momento el único que se ha adentrado en las fases más interesantes de la línea temporal del dilema apocalíptico sigue siendo Romero y su Land of the dead es pese a quien le pese la única que ha ido un paso más allá en el género pese a que nos quieran hacer creer que una forma o estilo mas moderno signifiquen un avance.

2007-06-10T01:10:00.000+02:00

POSTERS Y TRAILERS A GO GO

Primero ,el poster final del esperado Remake de Halloween por Rob Zombie.personalmente,no creo que esta película necesite un remake(como tantas otras...)pero en esta ocasión puede que Zombie añada algo de interés aunque el michael myers con esas greñas me parecen tan ridícula como la interpretacion del niño myers. aqui teneis:

trailer:
http://www.youtube.com/watch?v=Haf5u-blscI

Depués otra de las cintas de horror mas esperadas,30 dias de noche de david slade,el director de la correctita Hard Candy. trailer:
http://www.youtube.com/watch?v=UVyKPOPVQGo
Y finalmente Otro Remake y como de Vampiros va la cosa, aqui esta Soy Leyenda tercera adaptación al cine de la seminal novela de Matheson.no pinta del todo mal,pero huele a yo robot por todos los lados...
trailer:
http://www.youtube.com/watch?v=hX773fMkS90

Y finalmente una de las que decepcionaran.The invasion(otro remake de la invasión de los ladrones de cuerpos),película que lleva mas de una año rodada por el director de "el hundimento"y "el experimento".La idea era muy prometedora pero los wachoski han metido mano rodando mas de media película por completo.seguramente nos quedemos sin ver la versión original,pero con suerte el dvd puede dar esperanzas.de momento este es el primer trailer de la película que veremos.
trailer:
http://www.youtube.com/watch?v=tJLPhq_NMYI

2007-05-24T16:51:00.000+02:00

DARK WATERS

REVIEW

Los años noventa certificaron la defunción del genero fantástico y de terror italiano. Mi novia es una zombie(Dellamore Dellamorte ,1994)es para algunos la última gran cinta fantástica salida de italia.El cine europeo experimentó un cambio importante y mientras la industria americana se ahogaba entre refritos de sus cintas adolescentes ochenteras, nuevos y jóvenes cineastas ofrecían curiosas aportaciones al fantástico en sus debuts. Accion Mutante (1992)de Alex de la iglesia, Dust Devil (1992)de Richard Stanley y otras operas primas de europeos con ganas de hacer frente a los blockbusters yanquees son conocidas por los fans del fantastique más recóndito. Una de esas Obras primerizas es Dark Waters (1994)del italiano Mariano Baino. Una película desconocida y olvidada que aún no ha gozado de distribución en nuestro país. Una lastima, ya que Dark waters es fácilmente una de las mejores películas de Europeas de horror de los 90,y sin dudarlo la mejor proveniente de Italia.

Una de las muchas sorpresas que depara Dark Waters es que resulta ser una de las más atinadas aproximaciones apócrifas al universo de Howard Philips Lovecraft en el cine. Tanto es así que debería formar un díptico imprescindible junto a En la boca del miedo(In The Mouth Of Mandes,1994)de John Carpenter. Aunque mientras que la cinta americana era una exploración de los horrores del de Providence a través de una perspectiva metafílmica y alejada de sus relatos estándar, Dark Waters se basa más fielmente en los postulados típicamente Lovecraftianos, concretamente los perteneciente a su ciclo de Mitos de Chthulu. La Película cuenta como la joven Elisabeth visita un convento perdido para aclarar por que su padre ha ido donando una gran fortuna en los últimos años. No tardara descubrir que en el hay un extraño culto a un Dios/demonio que bien podría ser cualquier primigenio salido de las paginas de cualquier relato de los mitos. No solo la estructura del relato podría ser una variación de La Sombra sobre Insmouth (The Shadow Over Insmouth,1936)si no que la localización de la isla donde transcurre la película transmite una sensación de desolación similar a la del relato y se ajusta a algunas de sus descripciones con más atino que otras adaptaciones posteriores como Dagon (2001).La presentación del culto es también mas deudora de los relatos de Lovecraft que de otras sectas demoníacas y como tal, no falta la simbología mística que anuncia la llegada de la criatura(aunque nunca se llega a explicar cual es la relación). Son muchos los momentos que conectan la cinta de Baino con el universo del escritor y es mas chocante aun que ésta no sea conocida en ni siquiera entre los aficionados al creador de los profundos.
Aunque la película sea una coproducción Rusa/británica/italiana Dark Waters pertenece a la tradición mas típicamente spaguetti y recoge muchas de los lugares comunes en el cine de Bava, Argento o Fulci.A parte de sus contados asesinatos puramente Giallo el paganismo típicamente Argentiano es un claro referente y La iconografía católica es constantemente utilizada como fuente de horror. Desde los primeros planos de un crucifijo flotando rodado de forma fantasmagórica y siniestra al continuo uso y abuso de los crucifijos como antorchas o instrumentos con los que asesinar(una crucifijo llameante sirve para quemar viva a una anciana que sabe demasiado, un pequeño crucifijo que se abre para convertirse en letal cuchilla...)a veces Dark Waters parece la película que Soavi dirigiera entre El engendro del diablo(La Chiesa,1989) y La secta(La Setta,1991)y Baino parece que bebe de las mismas fuentes añadiendo (como Soavi)algunas gotas de un Cronemberg primerizo. Como sus maestros italianos Baino parece querer plasmar la rica herencia artística europea y la pintura es un elemento importante en su película, tanto como de manera argumental y formal como de forma implícita ,siendo muy influida en su estética por pintores como como Hieronymus Bosch. Los ojos blancos de algunos personajes, el final y otros detalles recuerdan mucho a otra cinta bastante desconocida, la magistral La centinela(the Sentinel,1977) de la que Fulci ya había calcado algunos detalles en su El mas allá(L´aldilá,1981).
Dark Waters comparte con cierto sector fantástico italiano su poco interés en crear una línea argumental plana y concisa. Su guión esta plagado de agujeros en su trama y hay decenas de preguntas que quedan sin respuesta al final del metraje. Sin embargo cada plano parece calculado al milímetro y por momentos parece que Baino esta pintando al óleo en vez de construir un encuadre y, si bien se deleita en demasía y perjudica la fluidez de la narración, los resultados son visualmente aplastantes. Gracias a la tétrica ambientación ,la película disfruta de un constante desfilar de planos de una belleza Macabra incluidos en ella solo por el simple hecho de serlo. La construcción de una atmósfera única y una envolvente sensación de muerte es mas importante que la propia acción. La lluvia y la oscuridad están presentes en casi todo el metraje y junto al uso de una partitura plagada de ruidos y gruñidos la experiencia es un viaje cuasi onírico muy del estilo de Suspiria(1977).Aunque la falta de cohesión del relato es un factor que muchos no encontraran satisfactorio, la película de Baino no carece de otros tropiezos comunes en algunas cintas europeas de horror. El ritmo se resiente hacia la mitad y las actuaciones no son siempre convincentes incluso el guión es a veces sobreexplicativo cuando el espectador necesita otra información. Aunque éstos son males menores que no impiden convertirla en una cinta mas que notable. Dark waters rezuma pasión en cada fotograma y quizás hace que resienta la calidad final del film, se nota la falta de experiencia de un director en su opera prima(posteriormente no ha vuelto al largo)pero no por ello deja de ser un trabajo encomiable y una de esas joyas perdidas que sorprenden por su honestidad y su falta de pretensiones(que no ambición). Su elegancia visual comprende el interesante uso de la fotografía tanto como la acertada elección de no centrar la cinta en el monstruo (casi ni le llegamos a ver)si no en la atmósfera y los pequeños detalles. Una autentica rareza a redescubrir ya por todos.

2007-05-01T21:24:00.000+02:00

LOS ABANDONADOS

(REVIEW)

La primera incursión de Nacho Cerdá en el Largometraje es un clásico ejemplo de debut sorprendente pero irregular. Es un arranque propio de cineastas muy curtidos en el campo del cortometraje, cuyo culto por su obra es equivalente a las relación causa efecto entre las expectativas puestas en sus operas primas y la consiguiente decepción que pueden acarrear entre los aficionados. Los Abandonados viene avalada por el After Dark Horror Fest americano que la incluyó en su serie de 8 films to die for e incluso la estrenó en 1200 salas en los Estados Unidos, recaudando cifras algo inferiores a las esperadas. No es de extrañar, debido a su espíritu de producto independiente aunque bastante americanizado. La primera película de Cerdá es una experiencia terrorífica que olvida en su epicentro cuál es el motor que mueve su trama, cuales son las razones de que estemos viendo lo que pasa en pantalla. Este naufragio narrativo no es impedimento para dejarse llevar por los efectivos momentos de escalofrío con los que el director castiga al espectador. Nadie sabe muy bien de que va la cinta hasta que los dos principales protagonistas intercambian algunas palabras. El espectador entre aterrado y confuso, puede perderse fácilmente en una trama que realmente no es nada complicada ni difícil de comprender, sencillamente las (muy escasas) líneas del guión se dedican a aclarar algunos de los pocos enigmas que el espectador ha asimilado 5 minutos antes. Esta ingenuidad en el apartado del guión incluye la inevitable construcción inversa de personajes, o lo que es lo mismo en vez de mostrarnos al personaje a través de sus palabras a lo largo del minutaje, se nos describe en los cinco primeros minutos(mujer de cuarenta ,productora de cine) para después olvidar que éste se ha de comportar como alguien que piensa por si mismo. Los típicos problemas de guión y estructura son justificables gracias a una cuidada puesta en escena y sus potentes planos de indudable peso visual. La película es una muy sencilla historia de terror de casas encantadas de siempre. No faltan ninguno de los engranajes básicos para desarrollar una historia de horror clásica. Incluso el argumento podría haber salido de cualquier historia de Lovecraft (el americano que hereda una casa de sus antepasados).Es gracias a esta sencillez por lo que la mayoría de los trucos que Cerdá guarda en la manga funcionen a la perfección. Quizás la pega a este respecto sería el abuso de ciertos recursos que llegan a incrementar la tolerancia a los juegos de sonido y efectos musicales que acaban por saturar y a la larga dejan de incomodar. Esto se debe quizás al demasiado estirado metraje, francamente innecesario teniendo en cuenta la limitación de una historia tan básica y la escasez de distintos escenarios, personajes o acción. Los abandonados guarda importantes resemblanzas con el cine de Lucio Fulci, en especial con El mas allá(L'adilá,1981) en la que la protagonista también heredaba una casa y era acosada por espíritus con ojos blanco leche(Otras resemblanzas a la misma son la condición de los dopplegangers ,casi zombies, o incluso el agua del sótano ,también existente en El más allá ). Cerdá también coincide con director romano en su dificultad para seguir una historia coherente y en que se olvida de dar pistas para saber por que ocurre lo que ocurre . El problema de la cinta es su falta de decisión en convertirse en una pesadilla de forma abstracta. Falto de esa locura italiana, nos queda una cinta más americanizada, respira un espíritu independiente con un buen ramalazo a lo Brad Anderson( Compañero de Filmax y autor de la muy estimable Session 9(2001)con la que los abandonados guarda no pocas coincidencias). Por ello, es prácticamente la primera película española(de director español) que parece no tener absolutamente que ver con el fantástico español, salvo por el uso de una partitura demasiado dócil y propia del cine de un Balageró u otro director de “pedigrí” netamente Español. El apartado sonoro ,pese a la previsible BSO tiene un gran mérito y esta muy cuidado, aunque a veces se pierda el sentido de por que se usa. Así en momentos en los que no vienen a cuento el volumen de la banda de sonido aumenta mezclándose con cacofonías y alaridos sin ninguna finalidad aparente. Sin embargo este uso y abuso de sonidos da una textura única al conjunto y convierte imágenes en miedo de forma efectiva.
Los abandonados es una completa película de horror, que brilla por su relativa originalidad(realmente la hemos visto muchas veces)en el contexto del fantástico actual, huye de las ultimas tendencias de horror y de los manídos estilismos nipones para proponer una historia simple y cerrada en la que lo que importa son los momentos aislados y no el conjunto. Una irregular y a por momentos lenta cinta de horror puro sin mas intención que dar miedo apelando a los sentidos mas básicos. Una recomendable película de terror.

2007-03-13T11:04:00.000+01:00

MAKING OF EXCLUSIVO DE GRINDHOUSE!!!

No busques mas.Sólo encontraras este extenso documental sobre la película del 2007 en MONDOPUTO.Perdonen el circunstancial abandono del blog,la grabación de un nuevo disco de Critters ocupa estos dias!! pinchen el link para ver imágenes inéditas de GRINDHOUSE!!

http://www.rose-mcgowan.com/video/thumbnails.php?album=2

2007-02-15T20:46:00.000+01:00

REVIEW: BOSQUE DE SOMBRAS(THE BACKWOODS)

El cine Español y sus artífices y productores nunca han dedicado demasiada atención a otras formas de presentar historias diferentes de las que ellos mismos consideraban dignas de ser realizadas. El cine de Género en nuestro país ha sido casi siempre maltratado e injustamente ignorado. Desde los ochenta, fue constante esa fuerte huída de lo que se consideraba como insulto al arte, fecundada y potenciada por personajes nefastos y políticas que fomentaban (y lo siguen haciendo) la endogamia de un buen puñado de parásitos que han llevado a cabo sus delirios artísticos alimentándose de arcas públicas y subvenciones a saco roto. Bosque de sombras no es sólo la confirmación de que dicha huída podría estar empezando a remitir, sino que puede que sea la llave que abra el camino a otros jóvenes cineastas que no han crecido influenciados por las frivolidades vacías y chabacanas de Almodóvar, sino por Dante, Donner o Lucas. La “Ópera prima” de uno de los gladiadores de esta nueva forma de ver el cine español, Koldo Serra, es una de las muestras más sólidas de cine de género que ha dado nuestro país. No sólo es una pieza insólita en su contexto de cine patrio, sino que su sola existencia, su solo concepto, es ya una victoria en sí mismo. Prueba de ello es la adquisición de derechos de distribución en Estados Unidos por una de las firmas independientes más potentes: Lionsgate Films, culpable en buena manera del resurgir de ciertos parámetros setenteros en el nuevo cine de horror americano. Bosque de sombras no es una cinta de horror, ni siquiera una película de género supervivencialista al estilo de La presa (Southern Comfort,1981) de Walter Hill. No habría una forma de clasificarla correctamente de modo que su público potencial acabara encontrando en ella lo que inicialmente imaginó. Quizás la única definición posible para ella es la de “drama violento” o “thriller dramático”. La película construye una situación en la que la atmósfera de violencia está siempre presente y en la que, poco a poco, se producen ciertas transformaciones en los personajes que pueblan la película y en la que los detalles y la forma se convierten en algo mucho mas poderoso que lo que realmente cuenta, algo tan sencillo que el guión en algunas ocasiones es demasiado funcional. Muchas veces una sola frase escondida o imágenes aisladas son una pequeña pieza que cobra sentido en momentos más avanzados del relato. Ambientada en los setenta, la película se adentra en el mundo rural del País Vasco evitando muy inteligentemente cualquier lectura politizada, ya que el conflicto en la cinta no va mas allá de la propia situación geográfica de los hechos donde transcurre, pudiendo ser los personajes autóctonos rednecks de cualquier pueblo americano o de cualquier otro punto de España. Esta deliberada opción de ambientarla en los setenta no es baladí, ya que Bosque de sombras podría haber salido directamente de esa década y su factura remite constantemente al cine que vimos en esa época dentro y fuera de nuestro país. Son inevitables las menciones a Defensa (Deliverance,1972) De John Boorman y sobre todo a Perros de paja (Straw Dogs,1971) de Sam Peckinpah, con la que guarda notables similitudes argumentales y más de un homenaje nada encubierto. Pero, a pesar de esta fuerte influencia de cine americano en su factura, presentación y potentísimo arrojo visual, no deja de ser una cinta muy mediterránea, con muchos momentos de puro Wenstern de Leone y con precedentes hispanos como Furtivos(1975) de Jose Luis Borau.
En sus 93 minutos de metraje, Serra se toma su tiempo para presentar personajes y contextualizarlos en un ambiente cada vez más opresivo, hasta que en el tercer acto los personajes ya son parte de un camino del que no hay retorno posible y la lluvia se convierte en un nuevo e inesperado jugador más, del que cada trueno y cada sonido es tan importante en la puesta en escena como las miradas de los personajes y las siluetas de éstos, con rifle en mano. Uno de los más importantes factores de que la película funcione son, por tanto, los sonidos, un impresionante trabajo que ya desde los rugidos de los motores de los coches en los que viajan los protagonistas llama la atención por su cuidada presencia. Esto contrasta con la economía musical, que, además de ser casi inexistente, es en su mayoría muy minimalista y reservada para momentos puntuales, en total poco más de una décima parte del minutaje. Sin música que apoye a las imágenes, la película es un ejercicio de sobriedad que ayuda a separar los lazos del director con los protagonistas, evitando convertir a víctimas en seres mejores o asesinos en villanos. Así, se da al espectador la oportunidad para juzgar por sí mismo la tonalidad de los personajes, evitando superfluos y prefabricados juicios éticos.
Pese a sus innegables virtudes, la película tiene sus pequeños problemas: la violencia se masca y se deja oler, pero está un poco contenida y algo suavizada en determinados momentos. Además, como se comenta más arriba, el guión no es todo lo potente que podría haber sido, o, al menos, el que el poderío visual de la película requeriría. En muchos momentos inyecta naturalidad, pero no consigue elevar la relación de los personajes de Norman y Lucy al nivel que podría (o debería) haberla llevado. Hay actuaciones que no son todo lo consistentes que uno pudiera desear, en gran parte por los problemas que supone rodar en inglés, ya que el esfuerzo de pronunciación de actores españoles es muchas veces insuficiente y eso es un problema de cara a la presentación de estos productos, destinados casi más al mercado internacional que al patrio. Afortunadamente, la mayoría de los actores ofrecen un buen trabajo donde brilla con luz propia Gary Oldman, en uno de sus mejores papeles, que, pese a ser un reclamo de cara al público, en la película pasa a ser uno más del reparto. La otra estrella es el inmenso Lluis Homar y toda su cuadrilla sin excepción, los lugareños, que son de lo mejor de la película.

Bosque de sombras es una humilde pero gran película con vocación artesanal y que no pretende más que contar bien una historia pequeñita, cuya factura no solo está al nivel del mejor cine de fuera, sino que no tiene autoconciencia española y podría haberla dirigido un director de cualquier país de la misma forma que Koldo Serra nos la presenta: Fría, sin motivos personales, como un solitario tiro en el monte del cine hecho en España y con un equilibrio entre lo vendible y lo personal que convierte a su director en algo mucho más que una joven promesa, un nombre a tener muy en cuenta en sus futuros proyectos.

2007-02-10T16:20:00.000+01:00

REVIEW : THE FORSAKEN
(los malditos: vampiros del desierto)

En 2001 una pequeña película pasaba prácticamente desapercibida por las carteleras españolas. Su confuso titulo en español hizo que los pocos que se enteraron de su existencia leyeran el titulo sin los dos puntos , creando un poco de confusión y bastante cachondeo respecto al contenido de la película . De ir a verla ni hablamos. No contribuía tampoco la campaña de promoción en la que, tanto trailers como entrevistas, nos hacían creer que se trataba de otra película de horror adolescente más con el reclamo de uno de los actores de Dawson crece y con la coartada de ser una suerte de episodio de Buffy la Cazavampiros de hora y media. No se puede decir que la película no diera al espectador un poco de esos elementos .En efecto: su mayor reclamo comercial era la presencia de Kerr Smith (el amigo gay de Dawson) ,visto en destino final, como protagonista . También el aspecto de mezclar adolescentes con vampiros era algo habitual en la serie de televisión a mayor gloria de Shara Michelle Gellar .Pero sorprendentemente la película no toma ese camino y ,si bien no puede considerarse un clásico de culto ,sorprende al espectador despistado ofreciendo una coherente ,entretenida y violenta película de vampiros al mas puro estilo Kathryn Bigelow.

Y es que los malditos podría ser una puesta al día de los viajeros de la noche tomando algún elemento mas del subgénero como Jóvenes Ocultos y su mas cercana e imprescindible Vampiros de john carpenter . La adicción como enfermedad, la infección y no la seducción .Su tratamiento del vampirismo ,como en algunas de las películas citadas ,se deshace de chupasangres románticos y limita el hecho sobrenatural a tímidas referencias religiosas o psicológicas, y se atreve a intentar crear una mitología vampírica propia .Quizás el mayor merito de la película se debe no a su calidad “per se”, si no que habría de encontrarse en su momento de estreno ,ya que The forsaken se encuentra entre las primeras películas de genero que empezaron a redireccionar el horror soft de los 90 antes del gran boom del fantástico británico y la reformulación del cine de los 70 con sus sangrientos Remakes.

La película es decididamente mas adulta que el grueso de cine de horror post scream y sorprende por su prematuro uso de la violencia ,sangre y sexo .Elementos casi inexistentes en el cine de terror adolescente .A pesar de ello la película es a la vez una de las ultimas muestras de ese tipo de productos y le es imposible deshacerse de formulas presentes desde scream a viaje de pirados etc...Rodada con un presupuesto exiguo (5,5 millones de dólares)su aspecto y FX son impecables y funciona como una película de mas espíritu comercial que independiente .Sin embargo a la par que su cohetánea Jeeper creepers, apuntaba tímidamente a otro cine de horror que en el 2001 no estaba todavía tan asumido por la industria como hoy. La película esta estructurada como una especie de Road Movie en el desierto ,tomando aspectos de películas como el diablo sobre ruedas, comparte una situación muy similar con el vampiros de John Carpenter”(la chica infectada ,mordida en el pubis por el vampiro “jefe” y conectada mentalmente con él)y el grupo de vampiros podrían ser los hijos de los que vimos en los viajeros de la noche o jóvenes ocultos .En esta ocasión los vampiros no exhiben sus dientes, si no que usan armas, y podrían pasar por simples autoestopistas con no muy buenas intenciones ,lo realmente peligroso es que parecen adolescentes con ganas de juerga ,que matan casi por placer y con gran crueldad .

El hilo de la trama es desarrollado a través de los ojos de sean, un editor de trailers de la troma, que viaja a la boda de su hermana y ve su viaje complicado por la presencia de Nick , (Brendan Ferh) el autoestopista ( sin duda el personaje con mas carisma del film ),que resulta ser un cazador de vampiros y hace que el viaje se complique mas de lo que hubiera deseado. Realmente no ofrece nada nuevo y tampoco puede ser considerada como un nuevo clásico o ni siquiera alcance el estatus de culto, pero es no por ello puede dejar de revindicarse ,su correcta factura, la competencia de os protagonistas y su valiente tratamiento del vampiro, sin escatimar su lado salvaje y sexual, pese a no tener ese punto de locura en el guión o un clímax algo mas espectacular(quizás con algún vampiro mas...)que le hiciera entrar al olimpo de las películas que no deberían olvidarse.

2007-01-17T17:13:00.000+01:00

PRIMER TEASER ART DE LAS CRONICAS MUTANTES!!

Una producción a priori desocnocida se revela como uno de los espectáculos de horror más potentes que se esperan para nada menos que el 2008. Pronto han empezado a salir noticias de lo que puede ser el sueño de cualquier freak de juegos como Doom. Planteada como una película bélica y no de horror, Mutant Cronicles narra la lucha futura en una Tierra devastada entre varios humanos contra los demoníacos NECROMUTANTES (otra variación del zombie tradicional). Lo que podría parecer la paja mental de cualquier estudiante pasado de vueltas y con sobredosis de jugar al Quake, puede llegar a buen término, ya que en el reparto tenemos nada menos que a Ron Perlman, John Malkovich, Thomas Jane o Stephen Rea. Su director Simon Hunter es conocido por la curiosa Lighthouse .
Podeis encontrar mucha información y arte conceptual del rodaje en la página oficial http://www.mutantchroniclesthemovie.com
Y ver una especie de prueba preliminar de 7 minutos sin los actores reales en :
http://www.youtube.com/watch?v=80Vn_FzrTVo

2006-12-21T22:21:00.000+01:00

Y NUEVO TRAILER DE GRINDHOUSE
y más fotos...
Veanlo todo en :
http://movies.yahoo.com/feature/grindhouse.html
o si quieren ya está abierta la magnífica página oficial:
http://www.grindhousemovie.net/
Soy yo o me he visto un lindo Bruce Willis???
No tengo más palabras...

2006-12-14T20:36:00.000+01:00

GRINDHOUSE : PRIMERAS FOTOS!!!

Por fin podemos ver imagenes oficiales de grind house.arriba teneis a Kurt Russell caracterizado como Stuntman Mike, un doble de escenas de acción que se dedica a matar a chicas con su megacochazo que veis mas abajo.
Las fotografías parecen del rodaje y ciertamente lucen mejor en el trailer provisional que anunciamos hace un tiempo, en especial las del segmento de Rodríguez.Planet Terror.

2006-12-14T13:29:00.000+01:00

ISOLATION (REVIEW)

Pequeña sorpresilla que nos llega desde las últimamente muy activas islas británicas.Desde que Neil Marshall y Danny Boyle activaran los resortes de un nuevo cine de terror mas descarnado y directo, las entregas de horror británico suelen ser mas estimulantes que la mayoría de producciones americanas. Creep, The descent o Wilderness son ejemplos recientes de buen hacer, no así la sobrevalorada y aburridísima Severance. Isolation es cine con actitud y bien hecho. La historia, centrada un experimento con vacas que no sale bien, comienza de forma muy prometedora y lamentablemente pasa en su tramo final a convertirse en otra secuela tardía del “Alien” de Scott.

Pese a la muy interesante factura visual de la cinta, mientras transcurre la historia hay demasiados baches argumentales que no llevan a ninguna parte y que tampoco ayudan a dibujar con mas profundidad a unos personajes de los que, si bien se nos ocultan habilmente ciertos elementos de su pasado, también se nos intenta informar de algunos detalles que nunca llegan a tener ninguna relevancia y al final resultan estériles y sin más trascendencia que precipitar un tercer acto típicamente adscrito a la monster movie mas convencional.
Con una introducción digna del Cronemberg mas neocárnico y con una visión hiperrealista de lo que un experimento genético puede llegar a dar de sí, Isolation es un despliegue de impactantes efectos especiales y atmosfera decadente, sucia y desoladora. Sin embargo, pronto la película pierde cualquier aspecto sorprendente y se diluye en un empachoso rosario de explicaciones de infecciones de las que nunca volvemos a saber, tipiquísimos Mad Doctors que hacen lo que sea por su experimento y otros grandes éxitos del cliché de la monster movie.

Aunque en ese sentido es algo decepcionante, la película no deja de ser una buena muestra de película con bicho distinta. Quizás la ambición de hacer un acercamiento mas documental al subgénero hace que la propuesta desprenda cierta frialdad que aleja al espectador de la implicación con unos personajes que le permanecen muy ajenos. Con todo y pese algún altibajo de ritmo, la película agota su minutaje con un saldo positivo en el aspecto visual, no sólo en la elección de localizaciones, siempre mugrientas, húmedas y desasosegantes. También en la minimalista e inquietante banda sonora, que acompaña a una inventiva selección de planos. En suma: un buen ejemplo de cine de horror con interpretaciones sólidas e impactante empaque visual que no ofrece nada realmente novedoso en el panorama pero que demuestra las buenas maneras de su director.

2006-12-13T13:11:00.000+01:00

MY NAME IS BRUCE :
LA NUEVA PARIDA DE BRUCE CAMPBELL
A falta de un proyecto que cierre definitivamente la saga EVIL DEAD, Bruce Campbell ha decidido hacer una extraña visita a su mítico personaje a través de una visión metafílmica y paródica de su propio mito. Campbell, icono absoluto de la serie b, dirige, coproduce y coescribe “My name is Bruce”, producida por la independiente Dark Horse Indie y con la participación de Sam Raimi como productor y su hermano Ted como actor.
Pero, ¿de qué trata “My name is Bruce”?. Pues tenemos a Campbell intrepretándose a sí mismo, cuando los habitantes de un pueblo súbitamente atacados por demonios surgidos de una maldición arcana le confunden con su mítico personaje ASH y es forzado a salvar al pueblo de tan maléfica amenaza...
Esta interesante premisa, que podría dar mucho de sí con un buen guión, a priori parece demasiado tomada a broma como para esperar grandes maravillas.Una muestra de ello es una de las primeras fotos de las criaturas: Guan-di, protector de los muertos de gran poder. No obstante, el concepto es cuanto menos curioso y seguro que, por lo menos, agradará a los fans del carismático actor.

2006-11-27T13:47:00.000+01:00

PRIMEROS POSTERS DE "SOY LEYENDA"

Y muy mal pinta el asunto.Tiene el aspecto de que Will Smith ha hecho la misma operación que con Yo Robot. Le va esto de destrozar clasicos de la literatura de ciencia ficción. Parece que, en un afán de convertirse en el nuevo Charlton Heston del siglo XXI, quiere hacerse una carrera a base de bockbusters del género. Las noticias indican que, más que una adaptación de la novela original, es un remake de la horrenda visión de la novela de Matheson llevada a cabo en The Omega Man. Ahí queda pues un poster en el que se ve claramente que la película pretende más complacer a los tuneros de turno que complacer al aficionado mínimamente interesado en el mundo Sci-Fi. Quizás lo único bueno es que el director de la cinta tiene un acertado sentido visual demostrado en la irregular (pero no tan mala) Constantine.

2006-11-24T13:54:00.000+01:00

PRIMERAS IMAGENES DE 28 SEMANAS DESPUÉS

La continuación de 28 días después,de Danny Boyle esta siendo llevada a buen puerto por Juan Carlos Fresnadillo.La cosa no pinta nada mal.aqui hay un peuqeño documento de un par de minutos y fotos!

http://www.foxatomic.com/#PAGE_101:m...&movie_id=1601

2006-11-22T13:47:00.000+01:00

HOT FUZZ :LO NUEVO DE PEGG/WRIGHT

Después de la maravillosa "Shaun of the dead", el combo creador de la mítica serie "Spaced" vuelve con su peculiar parodia de las buddy movies de los 80.
Aquí tenéis los dos primeros teasers y el poster promocional. Que aproveche.

http://www.youtube.com/watch?v=0lDBBavX7Ko

2006-11-19T20:13:00.000+01:00

OFICIAL:REMAKE DE LA COSA DE CARPENTER!!!

Ya no se libra nadie. Con Halloween en marcha y hellraiser siendo reinterpretado por su creador,Universal vuelve a la carga. Después d ehacer un digno trabajo con la revisión de"zombi",vuelven a confiar en los responsables de ésta Strike Entertainment y Eric Newman.David Foster, uno de los implicados en la película de 1982 será productor ejecutivo.El nombre da Newman da cierta confianza a los que pensamos que La Cosa es la película de terror mas completa de todos los tiempos.Por otra parte el guión corre a cargo de Ronald D. Moore conocido por la nueva Battelstar Galactica,Roswell y otros seriales deCi-Fi americanos.Éste ha comentado que el remake será una película complementaria a la original mas que unremake propiamente dicho.Por mi que hagan lo que les d ela gana ,pero que contraten a ROB BOTTIN.

2006-11-19T19:53:00.000+01:00

DETRAS DE LAS ESCENAS DE "DIARY OF THE DEAD"!!

Siempre atentos a las novedades sobre lo últimode Romero, hace unos dias encontramos este pequeño clip sobre la primera semana de rodaje de la nueva película "zombie" de el creador del horror moderno.La cosa no pinta nada mal!!

http://vids.myspace.com/index.cfm?fuseaction=vids.individual&videoid=1437313431

2006-11-06T18:00:00.000+01:00

LA MATANZA DE TEXAS: EL COMIENZO

(REVIEW)

No se equivocan quienes odian el cine de terror por que de cada 10 películas que se estrenan 8 son pésimas.Durante toda su existencia el cine de horror ha sido maltratado y prostituido por infinidad de productores que sabiendo que es un género rentable podrían hacer dinero con poco esfuerzo.El aficionado confiado sin embargo sigue pagando su entrada sin rechistar demasiado.En los Últimos años el cine de terror ha sufrido un asombroso proceso de regeneración con una vuelta a las constantes de violencia y suciedad propias de los setenta .Lo preocupante son sus prematuros síntomas de marchitamiento.Desde las supuestas obras maestras de este nuevo cine como las mediocres entregas de Saw hasta los remakes sosos y faltos de inspiración , cada vez da más miedo pagar por ver una película de género en el cine.Salvo las potentes y honrosas excepciones de Rob Zombie ,Marshall,Snyder,Aja o el mismo Romero,estamos siendo acribillados por infinidad de producciones sin inspiración que en muchos casos no llegan a los mínimos del mero entretenimiento.

LMTEC es quizás el enésimo aviso al aficionado para que no se deje engañar una vez más.Supongo que seguiremos picando a pesar de ello,a juzgar por los resultados de taquilla en Norteamérica de la misma.Planteada como “precuela” del interesante Remake del clásico original de Marcus Nispel, el incompetente Jonathan Liebesman trata de explicarnos de donde viene el ansia asesina de nuestro amado caracuero. Sin embargo la cinta no ahonda en estos orígenes si no que trata deseperadamente de imitar la matanza de Nispel argumental y cinematográficamente y de forma tan poco convincente que la propia película se ahoga en un charco de sangre falsa y desidia narrativa.

Si bien la Matanza del 2004 no era ninguna obra maestra, sabía trasladar de forma original un argumento sin pretensión de linealidad o de profundidad de fondo.Si la original funcionaba de la misma manera de forma cuasidocumental, la versión 04 trataba de rendir tributo a ese interés por obviar la trama y presentar de forma secuencial y estéticamente impecable unos hechos escalofriantes.Por ello desde el diseño de producción hasta la fotografía hacían de la nueva versión un macabro fresco del gótico americano más tétrico y subterráneo.Desde el primer minuto, esta LMTEC da la impresión de que de ninguna manera va a funcionar.Si bien repite escenarios, actores y vestuario,de ninguna manera se deja sentir como secuela de el film del 2004.Todo en esta película falla ,desde la ambientación ( ningún actor parece que hay salido de los 70,mas bien parecen sacados de un videoclip de la Mtv) hasta que la mayoría de momentos de humor son tristemente involuntarios;lo cierto es que la película es difícilmente soportable y no por su violencia Extrema y gore ,que lo tiene,si no por el aburrimiento que genera.

No es descabellado decir que es la peor de las secuelas chuscas de la original matanza ,y una de las peores películas de los ultimos años.Su problema principal es que en su afán de seguir el flim de Nispel, el cual carecía de un motor argumental que lo moviera hacia delante ,falla en lo que hacía del último un film fácil de seguir:la suntuosidad de la forma y el ritmo de la que carece esta muy mala copia en la que la falta de interés evita incluso que la siempre agradecida casquería tenga el mismo valor que en una película de ultragore alemán.

2006-10-23T21:54:00.000+02:00

NOTICIAS FRESCAS!!

HELLRAISER También tendrá remake.

El fin de semana nos trae un puñado de noticias frescas.El clásico del horror de 1987 Hellraiser También conocerá un Remake.Al parecer el propio Clive Barker estará implicado en el proyecto ,presumiblemente firmando el Guión. El presupuesto será mucho mayor que el de la producción original y el que fuera la gran promesa perdida del cine de horror,piensa resucitar de nuevo a Pinhead ,el icono cenobita que ha tenido hasta 8 (o son 9 ya??)apariciones en celuloide. La saga, con la mayoría de capítulos para olvidar,sigue en activo en el mercado del dvd con películas que no aportan demasiado al mito.Por eso, es casi mas prometedora una, tal vez demasiado temprana, revisión del original con la esperanza de que con mayor presupuesto se puedan explorar aspectos de la novela que no pudieron verse en la película por causa del presupuesto.Aunque realmente la adaptación es bastante fiel, un remake se antoja demasiado cercano como para ofrecer algo realmente novedoso en una historia muy básica.Barker ha comentado su deseo de que Doug Bradley , EL pinhead original esté en la película, pero asegura que el personaje será distinto.Quizás La mirada de Barker tenga un encuadre diferente a la historia que todos conocemos y el remake camine por las sendas de la tan de moda “reimaginación”.

CASTING DE DIARY OF THE DEAD.

Fue todo un susto.El 10 de Octubre ,la noticia de un posible colapso de el viejo George A.Romero hacía temblar la red,y los rumores de hospitalización incluían un posible retraso de 2 meses en el rodaje de la nueva “zombie movie” de Romero.Afortunadamente no era para tanto y si bien Romero tuvo un problema de salud, continuó con la producción y el rodaje de la misma ha empezado ya en canadá.Desde el 18 de octubre,se filmará en Ontario durantes las proximas semanas. El reparto también ha sido anunciado y la única cara medianamente conocida es Shawn Roberts el que hiciera de el mercenario novato “Mike” en la Última película de la saga.la genial “La Tierra de los muertos vivientes”.El Resto de componentes del reparto son unos casi desconocidos jóvenes entre los que se incluyen:Joshua Close ("The Exorcism of Emily Rose", "K19: The Widowmaker"), Michelle Morgan ("Alien Fire"),, Joe Dinicol ("Weirdsville"), Phillip Riccio ("Rent-A-Goalie") Y Scott Wentworth ("Elizabeth Rex").
Encargados de interpretar al grupo de estudiantes que uea una película y se encuentran en medio de el inicio del levantamiento de los muertos.Diary no es una película perteneciente a la saga oficial si no un complemento a ella; llevándonos de nuevo a los inicios ,La noche de los muertos vivientes, desde otra perspectiva ultrarrealista y ultradocumental que recuerda a priori a “el proyecto de la bruja de blair”.En los estados unidos la película sera distribuida por Cinetic Media y el mercado internacional por Nicolas Chartier y Voltage Pictures
Si quieres saber más puedes leer mas sobre la noticia,mondoputo anuncio el proyecto en agosto!

2006-10-14T16:45:00.000+02:00

EL LABERINTO DEL FAUNO

(REVIEW)

No soy gran fan de Guillermo del Toro. Sin embargo, siempre que se anuncia una de sus películas me siento muy atraído por sus proyectos. Me gustan todas sus trabajos pero siempre he notado ciertas carencias en sus obras más mainstream. Mimic fue fallida por culpa de los cambios en el tercio final a manos de los productores, aunque a día de hoy me sigue pareciendo su mejor película de gran estudio. Blade 2 tenía ideas que la elevaban por encima de otras películas del mismo género, pero estaba demasiado constreñida por las propias reglas marcadas por la película original y, en general, ese tipo de cintas de acción. Con Hellboy, a buen seguro contentó a todos los seguidores de los comics en los que se basa y al menos logró una auténtica rareza en el panorama de las películas de fantasía de gran presupuesto. Con todo, no me parece que en esas películas, Del Toro de rienda suelta a todas sus inquietudes y siempre dejan una idea de no estar contemplando algo especialmente personal en su forma de rodar o escribir, y su autoría se apoya en los delirantes diseños de producción e imaginería visual. Por eso, Guillermo del Toro, el autor, se diluye en esas grandes producciones destinadas al entretenimiento masivo, basadas netamente en ideas ajenas. Son sus otras películas, las pequeñas, donde se empieza ver de qué pasta está verdaderamente hecho su cine. La infancia (incluida la casi siempre inevitable visión fetal), los horrores insectoides, el mal y los secretos, y una lírica visual que traduce poemas en imágenes entre la pesadilla y la delicadeza de lo puramente ingenuo. Con un malsano gusto por lo oscuro, lo macabro y la sutileza propia de un viejo cuento para niños en el que la bruja se come vivos a los pequeñuelos, sus películas pequeñas son mucho más redondas que sus “ big budget movies”. “El laberinto del Fauno” es, sin duda alguna, la mejor de sus películas y uno de los platos fuertes que el fantástico ha dado en mucho tiempo. Continuación conceptual de “El espinazo del diablo”, en ELF del Toro pone claramente sus obsesiones sobre la sartén y el guiso resulta exquisito, no sólo por lo emocionante de sus refrescantes ideas sino por la pericia para levantarlas. La historia de ELF no trata sobre el periodo posterior a la guerra civil, ni sobre la crueldad de los fascistas, ni siquiera sobre España. ELF trata sobre lo duro de crecer siendo un niño rodeado de circunstancias difíciles de afrontar y como la imaginación puede ayudarte a hacerlo. Apostaría el dedo gordo de mi pie derecho a que del Toro tuvo su refugio del mundo real en la fantasía cuando fue un niño. Para contarnos esto, del Toro ha usado la España después de la guerra civil y, siendo ésta un elemento secundario en la trama principal, ha conseguido retratar esa época con resultados que deberían hacer enrojecer al cine español, continuamente obsesionado con hacer películas que revivan esa época tan reciente y tan prostituida en un celuloide panfletario y de poca vergüenza. Por otra parte, ese mérito ya lo había conseguido en su día con la nada complaciente visión del tema en “El espinazo del diablo”, donde casi por primera vez veíamos un tratamiento del tema menos intoxicado por la incultura y el partidismo político. Siendo poco generosos, si comparamos el resto de películas sobre el tema de Arandas y demás garrapatas del cine español con ELF podríamos decir que éstas otras son poco menos que porquería. Y si, quizás por la visión externa de esa etapa, por interés histórico más que político, del Toro es capaz de contarnos cosas de esa guerra eliminando innecesarios heroísmos que nos desvíen del cuento principal, el de Ofelia,.una niña rodeada de crueldad, de dureza, de una época en la que el tiempo fue duro con todos. Su imaginación la hace viajar a un mundo de hadas en el que las éstas no son como campanillas, sino insectos palo gigantes (no sé si sabe, Sr del Toro, que aquí no tenemos de eso…)y sapos que se vomitan a sí mismos. Seres de pesadilla que a Ofelia le sirven de bálsamo, aunque, a veces, conformen un mundo que es más pesadillesco que el real. La historia alterna los viajes de Ofelia al mundo fantástico con una sólida historia en el mundo de verdad, que resulta mucho más atractiva que el propio contenido onírico. El producto resulta muy cómodo para el espectador temeroso de “otra sesión de cine español”. Gracias a las competentes interpretaciones, donde el único punto flaco es el algo forzado tono de Maribel Verdú, Ivana Vaquero merece un 10 y Sergi López compone un villano muy caricaturesco, pero a la vez terrorífico y real, en el que podemos mirar a través de sus motivaciones y hasta llegar a comprenderlo. A este respecto, los fascistas están dibujados quizás un pelo por encima de la caricatura, casi como el tratamiento que se le ha dado siempre a los nazis en las películas de holocaustos. Es un poco esa ingenuidad del que mira a la historia de país ajeno la que hace que de este aspecto un punto débil innecesario en la película. Si bien el dibujo exagerado afecta mucho al personaje de López, sus súbditos a veces parecen horrorizarse igual por sus tropelías y hasta le temen. El ritmo de la película, muy pausado y hasta disperso, nunca pierde el norte y, al llegar al tercer acto, todas las piezas que se han ido moviendo van cobrando sentido y haciendo mas interesante la trama. Hay que destacar que pocas veces una película con un planteamiento formal y visual tan Hollywoodiense ha sido tan valiente a la hora de contar una historia. Gracias a sus trabajos de gran presupuesto, el director mexicano ha conseguido aprender a contar algo pequeño a lo grande, y la película podría pasar sin miedo por una producción de 30 millones de dólares. Es casi para agradecerle la elección de España para contar y rodar su película. Con su factura técnica impecable e inspirado trabajo de cámara es muy difícil ponerle pegas a un film que resuelve de forma inteligente muchísimos momentos que otros habrían rodado de forma mas previsible. Por otra parte, los decorados, vestuario, ambientación, diseño de producción… son una delicia. Los efectos visuales deberían hacer enrojecer de vergüenza a más de una superproducción estadounidense. Fx creíbles, con una especialmente cuidada mixtura entre animatronics y CGI, hacen que los viajes al mundo de la fantasía sean siempre aciertos, con mención especial para “El hombre pálido”, una retorcida creación que ni Clive Barker podría haber siquiera imaginado y que seguro que se aparecerá en mis pesadillas durante unos días. El Laberinto del Fauno es la confirmación del Guillermo del Toro que siempre he querido ver y no había podido. Es ese del Toro autor que, por fin, no deja ninguna duda sobre su personalidad y que nos deja con ganas de ver qué sorpresas nos traerá con sus próximos proyectos. De momento, aquí tenemos esta pequeña joya del fantástico que devuelve algo de dignidad a un género demasiado ninguneado por críticos y ejecutivos .

2006-10-11T13:14:00.000+02:00

TRAILER DE GRINDHOUSE ON LINE!!!!!

MONDOPUTO se enorgullece de presentaros en exclusiva primicia el primer trailer de la que será la mejor película de terror de 2007: GRINDHOUSE.
No es el trailer oficial, sino la muestra exhibida en los distintos festivales en los que se ha presentado el proyecto y su metraje pertenece, en su mayor parte, a la película "Planet terror" de Robert Rodríguez y el trailer "Machete". Por lo que se puede ver, toda la cinta tendrá el aspecto de una vieja cinta de video, intentando recuperar el aspecto de los video nasties y la explotation de los 70-80.
Por otra parte, también parece que Grindhouse estará un paso más allá del desenfreno y la macarrada sin complejos de films como Desperado o Abierto hasta el amanecer. Además, nuestro adorado Tom Savini parece tener un papel de peso.
Pero lo mejor es que lo veais por vosotros mismos y, si queréis más información de la película, podeis acudir al post que ya le dediqué en su día a este nuevo y esperado proyecto del clan Tarantino-Rodríguez.
Disfrútenlo.

(Dado que el trailer que hasta ahora aparecía en youtube ha sido eliminado por razones de copyright, aquí os dejo un link donde aún lo podeis ver, y en mejor calidad:

http://media.themoviebox.net/storage/trailers/grindhousetrailer.mov )